enero 2011

1/31/2011

Huang Taisheng, El Precursor de la Hoja Tallada



Huang Taisheng, nació en 1950 en Taizhou, provincia oriental china de Jiangsu. Se destaca en el grabado de la hoja de Chinar, donde tras años de esfuerzo, es reconocido como un pionero en el arte natural del grabado a la hoja. En 1994, sus obras fueron recogidas para ser reconocido en los Récord Guinness Mundial, donde se le otorgó un certificado de la sede en Shanghai. Para lograr sus trabajos, se inspiró en una pila de hojas comidas por polillas,  cuyas venas parecía, un mapa de China. Ha grabado en hojas delgadas y frágiles, húmedas y suaves, objetivo que parecía una tarea imposible al principio, pero al que nunca desistió.

Con incansables esfuerzos y la ayuda de expertos en biología, Huang llegó a una solución biológica especial. Cuando una hoja se sumerge en la solución por un determinado período de tiempo, se vuelve adecuada para grabar caracteres u otros patrones decorativos. Además de remojo, las hojas seleccionadas tienen que pasar por varias decenas de procesos antes de transformarse en bellas obras de arte. Dicho proceso incluye, recorte, percusión, prensado, grabado, pulido, planchado y blanqueo.


El tratamiento profesional con la solución especial biológica y los procesos anteriores hacen de las hojas grabadas, mucho más flexibles, a prueba de humedad y polillas, pudiendo permanecer bien conservadas durante un extenso período.



Los trabajos de Huang son altamente reconocidos y recogidos por numerosos museos de China y el resto del mundo. Los temas de sus obras, principalmente, de las siguientes categorías: figuras históricas, tales como Confucio, Shakespeare, la caligrafía china y los murales, el budismo, los líderes políticos y su esposa Qingling Song. En la actualidad, varios artistas populares en el país están comprometidos en el grabado de la hoja, por lo que la técnica se ha transformado en la vía rápida para el crecimiento.


1/29/2011

Tran Nguyen



Tran es una joven ilustradora nacida en 1987 en Vietnam, Indochina. Se especializa en obras fantásticas y surrealistas. A lo largo de su vida, se ha fascinado con la creación de imágenes que pueden ser utilizadas como un vehículo de apoyo psico-terapéutico. Actualmente con sede en Savannah, Georgia, le gusta la estética de la naturaleza y al aire libre que se incorporan a menudo en su trabajo. Actualmente está matriculada en el Savannah College of Art and Design, donde se graduarán con un BFA en ilustración en el próximo año. Para conocer mas informacion de esta artista, visita su Web









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1/28/2011

Robert Tirado, Diseño Artístico de Venezuela


Robert Tirado, mejor conocido como "AEI.UO", es un artista gráfico e ilustrador venezolano que combina la ilustración manual y digital con el diseño gráfico y la pintura, en un único proyecto, inspirado en la belleza femenina y la fotografía, influenciado por la música, el arte, la geometría y el mundo de la moda. Su obra ha sido publicada en importantes revistas digitales americanas y europeas, también ha trabajado con bandas de música, revistas de moda, marcas y productores independientes. Sus ilustraciones se han utilizado en páginas web, accesorios, paredes, vinilos, ropa y ordenadores portátiles. Robert ha participado en importantes exposiciones de arte, en galerías y espacios alternativos de América y Europa, mientras que, sus obras han sido adquiridas por muchos coleccionistas, en el Reino Unido, Italia y los EE.UU. Si estás interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web





