marzo 2011

3/31/2011

Gil Bruvel, De Sueños y Arlequines Mágicos


Gil Bruvel es un artista nacido en Sydney, Australia, en 1959, los padres de origen francés, trasladaron la familia al sur de Francia cuando Bruvel tenía 4 años de edad. Al tiempo que toma clases de dibujo a los 9 años y aprenden lo básico de la escultura, Gil tomó la decisión de dedicar su vida a la creación artística. Allí se encontró inspirado en la luz y los paisajes de la región que lo rodeaba. 

Empezó a trabajar con pintura al óleo a los 12 años de edad y el medio ambiente local tuvo una influencia enorme y duradero en su paleta, brindándole colores luminosos que aun hoy, sigue utilizando. Su padre de, hábil ebanista, presenta al artista  como es el funcionamiento interno de un taller de carpintería, incluyendo el diseño de muebles, su función práctica, y cada aspecto de la mano de elaboración de cada pieza. 


Teniendo este conocimiento y experiencia, Gil inició sus estudios en un taller de restauración de arte de 1974, pasando el reste de los próximos tres años aprendiendo las técnicas de los viejos maestros y maestros modernos del arte. A partir de entonces estableció su estudio en St. Rémy de Provenza hasta 1986 cuando por primera vez se dirigió a los Estados Unidos, por lo que es su residencia permanente desde 1990.

Gil Bruvel ha expuesto su obra desde 1974 en varios lugares alrededor del mundo y entre ellos: Francia, Mónaco, Inglaterra, Dinamarca, Países Bajos, Hungría, Japón, Singapur, Nueva York, Florida, Colorado, Nuevo México, Arizona, California y Hawai. Su obra ha recibido numerosos premios y su colección abarcan todo el mundo. Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista, visita su Web



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3/30/2011

Krapooyo, Descubriendo un Mundo Fantástico



Krapooyo es una animación realizada en el año 2005, por el director Yannick Puig. Este animador además le hizo un videoclip a la banda francesa de post-rock Kwoon, para su tema I lived on the moon. Esta animación se sitúa en un lugar fantástico donde un pequeño bichito crece y descubre su alrededor. Sin mas palabras, les dejamos este original cortometraje:

Tamara de Lempicka, La Sensualidad Marcada con Fuego Temperamental


Tamara de Lempicka o Tamara Łempicka (pronunciado Uempitsca), nació con el nombre de Maria Górska, en la ciudad de Varsovia, Polonia, el 16 de mayo de 1898. Fue una pintora destacada por la belleza de sus retratos femeninos, de pleno estilo art decó. Se crió en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña, una niña autoritaria y con carácter. Su obra se basa en retratos femeninos. Siguiendo el estilo de la pintura art decó, pinta mujeres etéreas, aunque a la vez férreas; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. También ha retratado a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart, de la misma cantante.


En el año 1910 crea su primera pintura, el retrato de su hermana. En 1911 emprende un viaje a Italia con su abuela, donde descubre su pasión por el arte. En 1916 conoce al en San Petersburgo, al abogado polaco Tadeusz Łempicki con quien se casa al poco tiempo. Y aunque llevaban una vida lujosa en San Petersburgo, con la Revolución de Octubre llega el encarcelamiento de Tadeusz, por lo que Tamara debió sacarlo de prisión y ambos trasladarse a Copenhague. En 1923 se instalan en París, donde nació su hija, Kizette, y donde también toma clases de pintura con André Lhote.


Más tarde expuso en varias galerías de parisinas, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill. En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con Kizette a Italia para observar de nuevo el que por allí imperaba. En 1927, su obra "Kizette en el balcón" recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos. En el año 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón Raoul Kuffner, un coleccionista amante de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos y, pese a su orientación bisexual, Tamara acepta casarse con él en el año 1933. Este hecho la convierte en famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En el mismo año, y tras una breve permanencia en Chicago, trabaja con los artistas Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En el año 1938 se muda a Beverly Hills.


