abril 2011

4/30/2011

Dean Cornwell, El Decano de Ilustradores


Dean Cornwell es un ilustrador y muralista nacido en la ciudad de Louisville, Kentucky, EE.UU, el 5 de marzo de 1892. Sus óleos se presentaron con frecuencia en revistas populares y libros de ilustración literaria, anuncios publicitarios y carteles de promoción de la guerra. Durante la primera mitad del siglo XX fue una presencia dominante en la ilustración de América. Su padre, Charles L. Cornwell, era un ingeniero civil, cuyos dibujos de temas industriales habían fascinado al pequeño Cornwell



Comenzó su carrera profesional como dibujante para el Louisville Herald. Poco después se trasladó a Chicago, donde estudió en el Instituto de Arte y trabajó para el Chicago Tribune. En 1915 se trasladó a Nueva York, y estudió con Harvey Dunn en la Art Students League de Nueva York


Finalmente viajó a Londres para estudiar pintura mural como un aprendiz de Frank Brangwyn.  Alli, sus pinturas han aparecido en las páginas de las revistas Cosmopolitan, Harper's Bazaar, Redbook y Good Housekeeping, o ilustrando la obra de autores como Pearl S. Buck, Lloyd Douglas, Edna Ferber, Ernest Hemingway, W. Somerset Maugham, y Owen Wister. Pintó murales para la Biblioteca Pública de Los Ángeles, el Santuario Lincoln Memorial en Redlands, California, y participó en la construcción de la Eastern Airlines (ahora Rockefeller Plaza), de los EE.UU...


En la oficina de Correos en Chapel Hill, Carolina del Norte, el Warwick New York Hotel en Nueva York, la Corte del Condado de Davidson, en el Sevier un edificio de oficinas del Estado de Tennessee, y el Centro William Rappard en Ginebra, Suiza. Cornwell ha enseñado y dado conferencias en la Art Students League de Nueva York. Se desempeñó como presidente de la Sociedad de Ilustradores de 1922 a 1926, y fue elegido para el Salón de la Fama en 1959. Murió en Nueva York el 4 de diciembre de 1960.


4/29/2011

El Patio de los Naranjos, 98 Árboles Ennobleciendo la Estética de Córdoba


El Patio de los Naranjos forma parte de la Mezquita de Córdoba, en España. Es sin duda el patio más grande y más antiguo de la ciudad, ya que su origen está ligado al del propio templo, en el año 786, al constituir el sahn de la mezquita alhama o mezquita del viernes de la ciudad. Su nombre se debe a los 98 naranjos que contiene, plantados en hileras a finales del siglo XVIII. Se trata de un recinto cerrado de 130 metros de largo por 50 de ancho que está dividido en tres partes, cada una de ellas con un surtidor en el centro. Además, en el interior del Patio se sitúan la Fuente de Santa María o del Caño del Olivo y la Fuente del Cinamomo. En sus muros de cierre, pero por el exterior, se encuentran las fuentes del Caño Gordo y la de Santa Catalina, además del Arca del Agua. Bajo la zona correspondiente a la ampliación de Almanzor, se halla un gran aljibe cuya construcción se remonta al siglo X.

El patio original (sahn o patio de abluciones) fue construido por Abderramán I. Era un pequeño recinto de planta rectangular, proporcional al tamaño de la sala de oración. El alminar, siguiendo la tradición constructiva Omeya, estaba situado en el exterior del muro norte. En el siglo X Abderramán III, ya convertido en Califa, decide modificar el patio, que tras la obras de la sala de oración llevada a cabo por Abderramán II había quedado desproporcionado. Se amplía el patio hacia el norte, desmontando dicho muro y el alminar, que es sustituido por uno de mayores proporciones que, a diferencia del anterior, queda integrado en el propio muro. La posición del antiguo alminar es visible hoy día, gracias a unas placas de granito gris que dibujan su planta. Aunque ya en época omeya, el patio tuvo galerías porticadas en tres de sus laterales (norte, este y oeste), la configuración actual obedece a una de las reformas cristianas.