1/27/2011

Z. L. Feng, Gran Calidad en Acuarelas


Feng creció en Shanghai, China, donde comenzó a pintar a los siete años y nunca se detuvo, experimentando con diferentes medios, incluyendo pastel, óleo y temple al huevo, antes de elegir su amada acuarela. "Con la acuarela no puede cubrir sus errores, por lo que debe saber lo que están haciendo", dice. Encuentra inspiración para sus hermosos paisajes, en el campo del New River Valley. "Por lo general voy por ahí -hacia el río, el bosque, el lago- para tratar de encontrar composiciones interesantes" Los que están familiarizados con su arte, también están cautivados por su retratos de personas tibetanas, los indígenas americanos de Nuevo México, los agricultores del Sur, y otros. "La captura de la personalidad y el carácter es muy importante, y los ojos en la pintura, es el aspecto más difícil del retrato. Me concentro en los retratos graves que exprese las características del sujeto, su lucha por la vida y su visión. Todavía estoy aprendiendo y experimentando. Mi objetivo es desarrollar la empatía entre el espectador y mi tema" Antes de emigrar a los EE.UU. en 1986, recibió su título de licenciado en arte en la Universidad de Shanghai y enseñó en su departamento de arte durante cuatro años. Completó el grado en Bellas Artes en la Universidad de Radford en 1989, donde actualmente es profesor de arte. En su tierra natal, Feng expuso sus retratos, paisajes e ilustraciones de exposiciones ante un jurado. Desde su llegada a los EE.UU. su trabajo ha recibido elogios en todo el país, obteniendo más de 300 premios estatales, regionales, nacionales e internacionales con muchos de ellos, premios "Best in Show"  y Medalla de Oro en los principales concursos de acuarela. Es un miembro de la Sociedad Americana de acuarela, la Sociedad Nacional de Acuarela, y la Sociedad Americana de Pastel (como pastelista maestro). Su trabajo ha aparecido en la revista del artista, "Acuarela 90", ha sido acurelista destacado en las revistas "Omni", "Acuarela Magic", y la "Revista Nacional de China". Además, sus cuadros han aparecido en cinco libros de arte publicados y distribuidos en todo el mundo. Su trabajo ha sido expuesto en un programa que fue transmitido por la estación local de PBS en Harrisonburg, Virginia. Su biografía ha sido incluida en la Enciclopedia Biográfica de Pintores Americanos, Escultores y Grabadores de los EE.UU. y el Directorio de Arte AmericanoEntre las obras de Feng se pueden encontrar en numerosas colecciones privadas y corporativas, incluyendo Walt Disney, los EE.UU. Gulfstream Aerospace Center y  el Aeropuerto Internacional de Orlando, así como las colecciones permanentes del Museo de Arte de Springfield en Missouri, y el Museo de Arte de la Universidad de Radford. Su obra también se encuentra en colecciones privadas y empresariales en Singapur y China. Si estas interesado en conocer mas información de este artista, visita su Web





1/21/2011

Dieter Schwertberger



Nacido en 1942 en Gresten, Baja Austria (entonces parte de la Alemania nazi) como Dieter Schwertberger, segundo hijo de dos profesores. Su padre murió durante la Segunda Guerra Mundial, dejando a su madre para que él y su hermano mayor se ocuparan de la familia. Logró graduarse en la Escuela de Ingeniería de Viena en 1962, con tan solo 19 años. Su primera década como artista comenzó cuando se le enseñó a pintar de la mano del maestro Ernst Fuchs, en el estilo de la "Técnica de los viejos maestros" a partir de 1963 en adelante. Estas pinturas iniciales fueron mostradas al mundo en un One-Man-Show en la galería del profesor Fuchs, en Viena 1964.


Después de esta exposición quiso ampliar su repertorio de habilidades, y modificar, la "Técnica de los viejos maestros" para poder aplicarla a sus propios fines, en una selección de obras que él llamó "Ideas de la verdad, y su cartera de la falta de armas", que se exhibió en la Galería Bernard, en Solothurn, Suiza, durante 1968. Después de esto, pasó a desarrollar inmensamente su técnica en el arte, con exposiciones en Suiza desde 1968 a 1972. Durante su tiempo allí conoció y expuso con H.R Giger. En 1973, Schwertberger pasó a servir como ayudante de Ernst Fuchs, en la Academia de Verano en Reichenau. Fue en este tiempo que pasó por el período de Piedra, en la que su obra consistió principalmente de objetos y personas a partir de roca agrietada y de piedra (como las que pintó para su famoso tríptico "The Union", presentado en SoHo, ciudad de Nueva York, durante todo 1977). Durante este período se celebraron una serie de exposiciones en Viena y otros lugares de Europa mientras sus imágenes del "Libro Fundamental" se publicaron en este período. 