En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo y dos años mas tarde, muere su esposo, de un ataque al corazón. Los últimos años de su vida alternó la estadía en los Estados Unidos con esporádicas incursiones en México, donde conocería a Víctor Contreras, un escultor que la protegería durante esos años. En cualquier caso, su genio siempre vivo, y su personalidad siempre un escalón por encima de lo mundano, fue degenerando hasta convertirse, ya mayor, en una mujer excéntrica y caprichosa. El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca, México. Su hija Kizette, complaciendo el sueño de su madre, acompañada por Contreras (heredero de gran cantidad de las obras de la pintora), subió a un helicóptero y fue a arrojar sus cenizas en el cráter del volcán Popocatépetl.



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3/28/2011

Harold Allanson, Iniciar una Carrera en Plena Jubilación


Harold Allanson tiene una participación de toda la vida en el dibujo y la pintura, pero no pudo expresar completamente su talento con la acuarela, hasta que obtuvo su jubilación anticipada. Desde ese entonces, incursionó seriamente en su interés inicial elegido... El dibujo y la pintura. Gran parte de la estimulación de Harold proviene de la zona en que vive: El paisaje inspirador de la costa oeste de Columbia BritánicaSus pinturas son obras audaces y realistas, donde expresa a menudo colores fuertes, mostrando reflejos en el agua al final del día, la luz del sol por la mañana temprano o sombras profundas, creando un tipo de pintura que va a llamar la atención del espectador desde la distancia. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Canadá, EE.UU. y otras partes del mundo.


Su temática se basa en acuarelas realistas donde predominan los barcos y la gente relacionada a ellos, los remolcadores antiguos y maltratados, que siguen proporcionando la sustancia para el capitán y la tripulación, y los barcos de pesca más antiguos, que están desapareciendo rápidamente, junto con los peces que capturan.


Una constancia de Allanson, es pintar el pasado, para capturar las imágenes de un estilo de vida de rápida desaparición . Pero los intereses del artista no se limitan sólo a los barcos: Es la misma probabilidad de producir pinturas de personas, flores o cualquier otro tema que podría golpear a su fantasía.


Allanson crea maravillosas acuarelas para su disfrute personal y espera que otros encuentren también, el placer de su trabajo. Ha sido un miembro activo de la Federation of Canadian Artist desde hace más de diez años y ha recibido numerosos premios. También es miembro de la Canadian Society of Water Colour Painters. El desarrollo continuo de Harold como artista, ahora infunde en él, la necesidad de transmitir este conocimiento a otras personas. Como instructor de taller, siente que tiene algo que ofrecer y considera que es muy gratificante compartir su experiencia hasta la fecha con los demás. Hoy en día, sigue manteniendo su taller y llevando a cabo su meta. Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista, visita su Web



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Solidarités International, Necesidades Ilimitadas para Hacer Fluir la Tinta



Solidarités International es una organización humanitaria que proporciona ayuda y asistencia a las víctimas de guerra o desastres naturales. Durante 30 años la asociación ha centrado su acción en la satisfacción de tres necesidades vitales agua, alimento y refugio. Están especialmente comprometidos en la lucha contra las enfermedades transmitidas por el agua (la causa más frecuente de muerte en todo el mundo). Sus programas y la experiencia, lo enfocan en facilitar el acceso al agua potable y saneamiento, así como los campos esenciales de la seguridad alimentaria y la reconstrucción. Dentro del pleno respeto a las costumbres de la población asistida y la cultura, los programas de Solidarités Internaional son implementados por 152 voluntarios extranjeros y alrededor de 1800 administradores locales, mas el personal (cifras de 2009). De acuerdo con sus estatutos como una organización de caridad bajo la ley 1901, Solidarités International celebra una Junta General de Accionistas una vez al año y cuenta con un Consejo de Administración y un Comité Directivo. La organización está a cargo de su Fundador y Director General, Alain Boinet.