La función del patio de abluciones en la sociedad musulmana era básicamente religiosa, pero llegó a convertirse en un punto de encuentro para la sociedad cordobesa. También existen datos que apuntan a la utilización de sus galerías como escuelas para niños, antes de que Alhakén II creara las escuelas públicas. Ante el incremento de la población musulmana en Qurtuba, el templo había quedado pequeño, por lo que se habilitaron galerías, de las cuales hoy día, son visibles marcas en el pórtico oeste. Esta solución fue temporal y finalmente, se procedió a ampliar la sala de oración.


Ya en época cristiana los pórticos, en especial el oeste, fueron usados como hospital y casa de niños expósitos. Desde hace un tiempo, se hayan expuestas en las galerías las vigas y tablones que conformaban la techumbre original del templo, procedentes de la restauración del siglo XIX. Su estado de conservación, relativamente bueno al ser todavía visibles los relieves que las decoraban y parte de la policromía original, motivaron su retirada para una mejor conservación y sirvieron de modelo para la realización de las que actualmente se ven.



Gjon Mili, Cuando Mil Palabras no Alcanzan para Describir sus Imágenes


Gjon MIli es un fotógrafo nacido en la ciudad de Korça, Albania, en 1894, hijo de Vasil Mili y Cekani Viktori, llegó a Estados Unidos en 1923. Quince años más tarde, fue fotógrafo de la revista Life (una relación que continuó hasta su muerte), y sus trabajos lo llevó a la Costa Azul (Picasso), a Prades, Francia (Pablo Casals en el exilio), a Israel (Adolf Eichmann en cautiverio), a Florencia, Atenas, Dublín, Berlín, Venecia, Roma, y ​​llego a fotografiar a las celebridades de Hollywood, eventos deportivos, conciertos, esculturas y arquitectura. Por trabajar con Harold Eugene Edgerton, del Massachusetts Institute of Technology (MIT), Mili fue un pionero desde 1930 en el uso de fotoflash para capturar una secuencia de acciones en una fotografía. Formado como ingeniero y autodidacta en la fotografía, fue el primero en utilizar el flash electrónico y luz estroboscópica para crear fotografías que poseían más interés científico. 


Desde la década de 1930, sus cuadros de baile, atletismo, actuaciones musicales y teatrales han asombrado y encantado a los espectadores, a los que revela la complejidad bella y graciosa del flujo de movimiento demasiado rápido o demasiado complejo para el ojo para discernir. Sus retratos de artistas, músicos y otros notables son menos visualmente espectacular, pero igualmente magistrales. 


































En 1944, dirigió el cortometraje Jammin 'the Blues, que se hizo en Warner Bros., y contó con las actuaciones de Lester Young, Red Callender, Harry Edison, "Big" Sid Catlett, Illinois Jacquet, Barney Kessel, Jo Jones y Bryant Marie. Mili no sirvió como director de fotografía de la película (Robert Burks lo hizo), pero la película utiliza imágenes multiplicadas que en muchos aspectos recuerda la multi-imagen fija-marcos hecha con su flash. El uso imaginativo de la cámara hace de esta película un hito de menor importancia en el camino músicos se filman.

En 1939, Mili se convirtió en un fotógrafo independiente que trabaja para la revista Life. En el transcurso de más de cuatro décadas, miles de sus fotos fueron publicadas por esta revista, así como otras publicaciones. A mediados de la década de 1940 fue asistente del fotógrafo Edward Weston. Mili fallecio en Stamford, Connecticut, en el año 1984. Gjon Mili es el fotógrafo el que se ha formado nuestra comprensión contemporánea visual de movimiento, tanto en el ejemplo directo de sus cuadros y en la influencia que su trabajo ha tenido en todos los fotógrafos de acción que han venido después de él. Su libro de fotografías y recuerdos es un resumen de sus cincuenta años de trabajo en la fotografía.