En 1975 se traslada a SoHo, continuando con su período de obras de arte de piedra. En el 1979 abrió su propia galería "Studio Planet Earth", antes de finalizar el Período de Piedra con una serie de pinturas llamdas "Time-Portales". Mientras que en Nueva York entró en contacto con Alex Grey.  El período de trabajo de 1980 se abrió en el ciclo de transformación de su pintura, que representa "Planetarians" (seres de ficción inventados por él mismo), que fueron exhibidos en la exposición de la Cúpula de la Paz en 1980. Esto fue seguido por la publicación de su libro de postales en 1983. Tres años más tarde, en 1986, regresó a Austria, el mismo año en el que Sphinx Verlag publicó el libro "La Piedra Filosofal" en Basilea. Este libro contiene imágenes y trabajos a partir de Imágenes Fundamentales. Terminó su periodo de 1980 con sus esculturas planetarias.



En la década de 1990 continuó con las esculturas Planetarians, con una exposición al aire libre de cuarenta Planetarians en la montaña Gurten, cerca de Berna, Suiza, marcando el aniversario de "cumpleaños" número 800 de dicha ciudad. En 1993 publicó su libro Heavy Light, una selección de las mejores obras de toda su vida. También comenzó a trabajar en otro libro, Prime Matter. Schwertberger vive y sigue trabajando en Austria, considerándose como un buscador, que muestra lo que ha encontrado a través de "el lenguaje de las imágenes". Su mensaje de "sentido y transformación" encuentra expresión clara e intensa en sus pinturas a través de un uso preciso del espacio, la luz y la textura. Para conocer mas información de este artista, visita su Web




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1/17/2011

Alex Levin


Artista proveninte de Kiev, capital de Ucrania, donde nació en 1975 y más tarde asistió a la Academia de Arte, donde se graduó con honores. En 1990, Levin emigró a Israel, donde continúa viviendo en una ciudad de Herzeliya. Con horario más productivo y agitado,  encuentra tiempo para crecer como artista y estudia nuevas técnicas con el profesor Baruch Elron que era el Presidente de la Asociación de Pintores de Israel. Sus estilos de pintura principales son el surrealismo y el realismo, con una amplio repertorio de técnicas, tanto al óleo, acrílico, lápiz, carbón y pinturas al temple. Sus obras son admiradas en todo el mundo y fueron compradas para numerosas colecciones particulares, corporativas e institucionales en los Estados UnidosIsraelFranciaItaliaUcraniaSuiza y Bélgica


Este joven artista, con tan solo treinta años de edad, se ha convertido en la admiración de sus pares y es reconocido directamente por muchas figuras influyentes como el actor y productor Richard Gere, Madonna, el pianista canadiense de jazz Oscar Peterson y el ex presidente de Israel, Ezer Weizman. Su práctica de la forma original de la técnica del siglo XVI, pasa a ser el uso de varias capas de temple y al óleo (sin trazos de pincel). Después de servir tres años en el Ejército de Israel, en 1997 entró en el programa de diseño industrial y web, resultando ser, un gran beneficio para su técnica.


Actualmente trabaja en dos temas: "La tradición del Patrimonio Judío" y "Venecia a través de los ojos de la máscara". Esta nueva visión de un artista de un Carnaval de Venecia tiene un enfoque totalmente único y presenta un visor con una función de lujo y más prominente de el carnaval de Venecia. Las primeras pinturas de "colección de máscara" se introdujeron en el año 2002 en Venecia y donde fue galardonado con la beca para la Academia de Arte de Venecia para apoyar artistas en continuo desarrollo artístico y que pueda dedicar mucho tiempo a la creación de un nuevo trabajo. 