Para conmemorar el Día Mundial del Agua, el 22 de marzo, Solidarités International y su agencia de publicidad BDDP Unlimited, lanzaron una campaña para crear conciencia sobre el flagelo de agua potable. En la actualidad, se estima que 3,6 millones de personas, incluyendo 1,5 millones  de niños menores de 5 años, mueren cada año de enfermedades terminales por el agua insalubre, por lo que es la principal causa mundial de muerte. Sin embargo, la sociedad es consciente de ello y líderes políticos no demuestran la iniciativa de terminar con estas terribles muertes. La campaña pide a los periodistas que difundan el conocimiento de este flagelo y realiza un llamamiento a los lectores a firmar una petición personal que se entregará al presidente francés, durante el 6 º Foro Mundial del Agua en marzo de 2012. Para evocar la amenaza silenciosa e invisible de agua insalubre, BDDP Unlimmited ha optado por un enfoque minimalista, que sea visualmente atractivo y sorprendente, con agua y tinta exclusivamente. El anuncio muestra el poder de la tinta para revelar lo invisible. Este spot, fue producido por Hush y dirigido por Clemente de Beauvais, un joven director, dibujante, músico y fotógrafo. La campaña será vista desde mediados de marzo en la televisión, en salas de cine, en Internet de Europa. Para reunir firmas por la petición haz un click sobre la imagen.

3/27/2011

Cheng-Khee Chee, La Sutileza de la Acuarela


Cheng-Khee Chee, es Profesor Emérito de la Universidad de Minnesota, miembro Dolphin Fellow de la American Watercolor Society, miembro de la National Watercolor Society, la Transparent Watercolor Society of America (Estado de Maestro), la Watercolor USA Honor Society  y muchos otros. Su nombre aparece en Who’s Who in America, Who’s Who in American Art, Who’s Who in American Education, y el  Dictionary of World Chinese Artists Achievements. Ha sido representado en numerosas exposiciones nacionales y ha obtenido más de 200 honores, incluyendo la Medalla de Plata de la American Watercolor Society, el Premio Skyledge (Primer Lugar) de la Transparent Watercolor Society of America, Medalla de Oro en Allied Artists of América, y el Gran Premio Medalla de Oro en Knickerbocker Artists EE.UU. Sus exposiciones individuales incluyen el Museo de Arte Tweed, de la Universidad de Minnesota, Duluth, 1982; un viaje de exposición en China, en 1987; el Museo de Arte de Singapur, en 1997; y el Bloomington Art Center Inez Greenberg Gallery Inaugural Exhibition en 2003.


Entre sus publicaciones se encuentran The Watercolor World of Cheng-Khee Chee (Datos 1997), The Work of Cheng-Khee Chee (Manual de instrucciones 2003), Old Turtle (Ilustración de 1992), Swing Around the Sun (Iilustración de 2003), Noel (Ilustración, 2005), y numerosas contribuciones a libros y revistas. Apareció en la revista Artist’s Magazine (diciembre de 1997), Watercolor Magic (verano 2000) y Watercolor Magazine (Una publicación america de artistas, con salida en invierno de 2002). El Creative Catalysts Productions of Oregon produjo una serie de 6 DVDs de instrucciones, basados en su taller y fueron puestos en venta en 2005.


"La vida humana no es más que un grano de polvo en el universo sin límites y una kshana en la eternidad del tiempo. La gente común sólo sabe cómo utilizar el tiempo limitado para hacer obras, por lo que sus vidas son como una ola desapareciendo rápidamente en el océano. Sólo las personas extraordinarias saber cómo utilizar las grandes hazañas para llenar el tiempo, por lo que se puede transformar en límite sin límites y una kshana a la eternidad " Estos fueron sus pensamientos sobre su graduación universitaria en 1960.