Las Grutas de Ajanta, Maravillas Naturales de la India



Ajanta es el nombre de una localidad de la India en el distrito de Aurangabad, estado federado de Maharashtra, tal localidad es célebre mundialmente por sus 29 grutas artificiales pintadas y esculpidas inicialmente para el culto budista a partir del siglo II a.C. La aldea de Ajanta tiene una población de pocos miles de habitantes y la ciudad importante más cercana es Jalna a unos 75 km de distancia. El célebre complejo monumental llamado en marathí: अजिंठा-वेरूळची लेणी, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1983, se trata de un típico vihara en el cual se destacan los frescos y otras pinturas parietales rupestres; tales obras de arte fueron descubiertas para Occidente en 1819 y adornan a monasterios y santuarios excavados en las rocas entre el siglo II a.C. y el siglo VIII d.C.



Entre estas, se destacan las que representan las reencarnaciones del Buda llamadas jataka y episodios de su vida; las más célebres corresponden a las del llamado Ciclo de Ajanta, realizadas durante el periodo de apogeo del arte Gupta y la época postgupta. La entrada de las grutas están situadas en una hondonada boscosa en el centro de los montes Indhyagiri y a unos 5 km de la localidad de Ajanta, fueron descubiertas en 1819 por soldados británicos durante una partida de caza. Al fondo del la hondonada o pequeño valle corre el pequeño río Vaghorā, un torrente de montaña que forma una serie de cascadas cuyos rumores han de haber sido constantemente oídos por quienes habitaron las grutas. Tales grutas han sido excavadas sobre la pared más abrupta de la hondonada y se escalonan en una decena y una cuarentena de metros a lo largo del lecho del torrente, tales grutas se entrecruzan partiendo desde el fondo de la roca siguiendo así un modelo arquitectural bastante utilizado en el arte de la India. Las mismas grutas están clasificadas en dos categorías; aquellas que servían de refugio los monjes durante la estación de las lluvias (el monzón) y aquellas que servían principalmente como salas de asamblea y plegaria. 


La primera de estas categorías estaban habitualmente constituidas con un largo pasadizo (porche), actualmente desaparecido, recubierto por una techumbre sostenida por pilares, tras el pasadizo un espacio de 10 u 11 mts por 7 mts. A izquierda y derecha y hacia el fondo se ubican las celdas excavadas en la roca, frecuentemente en sus etradas existe en un nicho una imagen tallada del Buddha. Por su parte las salas de asamblea penetran más profundamente en la roca y llegando a tener cada sala una longitud de 14 mts. En lo concerniente a su antigüedad, estas grutas se clasifican en tres grupos: las construcciones más antiguas (n° 8, 12, 13, 15a, 9 y 10) datan del periodo que va desde el siglo II al siglo I a.C. es decir en tiempos de la dinastía Shātavāhana la cual reinó en la India Central. El segundo grupo data desde el siglo III a fines del s. V durante la dinastía de los Vākātaka y el tercero de entre fines del siglo VI y fines del siglo VIII (dinastía de los Chālukya de Vātāpi). La mayor parte de los muros interiores de las grutas están cubiertos por pinturas al fresco de calidades diversas. Algunas de estas pinturas no poseen fechado sin embargo un estudio de los motivos representados permite tener una idea bastante aproximada de su periodo de concepción y así clasificarles cronológicamente.


En la época de su redescubrimiento entre 1817 y 1819, las pinturas tenían un buen estado de conservación pero luego han sido muy degradadas particularmente a causa de los efectos del turismo masivo. Las grutas 1, 2, 16 y 17 ofrecen aún un aspecto semejante al que podían ofrecer en tiempos de su esplendor y la obra The painting in the Buddhist cave temples of Ajanta (1896) escrita e ilustrada por John Griffiths entonces director de la Bombay School of Arts permite tener una idea de su estado antes de la degradación actual. Tal obra es de un valor inestimale ya que ofrece una gran noción del arte pictórico indio antes de la contrarreforma hinduista. Ajantā ha sido un monasterio y una universidad. El monje y viajero budista chino Xuanzang relata que Dignāga, el célebre filósofo, autor de célebres libros de lógica residió allí. En su apogeo el lugar dio alojamiento a numerosos centenares de personas, docentes y alumnos inclusive.