La tradición de la Herencia Judía es una colección de trabajos de Wall santa de Jerusalén occidental y es alrededores del vecindario religiosa por Alex Levin, uno de los artistas más talentosos y más joven celebra Israel. A través de los trazos de su pincel, Alex ha capturado a los habitantes del barrio ultra ortodoxo de Jerusalén de Mea Shearim, atributos y el pueblo judío en el Muro de los Lamentos, uno de los lugares más sagrados del judaísmo... En 2007 Alex recibió el Premio Medalla de la contribución al arte judaico de la Knesset.



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1/16/2011

Will Cotton, El Pintor Detrás de Katy Perry


Will Cotton es un artista nacido en 1965 en Melrose, Massachusetts, EE.UU. Es un pintor estadounidense y su obra cuenta con paisajes compuestos principalmente de dulces, a menudo habitado por seres humanos, actualmente reside y trabaja en Nueva York. Sus obras de la década de 1990 representan los iconos pop de origen de la publicidad contemporánea, tales como el conejito de Nestlé modo de referencias visuales directamente destinadas a evocar el deseo. Will describe sus primeros trabajos en una entrevista en 2008, diciendo: "Mi impulso inicial para hacer estas pinturas realmente salió de la conciencia del paisaje de los consumidores que vivimos cada día estamos bombardeados con cientos, si no miles de mensajes diseñados específicamente para incitar el deseo dentro de nosotros"


En 1996, comenzó a desarrollar una iconografía en la que el propio paisaje se convirtió en objeto de deseo. Las pinturas a menudo muestran un paisaje compuesto enteramente de pasteles, dulces y helados fusionados. Él crea maquetas elaboradas de estas opciones reales de los productos horneados en su estudio de Manhattan como fuente visual para los trabajos finales. Desde aproximadamente 2002, los modelos de estilo pin-up-desnudas o casi desnudas en ocasiones han poblado estas escenas dulces. Al igual que en el pasado, las obras del proyecto poseen una indulgencia táctil en exceso de fantasía. Los personajes femeninos son los iconos de la indulgencia y languidez, que refleja el sentir del propio paisaje. "Estas pinturas son de un lugar muy específico", dice Cotton, "Es una utopía donde todo deseo se cumple todo el tiempo, lo que significa en definitiva que no puede haber deseo, ya que no hay deseo sin falta"


Siempre interesado en la iconografía cultural, Cotton aprovecha el lenguaje común de la cultura de consumo compartido a través de las fronteras geográficas. Considera que los hilos visuales en su trabajo, elaborado a partir de imágenes que van desde casas de pan de jengibre, al  arte pinup  con algodón de azúcar, para formar parte del léxico de la cultura pop. El trabajo de Cotton también se basa en la larga tradición de la idea de la tierra de leche y miel en la literatura y el arte europeo. estados de algodón "El sueño del paraíso, de una tierra de abundancia, es un hilo que corre a través de toda la historia humana, no sólo en los tiempos prósperos, pero de hecho, muy a menudo en la carne magra también" También ha sido inspirado por los pintores Federico Iglesia, Francois Boucher y Fragonard, el fotógrafo Carleton Watkins, así como el pin-up de pintores como Gil Elvgren. De sus influencias en la pintura de paisaje, dice Cotton "Cuando empecé a trabajar con este tema hace unos diez años, tomé una decisión muy consciente para componer las imágenes de una manera que hace referencia a la gran tradición de la pintura del paisaje americano y que lo hagan sin ironía... Me atrajo inicialmente, la Escuela del Río Hudson cuando me enteré de que muchas de las pinturas fueron hechas específicamente para incitar a un sentimiento de admiración y un deseo de experimentar la nueva frontera. Esto me pareció un tipo particular de América del mensaje propagandístico que quería hacer referencia en mis pinturas. Me encanta la idea de mostrar a alguien una foto de un lugar que nunca has visto antes de que pueda inspirar a querer ir allí, para obligarlos a imaginar lo que podría ser a experimentar una place"