En el 2007, Chee coordina con el Instituto de Investigación de la Acuarela de Jiangsu en Nanjing, China, para organizar la primera Invitational Exhibition of Contemporary International Watermedia Masters. Donde 68 artistas de 13 países en todo el mundo fueron incluidos. La exposición se celebró en Nanjing, desde el 19 de noviembre al 2 de diciembre de 2007, y más tarde se trasladó a otras ciudades. En 2004, el Duluth Depot Foundation le otorgó en reconocimiento a su trayectoria, el Art and Culture Community Enrichment Award. En 2008, su Alma Mater, la Universidad Tecnológica Nanyang en Singapur, lo honró con el Alumni Achievement Award. En 2009 la Universidad de Minnesota, Duluth Shool Of Fine Arts lo honró con la membresia en la sociedad de los Prometheans, reconociendo sus logros artísticos sobresalientes. Actualmente, Cheng-Khee Chee es instructor de su taller popular y Jurado de Exposición Nacional. Sus avances en los conceptos y procesos tienen gran influencia en la dirección de la acuarela.


Ambas experiencias entre Oriente y Occidente y sus respectivas influencias, han dado forma a su carrera artística. A través de los años, Chee, ha explorado y experimentado con formas de sintetizar los conceptos y procesos de ambas tradiciones. Su obra abarca diversos estilos desde lo tradicional hasta no-objetivo. Su meta en la pintura, es alcanzar la esencia del Tao, el estado de la creación sin esfuerzo. Y espera producir pinturas que son la síntesis de Oriente y Occidente, el realismo y la abstracción, y la realización visual de su ser interior. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este arista, visita su Web


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Juan Rosillo, El Hombre del Renacimiento Moderno


Juan Rosillo fue el primer hijo nacido en una familia de padre colombiano y madre italiana, en la ciudad de Neiva, Colombia en el año 1953. Se crió en Colombia, donde luego emigran a los Estados Unidos en 1983, y ha estado residiendo en el sur de California durante más de veinte años. La influencia combinada de estas tres culturas y sus distintos puntos de vista, han inculcado su expresión artística rica, así como su profundo compromiso con la rigurosa habilidad técnica. Rosillo participa en concursos de bellas artes desde su infancia, cuando participó como joven artista en varias exposiciones de arte local. Estudiando la elaboración de cerámica, grabado e historia del arte, su primera obra pública fue encargado en 1973, cuando a la edad de 20 años, fue comisionado por su ciudad natal para completar un fresco de diez por veinte pies.


Después de llegar a los Estados Unidos en 1983, Rosillo comenzó a trabajar con Lev Moross en Moross Studios como grabador de bellas artes. Como un artista con sus propias ideas y aprecio por el arte, Rosillo abrie American Serigraph, su propio taller de grabado. Poco después de abrir su taller, entró en una asociación con Santiago Samper, propietario de Samper Silkscreen, que ya era una de las casas más importantes serigrafía en los Estados Unidos. Ambos emprendimientos se convirtieron en dos de las principales casas de arte de grabado en los Estados UnidosAmerican Serigraph producía ediciones limitadas para algunos de los marchantes de arte más prestigiosos y casas editoriales en todo el mundo incluyendo a Martin Lawrence Limited Editions, Disney, y Playboy para nombrar sólo algunos. Rosillo también amplió sus actividades de grabado en aguafuerte y litografía en piedras tradicionales.


Con los años, el artista ha ganado varias comisiones y ha publicado sus obras en varias ocasiones en los libros que documentan la historia de Colombia. Más recientemente, Rosillo, ha instalado un bronce de diez pies en el Riverfront Park, encargado por la ciudad de Maywood. Recientemente ha creado una serie de dibujos para la campaña del alcalde Antonio Villarraigosa "Million Trees L.A". Esta obra de arte fue utilizada por toda la ciudad en los carteles y paradas de autobús para promover la Conferencia Juvenil Ambiental 2007 y se distribuyó como material educativo para más de 3500 estudiantes que asistieron al evento. El artista también fue encargado por la Universidad de Chapman para diseñar un busto de tamaño natural del compositor de ópera Giacomo Puccini.