La Catedral de Siena, El Sacro Culto a la Belleza


La Catedral de Siena (Duomo di Siena) es el templo principal y sede episcopal de esta ciudad italiana. Está dedicada a Nuestra Señora de la Asunción. Fue diseñada sobre la base de una estructura más antigua y terminada entre 1215 y 1263. Pertenece, por tanto, a la fase plena del estilo Gótico. Presenta planta de cruz latina con crucero, cúpula y un campanario. La base de la cúpula es octogonal y sólo se hace circular por encima de las columnas de apoyo. La linterna de la corona fue añadida por el famoso arquitecto barroco Gian Lorenzo Bernini. La naves se dividen mediante arcos de medio punto. El exterior e interior del templo aparecen decorados con un placado de mármol blanco y verdoso, formando unas características rayas o bandas horizontales. El blanco y negro son los colores simbólicos de Siena, tomados de los caballos blanco y negro de los fundadores legendarios de la ciudad: Senio y Asquio.


Hubo planes para hacer más grande la iglesia, que fueron iniciados en 1339. Se pretendía triplicar prácticamente el espacio catedralicio, convirtiendo lo ya edificado, en el crucero del nuevo templo. Sin embargo, las obras fueron abandonadas tras los estragos de la Peste Negra en el año 1348. Aún pueden verse restos de esta ampliación fallida. La fachada principal es una de las obras maestras del Gótico italiano. Se trata de una fachada-pantalla, en la que el diseño geométrico (gabletes triangulares inscritos en cuadrados, cicunferencias perfectas de óculos y arquivoltas) aparece enmascarado por una fastuosa decoración en la que intervienen elementos arquitectónicos (pináculos y cresterías de complicado diseño), escultóricos y el toque de color que aportan los mosaicos, de excelente factura.


En el interior, llama la atención el ritmo continuo que imponen las bandas alternas de mámoles blancos y oscuros, así como la compleja labor decorativa del pavimento, en el que se muestran diversas y variadas escenas religiosas y paganas con multidud de figuras y gran atención al detalle. Está realizado mediante una singular técnica que recuerda al mosaico, al opus sectile romano o a la taracea, pero que en sentido estricto no es ninguna de estas tres cosas. 


Otra de las obras maestras que adornan la catedral es el famoso púlpito, relizado por los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni, pieza clave de la escultura del Gótico tardío. Distribuidas por la catedral se admiran otras muchas obras de arte, de autores como Andrea Bregno (altar Piccolomini), Donatello (San Juan Bautista), Pinturicchio, o Baldassare Peruzzi. Con todo, quizá las obras más sobresalientes sean dos esculturas, un San Pedro y un San Pablo, adjudicadas a Miguel Ángel.



Las Cuevas de Mogao, Estreno de Reliquias Mundiales



Las cuevas de Mogao son un conjunto de 492 templos situados cerca de la ciudad de Dunhuang, en la provincia de Gansu de la República Popular China. Se las conoce también como las cuevas de los mil Budas, las grutas de Mogao o las cuevas de Dunhuang. En el año 1987 fueron declaradas por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad. Son el mayor ming-oi de Asia central, formando un conjunto de más de 400 templos, decorados con pinturas murales y donde encuentran miles de esculturas, manuscritos, etc. Estas grutas se encuentran en un importante enclave de la ruta de la seda, que hasta la Edad Moderna y desde la Prehistoria, fue una red comercial que llegó a comunicar en su época de esplendor el gran imperio chino y el imperio romano. Durante muchos siglos fue un importante centro de oración budista, posiblemente debido a su importante posición geográfica, que a pesar de que se encuentra en medio del desierto del Gobi, hizo que este enclave se convirtiera en la puerta occidental de China o del este asiático.

4/28/2011

Majid Arvari, Magistral Realismo Iraní


Majid Arvari es un artista nacido en la ciudad de Teherán, Irán, en el año 1969. Ha estado fascinado por el arte de la pintura desde que era un niño. En 1989, visitó la exposición de pintura del maestro Katouzian Morteza (El más grande pintor realista de Irán) que se celebró en Museo de arte Contemporáneo de Teherán. Esta exposición tuvo un gran impacto en él y lo hizo buscar nuevas perspectivas en la pintura. En 1990, comenzó a aprender la pintura bajo el dominio de este gran artista. En 2001, junto a Iman Maleki (pintor realista), establecieron sus propios estudios de pintura y comenzó a enseñar considerando las técnicas claiscas y tradicionales. Contrajo matrimonio en el año 2005. Participó en varias exposiciones como la Tehran Third Biennal Painting Exhibition en 1995, Exhibition of Iranian Realists Painters en 1999 en el museo de Arte Contemporáneo de Teherán y el grupo de exposiciones de pintores para el estudio Kara, en 1992, en 1998 en la galería Sabz y en el 2003 en el Museo de Bellas Artes en el Palacio Saad Abad. En 2004, fue honrado como uno de los 100 finalistas en el concurso Second International ARC. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web














































































