Ha exhibido en los Estados Unidos y Europa. Está representado por Mary Boone Gallery, Nueva YorkBaldwin Gallery, Aspen, ColoradoMichael Kohn Gallery, Los Ángeles. Galerie Daniel Templon, París, Francia y Jablonka Galerie, Colonia, Alemania. Sus obras han sido exhibidas en el Museo de Arte de San Francisco (2000), el Museo de Arte de Seattle (2002), la Kunsthalle de Bielefeld, Alemania (2004), el Museo del Río Hudson (2007), la Triennale di Milano, Italia (2007 ) el Museo Marmottan Monet, París (2008) y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte de Seattle, Washington y el Museo de Arte de Columbus, Ohio, así como de numerosas colecciones privadas importantes. En 2004 recibió el premio de la Fundación Princesa Grace de arte contemporáneo en Mónaco. Este es un premio entregado anualmente a un artista menor de 40 años de edad.

Como Proyecto personal, Will ha instalado una panadería francesa en el Partners & Spade en Manhattan, Nueva York. Dulces y productos horneados que el artista utiliza como referencia en sus pinturas se cocían en el hotel y estaban a la venta durante tres fines de semana en noviembre de 2009. El personal de la panadería fue equipado con diademas hechas a medida de las pinturas tipo de algodón encima de las cabezas de las damas que las hacía muy parecidas a las mujeres de sus pinturas. 

Partners & Spade en Manhattan, Nueva York
Su idea era dejar que la experiencia pública el proceso de la pintura como lo hace, rodeado por el aroma de los dulces recién horneados, añadiendo otra capa de la sensibilidad a la experiencia de ver la obra.  Will también,  fue el director de arte para el vídeo musical de Katy Perry, California Gurls, que se basa en temas e imágenes de sus pinturas. Perry se acercó a Cotton con un interés en su trabajo, que posteriormente se convirtió en una referencia visual central para el vídeo. Will ha creado accesorios originales para el juego, incluyendo un tablero de juego Candy tridimensional real de la tierra con productos de panadería y dulces. Trabajó estrechamente con el director del video, Matthew Cullen de Motion Theory, y el equipo de producción creativo de la compañía musical EMI para recrear escenarios del tamaño de sus pinturas. Imágenes de las obras del algodón "Candy Stick Forest" y "Sugar Beach", entre varios otros, fueron utilizados como inspiración para las escenas en el video. La obra "Cotton Candy Katy" una pintura de Perry descanso en medio de nubes de algodón de azúcar, se presentó también como arte de la cubierta del álbum de California Gurls, Teenage Dream. Si te interesa conocer mas de este artista, visita su Web

Cotton Candy Katy - Óleo sobre tela, 72 x 84 cmts


1/15/2011

Tangerine Dream




Banda alemana de música electrónica perteneciente a la escena Kraut Rock, fundada en 1967 por Edgar Froese. Fue pionera del ambient, del space rock y del uso de secuenciadores. El músico y compositor Klaus Schulze fue batería del grupo en sus inicios, y desde que abandonó la banda, ésta atravesó una gran cantidad de cambios de alineación, pero la más importante fue la de mediados de los años 1970, compuesta por Froese (quien se convertiría en el único miembro en aparecer en todas las alineaciones), Christopher Franke y Peter Baumann, con la cual editaron algunos de sus álbumes más importantes como "Phaedra" (1974), "Rubycon" (1975) y "Stratosfear" (1976), y especialmente los directos "Ricochet" (1975) y "Encore" (1977). En los años 1980 Johannes Schmoelling reemplazó a Baumann, y esta alineación también fue importante y estable. La banda obtuvo gran parte de su reconocimiento gracias a las bandas sonoras que grabaron para películas como "Sorcerer" (1977) y "Risky Business".