Rosillo produce los bronces a nivel local y también tiene sus propias instalaciones para producir baldosas de cerámica donde el artista plasma sus imágenes impresas a mano utilizando la serigrafía. Esto permite al artista tener un control total sobre el proceso de producción y fabricación. Prefiere bronce, metales y cerámica de arte en lugares públicos porque los materiales pueden soportar la exposición a la intemperie durante mucho tiempo y están prácticamente libres de mantenimiento. En esta era de impresión digital y gratificación instantánea, su amor por el grabado y las técnicas tradicionales se evidencian mirando las ediciones limitadas que produce. Rosillo suele explorar y desarrollar nuevas dimensiones en su obra. Escultura, pintura, dibujo, grabado, serigrafía, piedra litográfica, azulejos, baldosas, mosaicos - este romano nacido en Colombia y el arte de crear en los Estados Unidos, es en día, el hombre del renacimiento moderno. Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista, visita su Web


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3/25/2011

L´Animateur, Nick Hilligoss y su Visión de La Creación




Nick Hilligoss es un animador australiano especializado en Stop-Motion y trabaja con el modelado y animación, con muchos proyectos tras sus hombros para la Australian Broadcasting Corporation y ABC Natural History Unit en Melbourne. Hilligoss ha recibido innumerables premios por sus bellas animaciones. Ha trabajado en la Australian Broadcasting Corporation por cerca de 19 años, primero como constructor de modelos, a continuación, escenógrafo y diseñador. Todas estas habilidades se reunieron cuando se unió a la ABC Natural History Unit hace aproximadamente 9 años para hacer "Once Upon Australia". El programa ganó varios premios, pero después de unos agotadores dos años y medio de animación, Nick sentía que debía tomar un proyecto más corto. El estudio cavernoso de Hilligoss es cuidadosamente ordenado, donde se encuentran apilados desde los pinceles hasta las maquetas de composición, o pilas de títeres. Las ratas de látex y varios extremos que, y probablemente, se abren paso en una de sus películas. De aquí, que ha pasado ocho años llevando la espuma de látex a la vida mediante la animación stop-motion. La técnica, popularizada por los personajes Wallace y Gromit, consiste en disparar modelos de un cuadro a la vez y moverlos un poco. Es un proceso muy lento que requiere nervios de acero. Hilligoss dice que la animación stop-motion ha aumentado en popularidad debido a las técnicas de cine digital que han hecho el proceso más fácil. Muñecos peludos, con muy poco, se puede mover como nunca antes se han movido gracias a la postproducción digital. Ahora, en vez de ocultar apoyos de títeres de la cámara, cañas y líneas de pesca pueden ser borradas digitalmente después que una secuencia ha sido filmada. Para ver mas creaciones de este artistas puuedes visitar su canal en YouTube


Obras Destacadas

Good Riddance: En un pueblo vive "Eco", un hombre solitario que trabaja como exterminador. Trata de encontrar los métodos ecológicamente aceptables para destruir animales dañinos, en lugar del sistema utilizado por la devastadora competencia, la compañía SPLAT (graves localizadores de plagas y exterminadores), cuyos métodos suelen destruir tanto alimañas como a los propietarios de las mansiones.





Once Upon Australia: Producido en 1995, este documental de 26 minutos trata de mostrar cómo la vida prehistórica podría haber evolucionado, además de la deriva continental de Australia. La función del programa es mostrar los pecesSarcopterygian , anfibios, los dinosaurios (Allosaurus, Timimus y Leaellynasaura) y después los canguros gigantes. Otras cifras son las tortugas Meiolania, un tigre de Tasmania y el lagarto gigante de Megalania de la megafauna australiana antigua. El final del programa muestra la extinción de la humanidad. Hilligoss dice que él tiene algunos sentimientos negativos en la producción de este cortometraje, ya que después de ver Jurassic Park, él pensaba que la gente no se impresionó por su trabajo después de la película Steven Spielberg. A Hilligoss le tomó dos años y medio para terminar su trabajo en el documental. 



