mayo 2011

5/31/2011

Jean Delville, Crónicas de un Acérrimo Simbolista


Jean Delville es un artista nacido en la ciudad de LovainaBélgica, el 19 de enero de 1867. Fue un pintor, escritor y ocultista perteneciente al Simbolismo, movimiento poético-pictórico aparecido en Francia a fines del siglo XIX. Vivió la mayor parte de su vida en Bruselas, aunque también residió algunos años entre París, Roma, Glasgow y Londres. Comenzó su formación artística a la edad de 12 años en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, prosiguió sus estudios, en dicha academia, hasta el año de 1889, allí fue condecorado, entre los alumnos más sobresalientes, por sus excelentes trabajos. Sin embargo, su primera exhibición profesional la realizó a la edad de 20 años; continuando sus estudios en las Academias de Bellas Artes de Glasgow y Bruselas. Por aquel entonces, Delville comenzaba a interesarse por las manifestaciones espirituales y esotéricas, llegando a comprometerse verdaderamente. 


Durante las últimas décadas del Siglo XIX, mucha gente, sobre todo en el Oeste del país, reaccionó al materialismo e hipocresía de dicho período, desarrollando un interés por el esoterismo, las ciencias ocultas y demás conceptos espirituales. El entusiasmo por esas ideas consiguió su mayor apogeo durante 1890, década en que el pintor, se encontraba en la plenitud de su espiritualidad. En el año de 1887 se trasladó a París, donde conoció al Sâr Joséphin Péladan, fundador del Círculo Rosa-Cruz, un excéntrico y místico ocultista, quien se definía a sí mismo como: "un moderno rosa-cruz descendiente de Magos Persas". Delville estaba perplejo por muchas de las ideas peladianas, entre ellas, su visión del artista ideal, visto como un iniciado desarrollado y espontáneo, el cual debía tener como misión irradiar luz, espiritualidad y misticismo en el mundo. Delville exhibió algunas de sus pinturas en el salón de la "Rose-Croix" que instaurara Péladan entre 1892 y 1895.


Además de sus pinturas, Delville escribió numerosos textos donde reflejaba y expresaba sus ideas. En 1895, publicó "Diálogos Entre Nosotros", texto donde acentúa su punto de vista sobre el ocultismo y la filosofía esotérica. Aunque, ciertamente "El Diálogo" refleja las ideas de un cúmulo de ocultistas, no obstante, revela un renovado interés por la Teosofía. Durante algún tiempo, a mediados y finales de 1890, Delville se unió a la Sociedad Teosófica, y en 1910 pasó a ser el secretario del movimiento teosófico en Bélgica. En el mismo año, con el fin de congregar a los seguidores, añadió una torre a su casa ubicada en Forest, un suburbio de Bruselas. Siguiendo las ideas de Krishnamurti, Delville pintó el techo e incluso las tablas del suelo del salón, destinado a la meditación, completamente de azul y el emblema de dicha sociedad teosófica fue colocado en la cima del techo. Aunque todavía existen fotografías y dibujos del lugar, lamentablemente la casa no ha perdurado en el tiempo. Aunque Delville escribió frecuentemente sobre sus ideas, ciertamente nunca escribió ni discutió acerca de sus pinturas. Él, simplemente dejó las posibles interpretaciones al observador, y como resultado de ello, sus pinturas se ven sumergidas en un aire de misterio e intriga. Uno de los más misteriosos es el retrato de Madame Merril, ejecutado en 1892, con carboncillo y tiza pastel, pues es impresionante y fuera de lo común. En él, retrata a una joven mujer como un médium en estado de trance, de pálida tez y con los ojos desviados mirando hacia arriba. Su cabello radiante, rojizo, de un tono más bien anaranjado, se combina bien con la fluida luz de su aura.