Love On A Real Train - Álbum: Dream Sequence
 

La música de Tangerine Dream es instrumental (con algunas excepciones como el álbumCyclone), usualmente basada en el uso de sintetizadores y secuenciadores, y con un sonido "cósmico". Muy pocos de sus álbumes no fueron puramente instrumentales. Entre ellos se encuentran "Cyclone" (1978) y "Tyger" (1987) (este último tenía poemas de William Blake recitados sobre la música), que encontraron el rechazo por parte de los seguidores. Aunque hubo una presencia ocasional de voces en otros de sus LPs, como la pista "Kiew Mission" de su álbum de 1981 "Exit", el grupo solo volvió a tener vocalista en los últimos años, en una trilogía musical (aún no completada) basada en "La Divina Comedia" de Dante.


Phaedra of Nottingham - Álbum: Antique Dreams

 

Edgar Froese llegó a Berlín occidental a mediados de los años 1960 para estudiar arte. Trabajó como escultor y tuvo de profesor a Salvador Dalí, entre otros. Su primera banda, The Ones (de R&B), fue disolviéndose gradualmente tras editar un solo single y Froese se dedicó a la experimentación, haciendo pequeñas presentaciones con una gran variedad de músicos, la mayor parte de los cuales fueron en el famoso club nocturno Zodiac, aunque la banda de Froese fue invitada a tocar para su ex-profesor Dalí. La música era con literatura, pintura, formadas tempranas de multimedia, y más. Solo las ideas más extravagantes atraían más atención, y Froese resumió esta actitud con la frase "En lo absurdo usualmente está lo que es posible artísticamente". Los miembros del grupo cambiaban constantemente, pero la dirección de la música seguía siendo inspirada por los Surrealistas, y el grupo fue denominado Tangerine Dream, nombre surrealista posiblemente tomado de un tipo de mandarina rojiza que crece en Florida, Estados Unidos, aunque hay voces que opinan que procede de la letra de Lucy In The Sky With Diamonds:

"Picture yourself in a boat on a river With tangerine trees and marmalade skies Somebody calls you, you answer quite slowly A girl with kaleidoscope eyes"


Canyon Carver - Álbum: Canyon Dreams

 

Froese estaba fascinado por la tecnología e intentaba usarla para crear música. Construyó instrumentos y solía grabar sonidos en cintas de todos los lugares a donde iba, para usarlas luego, en su música. Sus primeros trabajos con bucles de cintas y otros sonidos repetitivos eran precursores obvios de la emergente tecnología de los secuenciadores, que Froese adoptaría rápidamente. Su colaboración más notable fue con Christopher Franke, quien se unió a Tangerine Dream en 1970 (tras dejar Agitation Free) para reemplazar a Klaus Schulze en la batería, y finalmente convertirse en el gurú del secuenciador de la agrupación, responsable de las pulsantes líneas de sintetizador que definieron el sonido de la banda. Franke dejó Tangerine Dream por diferencias creativas con Froese casi dos décadas más tarde (en 1987) lo que algunos fans consideran como el fin de la banda. 

House of the rising sun - Álbum: Antique Dreams
 

Otros miembros importantes del grupo incluyen a Peter Baumann (1972-1977), que más tarde fundó la compañía discográfica New Age Private Music, para la que la banda trabajó de 1988 a 1991; Johannes Schmoelling (1980-1985); Paul Haslinger (1986-1990); y, más recientemente (desde 1990), el hijo de Froese, Jerome. Muchos de sus seguidores consideran que la adición de Jerome fue un desastre, y la popularidad del grupo ha declinado desde entonces. Un gran número de músicos fueron parte de Tangerine Dream por períodos más cortos; entre ellos está Michael Hoenig (que reemplazó a Baumann para una gira australiana de 1975 y un concierto en Londres), Steve Joliffe (flauta y voz en el controvertido "Cyclone", y la siguiente gira), Ralf Wadephul (quien escribió una pista de "Optical Race" y estuvo en la gira de ese mismo álbum); recientemente, la saxofonista Linda Spa.