Turtle World: Es una película de 8 minutos de duración sobre la base de la creencia de algunos pueblos de la antigüedad que el mundo existe en la parte posterior de un Testudines gigante. Con la selva cada vez mayor sobre su espalda, un grupo de monos vivos, con el tiempo, comienzan a construir casas provocando deforestación y destrucción. Cuando la tortuga se da cuenta lo que está pasando, se sumerge en las profundidades del océano, provocando la destrucción de su mundo.




Pero nuestra obra estrella es la que vamos a presentarles a continuacion, La obra maestra de Hilligoss, donde un marionetista un poco particular propone una version personal de Adan y Eva a los habitantes de un planeta... Vean y disfruten

3/24/2011

Guillermo Carlos Didiego, Inventor del Explurrealismo Argentino


Guillermo Carlos Didiego, nació en la  Capital Federal de la República Argentina, el 31 de diciembre de 1947. Desde sus primeras incursiones artísticas, a partir del año 1959 comienza una búsqueda constante para encontrar sus formas y composiciones, que lo llevan a bucear por senderos personales, revestidos de audacia, misterio y colorido inusual. Esa búsqueda lo hace investigar, la obra de los grandes maestros de la pintura y a recorrer diversos talleres de artistas argentinos tales como José Acosta López, Pedro Molina, Heriberto Zorrilla, Rodolfo Campodónico, Héctor Borla, Pérez Celis, Vito Campanella, Felipe De la Fuente, Néstor Berllés, Ricardo Carpani, Ignacio Colombres, Ponciano Cárdenas, nutriéndose de técnica y color. En la constante investigación en búsqueda de su propia identidad, buceó caminos de grandes maestros del expresionismo; abordó un colorido vibrante, de notables acentos, dejando entrever en su obra la admiración por Max Beckman.


"Pinto lo que me conmueve. Todo lo invisible excita mi creatividad y le da a la vida carácter de razón. Veo señales y con ellas construyo mi pintura; vuelco mi energía creadora alterando la realidad, pero sin que esta deje de ser posible. Mi tema son mis emociones ante la naturaleza. Cuando aprendamos a ver, sentiremos una nueva música desconocida a los ciegos, al universo del color. ¡No nos debe importar si esta bien, solo si se ve bien! ¡No hay ética sin estética!" dice el artista.


Realizó una importante cantidad de exposiciones individuales y colectivas en Argentina, en reconocidas galerías de arte junto a grandes maestros; en museos y salones de exposiciones municipales; provinciales y nacionales. Entre otras, realizó una exposición Itinerante desde EE.UU recorriendo los Museos Provinciales de Bellas ArtesTimoteo Navarro”, (San Miguel de Tucumán); “Juan Yaparí” (Misiones), diversas municipalidades de la Pcia. de Bs.As., para finalizar la misma en el Museo Evita en la Capital Federal, participaron en la misma grandes maestros, entre otros: Nicolás García Uriburu, Ponciano Cárdenas; etc. Residió durante un prolongado tiempo en España realizando múltiples exposiciones, como también en otros países, tales como: “Chile; Uruguay; Perú; EE.UU; España (Barcelona y Madrid); Canadá (Québec y Montreal); invitado a exponer por galerías y art dealers. Frecuenta año tras año distintos países; ha sido invitado especialmente a exponer como artista destacado en el Festival de Artes Plásticas de Mónaco 2010