Pablo Gargallo, La Revelación Cubista de Zaragoza




Pablo Emilio Gargallo Catalán es un artista nacido en la ciudad de Maella, Zaragoza, España, el 5 de enero de 1881. Se traslada con su familia a Barcelona en 1888, donde comienza su formación artística. En Barcelona, fue discípulo de Eusebi Arnau, para quien trabajó en su taller. Se relacionó con los artistas de Els Quatre Gats, como Picasso o Isidro Nonell. Colaboró con Lluís Domènech i Montaner en trabajos escultóricos para sus edificios, como el Palau de la Música Catalana, el Hospital de Sant Pau de Barcelona; y en el Institut Pere Mata de Reus con esculturas de piedra y bronce. Pasó parte de su vida en el barrio de Montparnasse de París. En 1903 vivió en la comuna de artistas Le Bateau-Lavoir con Max Jacob, Juan Gris y Picasso, cuya cabeza modeló en una escultura. 

Al año siguiente Juan Gris le presentó a Magali Tartanson, con la que se casó en 1915. En 1934 sufrió una neumonía fulminante y murió en Reus, Tarragona, el 28 de diciembre, donde se había desplazado para inaugurar una exposición de su obra. A lo largo de su carrera mantuvo simultáneamente dos estilos aparentemente muy distintos: Uno clásico, relacionado con el modernismo en sus inicios y con el novecentismo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio y las formas y los nuevos materiales.

Gargallo, influido por su amigo Julio González, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, usando también papel y cartón. Algunas de estas esculturas tienen un tipo de minimalismo. Por ejemplo, muestra solamente la mitad de una cara y puede que sólo tenga un ojo. También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros materiales. Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo: Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta y los Garbo avec chapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.

Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El Profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica. Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional. En 1985 se inauguró en Museo Pablo Gargallo en el Palacio Arguillo de Zaragoza. El Museo cuenta con un excelente Centro de documentación donde se puede consultar información sobre la vida y obra del artista. Además, el Centro de documentación reúne un importante fondo documental sobre otros escultores contemporáneos.








Arte en Ferrofluido


Un ferrofluido es un líquido que se polariza en presencia de un campo magnético. Los ferrofluidos se componen de partículas ferromagnéticas suspendidas en un fluido portador, que comúnmente es un solvente orgánico o agua. Las nanopartículas ferromagńeticas están recubiertas de un surfactante para prevenir su aglomeración a causa de las fuerzas magnéticas y de van der Waals. Los ferrofluidos, a pesar de su nombre, no muestran ferromagnetismo, pues no retienen su magnetización en ausencia de un campo aplicado de manera externa. De hecho, los ferrofluidos muestran paramagnetismo y normalmente se identifican como "superparamagnéticos" por su gran susceptibilidad magnética. Un auténtico fluido ferromagnético es difícil de crear en la actualidad, requiriendo elevadas temperaturas y levitación electromagnéticaAplicando este fenómeno al mundo del arte se pueden crear espectaculares obras líquidas como las que les presentamos a continuación.