Si estas interesado en obtener mas informacion visita Tangerine Dream Official o Edgar Froese

1/14/2011

John William Godward (1861-1922)


John William Godward nacido el 9 de agosto de 1861, fue un pintor inglés del final de las eras Prerrafaelitas / Neoclasicistas. Él era el protegido de Sir Lawrence Alma-Tadema pero su estilo de pintura decayó con la llegada de pintores como Picasso. Se suicidó a la edad de 61 años el 13 de diciembre de 1922 y como se dice, escribió en su nota de suicidio, que el mundo no era bastante grande para él y un Picasso. Su familia ya alejada, que había desaprobado su vocación de artista, se avergonzó de su suicidio y quemó parte de sus papeles. Por ese motivo no se conocen fotografías de Godward en vida. Expuso en la Royal Academy a partir de 1887. Cuando se trasladó a Italia con uno de sus modelos en 1912, su familia rompió todo tipo de contacto con él y eliminaron su rostro de los cuadros familiares. Godward regresó a Inglaterra en 1919, y es enterrado en Cementerio de Brompton, Londres de oeste.


Una de sus pinturas mejor conocidas es la "Dolce far Niente" (1904), que actualmente reside en la colección de Andrew Lloyd Webber. Como en el caso de varias otras pinturas, Godward pintó más que una versión, en este caso una más temprano (y menos conocido) la versión de 1897. Godward eran un Victoriano Neo-clasicista, y por lo tanto un seguidor de la obra de Frederic Leighton. Sin embargo, se sentía estrechamente identificado estilísticamente a Sir Lawrence Alma-Tadema, con quien él compartió una inclinación para la interpretación de arquitectura clásica, en particular, en los rasgos de paisajes estáticos construidos en mármol. La mayoría enorme de las imágenes existentes de Godward destaca a mujeres con vestidos clásicos, planteadas contra estos rasgos de paisaje, aunque haya algunas figuras semidesnudas o totalmente desnudas. Los títulos de sus obras reflejan la fuente de inspiración de Godward: Las Civilizaciones clásicas, más notablemente el caso de la Roma Antigua (de nuevo algo que ata a Godward estrechamente con Alma-Tadema artísticamente), aunque la Grecia Antigua a veces figure, así proporcionando lazos artísticos, aunque de un grado más limitado, con Leighton.

Considerando que la beca Clásica era más extendida entre la audiencia potencial para sus pinturas durante su vida que en el día de hoy, la investigación meticulosa del detalle, era importante para lograr una categoría como un artista en este género. Alma-Tadema fue, así como un pintor, un arqueólogo que asistió a sitios históricos y recogió los artefactos que más tarde fueron usados en sus pinturas: Godward, también, estudió tales detalles como la arquitectura y el vestido, para asegurar que sus trabajos llevasen el sello de autenticidad.

El aspecto de mujeres hermosas en posturas estudiadas en tantos de sus lienzos, causa a muchos recién llegados a sus trabajos, que lo categoricen equivocadamente como de ser prerrafaelita, en particular, porque su paleta es a menudo vibrantemente colorida. Sin embargo, la opción de materia (civilización antigua contra, por ejemplo, la leyenda de Arturo) es más correctamente de Victoriano Neoclasicista. Sin embargo, es apropiado comentar que al igual que sus contemporáneos, Godward, era un Alto Soñador Victoriano, la producción de las imágenes hermosas de un mundo que fue idealizado, y al cual en el caso tanto de Godward como de Alma-Tadema resultóser una visión del mundo de "Togas Victorianas".


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