Se publicaron muestras, reportajes y difusiones de su obra en distintos medios gráficos y televisivos importantes de país y del extranjero, entre otros: Los diarios, Clarín; La NaciónPrensa libreExpresiones, así como en las revistas Estímulo; Anuario de Arte al día,  Desein; DiplomàticaCon UstedFine-Art EE.UU Revistas de Arte de Canadá. Múltiples e Importantes anuarios de arte argentino y latinoamericano; reportajes y notas en distintas Radios y Canales de TV. Importantes Críticos de Arte y personajes destacados en la Literatura se refirieron con admiración y halagos al artista y su obra: Elbia de Marechal (Escritora y Ex-Directora de Cultura de A.T.C.); Gerardo Ricny (Escritor; ganador de 1º Premio de Poesía del Fondo Nacional de las Artes); Beatriz Pereira (Subsecretaria de redacción de la revista "Ultima Generación" y ex-funcionaria de la S.A.A.P.); Carlos María López Ramos (Integrante de la comisión asesora de Museos Nacionales y Profesor de Historia del Arte, Universidad. del Salvador); Chango Mendieta, Periodista y ex-Editorialista del Diario La Razón; Ezequiel Rayo (Escritor-Investigador del C.O.N.I.C.E.T.; 1º premio Ensayo de Literatura, Ezequiel Martínez Estrada). 


Ha sido distinguido en varias oportunidades: Como “Socio honorario de Artes Visuales de Vicente López; como ilustrador de distintos tipos de libros, entre los cuales cuentan algunos de poesías; como ilustrador de afiches de teatro; exhibiendo sus obras de arte en Presidencia de la Nación en el Despacho del Vicepresidente de la Nación Don Eduardo Scioli; Invitado a pintar en vivo en la Semana del Arte; etc. Poseen sus obras entre otros: El Obispado de Morón, Vicaría Episcopal (Museo de Morón; Gobierno de la Provincia de Buenos Aires; Museo de Santiago del Estero; coleccionistas privados argentinos y extranjeros; destacados empresarios y juristas; Museo de la Municipalidad de Lomas de Zamora; Reconocidos actores tales como: Ricardo Lavié; Eda Díaz. Importantes personalidades de las letras: Ester Izaguirre (Escritora 1º premio Municipal de cuento) ; Elvia Marechal (Escritora): Gerardo Ricni (Poeta - 1º premio de poesía del Fondo Nacional de las Artes); y Orlando Guzmán. Si estas interesado en conocer mas detalles de la obra de este artista, visita su Web


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Un Jour, Sensible Metáfora de Marie Paccou


Un jour, es la opera prima de la francesa Marie Paccou, uno de los títulos de animación más brillantes y hermosos de los últimos años. Su duración de poco más de tres minutos y medio, pareciera ser más corto. Es animado en crudo blanco y negro, no hay tonos grises. La película posee la apariencia de haber sido creada con pintura al estilo vidrio como las de Wendy TilbySin embargo no es pintura sobre vidrio, es asistida por ordenador, haciendo uso de las Tecnologías Toon Boom del sistema de animación Toon Tac. Tic Tac Toon es un paquete de animación digital desarrollado para su uso con estaciones de trabajo en Silicon Graphics. Este paquete permite al animador crear la animación mediante el escaneo de los dibujos o animar directamente en una tableta gráfica.

Dicha tecnología permite al director de cine crear películas de aspecto tradicional y, de hecho, Un Jour tiene un aspecto que parece haber sido inspirada en un grabado de madera por más de un ordenador. La animación está bien ejecutada y descriptiva, el dibujo es fuerte y el diseño de alto contraste de la película efectivamente transmite un matiz sombrío. Las transiciones de la película agregan a la manera interesante en el que se contó la historia: El material de un vestido negro y más tarde, el círculo oscuro de un paraguas envuelve la pantalla de un momento antes de que se tira atrás para mostrar la siguiente escena. 
La música es simple y lenta. Como con la mayoría de las películas que se producen con gran atención al diseño, Jour es una película fácil de ver (hay una cierta cantidad de humor sobre un hombre pequeño que salen del vientre de otra persona) pero ¿qué significa? La situación es una metáfora, pero ¿para qué? Tal vez una pista se da durante los créditos finales, cuando la mujer nos informa de que más tarde,otros hombres entraron en su vientre, pero eran demasiado gordo, demasiado delgado, demasiado alto o demasiado corto. ¿Es el representante del agujero del vacío que queda cuando una relación termina? ¿Son los novios, sólo "pequeños hombres" tratando de permanecer en el útero?