4/26/2011

Jean-Honoré Fragonard, Del Olvido a la Gloria


Jean-Honoré Fragonard es un artista nacido en Grasse (en la región de los Alpes Marítimos) el 5 de abril de 1732, hijo de un sastre especializado en la realización de guantes. Pronto fue enviado a París por su padre, allí demostró tal talento e inclinación hacia el arte que fue llevado ante François Boucher, quien reconoció las dotes del joven e inexperto Fragonard, pero decidió no gastar su tiempo en la formación del joven y a su vez le envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses bajo la tutela del gran luminista y volvió al taller de Boucher, donde supo adquirir el estilo de su maestro de tal forma que éste le confió la realización de réplicas de sus pinturas. Aunque no era un alumno de la Academia, Fragonard ganó el Premio de Roma en 1752, lo que le permitía su asistencia a Roma subvencionadO por la Real Academia de Escultura y Pintura de Francia, con su pintura Jeroboam Sacrificando a los Ídolos, pero antes de ir a Roma estuvo estudiando durante tres años en el taller de Charles-André van Loo. El año antes de su partida a Roma pintó la obra Cristo lavando los pies de los apóstoles, actualmente en la catedral de Grasse.


Ya en 1756 viaja a Italia en compañía de Hubert Robert, esta visita fue clave ya que durante su estancia en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde concibió los escenarios que posteriormente plasmaría en sus obras. Sobre su obra influyó también la florida suntuosidad de Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tuvo oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en 1761. En 1765 su obra Coreso y Calliroe (Museo del Louvre; un boceto en Madrid, Academia de San Fernando) le aseguró su admisión en la Academia. La obra fue objeto de elogio por parte de Diderot y fue adquirida por el rey, quien la mandó reproducir. 


Hasta este punto Fragonard había dudado entre temática religiosa, clásica y otros temas en sus obras, pero en este momento la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor y placer en la corte, dirigió la temática de las obras de Fragonard hacia las obras con escenas de amor y voluptuosidad con las que el nombre del artista ha sido asociado. Destaca de su estilo la belleza de los colores así como el virtuosismo del trazado fácil de sus obras. Las obras más destacadas incluyen El columpio (Londres, Wallace Collection), El cerrojo, El Beso Robado, Las Bañistas, así como la decoración de las estancias de Mme du Barry y la bailarina Marie Guimard.


La Revolución Francesa significó el final del antiguo régimen, y Fragonard, cercano a los máximos representantes del mismo, dejó París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Mauberten Grasse, que decoró con una serie de paneles decorativos conocidos como Roman d'amour de la jeunesse, originalmente pintados para el pabellón de música de Madame du Barry en Louveciennes. Los paneles fueron a parar a J. Pierpont Morgan, quien a su vez los vendió a Henry Clay Frick. Actualmente ocupan las paredes de un hermoso salón de la Frick Collection de Manhattan. Fragonard volvió a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, prácticamente olvidado. Durante más de medio siglo fue completamente ignorado, hasta tal punto que Michael Scheißkopf, en su obra Historia del Arte (1873), ni siquiera menciona su nombre. Posteriormente su redescubrimiento le supuso su confirmación entre los maestros de la pintura.



Aldana Yael Tavarone, Sensibilidad para Captar la Inocencia Infantil


Aldana Yael Tavarone es una artista nacida en la ciudad de San JustoBuenos AiresArgentinael 16 de septiembre de 1983. Desde muy pequeña era atraída por los colores, y dibujar siempre fue su pasión, actividad que desempeña hasta el día de hoy. "Poder expresarse es como respirar y es lo que amo. Suelo escribir algunas cosas, y adopté la costumbre de leer, además de bailar danzas árabes" asegura la artista. Actualmente, se encuentra estudiando la licenciatura y el Profesorado de Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional del Arte. Como siempre sintió que en la facultad no enseñan con total profundidad, paralelamente a sus estudios, realiza talleres para seguir aprendiendo, uno de ellos es, Ilustración para cuentos Infantiles en la escuela de arte Sótano Blanco. Allí, descubrió otra parte suya, el poder crear personajes y ambientes para los niños, le resultaba una tarea muy hermosa. Otro taller al que concurre es el llamado "La tapera”, donde se desempeña en las disciplinas del dibujo y la pintura, junto al artista plástico Víctor Davobe. Realizó muestras colectivas en las galerías de arte “Belgrano R” y “Palermo H” durante el periodo 2008/2009, mientras que en el año 2010 expuso una serie de pinturas en el  espacio de arte Meijome, siendo parte de una muestra colectiva junto a los alumnos de La Tapera. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de esta artista, visita su Blog