Aproximadamente en la mitad de camino a través de la película nos encontramos con otra mujer a través del pasillo que tiene en su vientre a un compañero más bullicioso: Bebedor empedernido y con un temperamento terrible. Nuestra señora del hombre perpendicular ve a la pareja y piensa que tal vez su relación no es tan mala. ¿Es este un caso de alguien que está aprendiendo a vivir con su pareja menos que perfecto? Por otra parte, la película tiene una especie de significado hacia ella... Un hombre llega, se queda, luego se va.  Nos despertamos un día y, de improviso, alguien entra en nuestra vida. No podemos dejar de invitarlo sin cambiamos para acogerlos y, a continuación, cuando se van, nos queda un vacío, preguntándonos lo que hicimos el día antes de que llegaran. La película narra este ciclo en una cuestión de forma práctica, por lo que, simplemente, cuando miramos a través de nuestro carácter a la ventana que está delante, no podemos dejar de sentir su tristeza.... Ahora solo queda disfrutar de este bello cortometraje para sacar sus propias conclusiones.

3/16/2011

Jean-Baptiste Valadie, Particular Visión de la Femineidad


Jean-Baptiste Valadie nació el 29 de diciembre de 1933 y posee un diploma en artes aplicadas. Desde 1970, su pasión por los viajes le ha llevado por todo el mundo y expone con regularidad en Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Japón, así como en Francia y la mayoría de Europa. "La obra de arte es, ante todo, el resultado de la fantasía, los sueños, la irracionalidad y la sensualidad", asegura Valadie. Varias monografías se han dedicado a este gran artista que también trabaja en la litografía, el grabado, tapiz, y la escultura.


Valadié es un dibujante excepcional y un gran arquitecto. Sus pinturas están organizadas en torno a una composición bien definida, que es totalmente rigurosa y flexible, dando una sensación mágica del equilibrio. Su arte es una constante búsqueda de la belleza, la perfección incansable en la composición, líneas y colores, un impulso permanente y apasionado hacia un sueño que se abre en lo absoluto. Ha pasado toda su vida celebrando el cuerpo humano en su arte. Sus figuras femeninas ofrecen, por sus actitudes sugerentes, a veces erótica, una especie de ceremonia ritual.


Graduado de la Escuela de Artes Aplicadas de París, se le atribuye más de 170 exposiciones en Francia y en el extranjero, su participación en los salones nacionales (Salones de Otoño, Peintres Témoins de leur Temps, Comparaisons, Dessin Peinture et à l'Eau), muchas ediciones raras limitadas, una veintena de programas especiales de televisión y la decoración de la capilla de solución salina de Giraud en Camargue. No sólo es un pintor, sino también escultor, grabador, dibujante, litógrafo e ilustrador. Fue galardonado con numerosas distinciones y premios. En los Estados Unidos, fue nombrado coronel honorario del Sur y  ciudadano de honor de varias ciudades como Washington y Nueva Orleans. Algunas de las galerías en las que ha expuesto en Francia: Terre des Arts en París y Cannes, Graal en Toulouse, y la Place de la Galería Club de Arte en Lyon


Actualmente enseña en su propio taller, del cual comenta: "Este taller es una clase magistral restringida a los antiguos alumnos de mi clase. Me gustaría compartir mi pasión pictórica con los alumnos de este taller. El deseo de un artista es hacer una obra de arte de su propia creación, sin embargo, no puede expresarse sin la técnica, los materiales y la práctica. Voy a enseñar cómo capturar los elementos esenciales en la elaboración de un retrato o una figura armoniosa y obtener resultados en poco tiempo. Veremos cómo tratar a una figura en el color y la forma de hacer un fondo sugerente ya sea abstracto o figurativo con elementos como las flores o la naturaleza muerta.Voy a compartir mis técnicas personales con acrílicos y acabado con colores al óleo..." 


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