Madame Merrill

Los colores cálidos que rodean la cabeza de Merrill, parecen hacer referencia a los fulgores terrenales de la pasión y la sensualidad. Por otro lado, en el libro donde ella apoya su barbilla, y el cual sostiene con unas manos casi espectrales, se puede apreciar un triángulo escaleno con la punta hacia arriba. Esto representa la idea de Delville del perfecto conocimiento humano, el cual es posible alcanzar (como lo menciona en su libro "Diálogos entre Nosotros") a través de la Magia, la Kabbalah y el Hermetismo. Como lo han señalado numerosos autores, su pintura demuestra claras referencias al ocultismo y a la sabiduría secreta, por tanto, sus cuadros siempre parecen insinuar una cierta predisposición a la Iniciación. Si bien el aura roja de la mujer podría hacer referencia a su lado sensual, ésta podría tornarse más espiritual, según sea su desenvolvimiento en las diversas etapas de su desarrollo. Sin embargo, cualquiera que fuese su interpretación, lo cierto es que este inusual retrato siempre causó un fuerte impacto sobre sus espectadores: "Este retrato puede conseguir un efecto tan espeluznante como sobrenatural" Bade, Femme Fatale, 1979. "Es una visión positivamente mágica" Jullian, Soñadores de Decadencia,1974.


Este cuadro, algunas veces, se lo consideró como la Mona Lisa de 1890, el cual también se ha conocido con el nombre de "La Mysteriosa" pues, hasta ahora, son muy pocos los detallles que se han podido conseguir sobre la modelo, de hecho su nombre no se menciona en ningún lado de la literatura de la época. Quizás la información más extensa sobre su identidad la ha proporcionado la biografía que su hijo Oliver escribió sobre el pintor. De acuerdo con él, se halla la opinión de Stuart Merrill (Poeta del movimiento simbolista quien publicó sus trabajos en París y Bruselas) el cual tuvo, en ese tiempo, una casa cercana a la de Delville en Forest. Sin embargo, no es un dato de primera mano, ya que, como bien se sabe, Oliver había nacido, por lo menos, diez años después de que el cuadro fuese realizado, por lo que no podría arrojar detalles precisos sobre éste. Olivier únicamente apunta que "la joven Madameme Merrill-Rion" era Belga, y que Delville estaba impresionado por su extraña belleza y que la representó con un aire medium-místico. Esta pintura no fue comprada por Merrill, y permaneció con el artista hasta que fue vendida a un coleccionista privado de California a finales de 1960. En 1998, fue adquirida por el Museo de Bellas Artes de Bruselas, y ahora aparece expuesta al público.  Del Ville fallece en el año 1953.

5/29/2011

Erica Krawiecki, De Infusiones, Cactus, Geishas y una Cálida Humildad


Erica Krawiecki es una artista nacida el 16 de septiembre de 1986 en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Al terminar su carrera secundaria, incursiona la carrera de diseño industrial en la Universidad de Buenos Aires (UBA), para luego trasladarse al la escuela de Artes Visuales Antoni Berni, donde desilusionada por las escasas horas de taller, decide abandonar. Su lugar lo encuentra en la Universidad del  Museo Nacional Argenitno (UMSA) y asistiendo al taller de Andrés Bestard Maggio, en barrio de La Boca. La artista comenta: "Salir de la clásica autobiografía en la que se enumeran todos los logros, el camino andado y la fortuna del contacto con ciertos maestros, implica poder brindarte un tiempo libre de preconceptos para que así puedas recorrer no solo con la vista sino con tu esencia, tu alma y emoción mi camino recorrido. Lo depositado en cada trazo, color o intención es parte de un andar, de un disfrute inexplicable, de un despertar a cada instante. El fin no es la comprensión, si no el sentir, el llegar a compartirte este gran amor sin palabras. Tu impalpable presencia completa mi obra y es ahí cuando logro reencontrarte en este gran tejido llamado vida. Gracias por tu presencia, por abrirte a este universo que también es tuyo. Alegría, luz, color y amor para vos, en este precioso aquí y ahora" Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de esta artista, visita su Web





5/25/2011

Carlos Killian, Célebres Ilustraciones de un Maestro Argentino


Carlos Killian es un artista nacido en Argentina, el 4 de enero de 1947. Cursó sus estudios artisticos en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Escuela Panamericana de Arte. Ha realizado diversas colaboraciones como ilustrador en diferentes publicaciones de Latinoamérica, Estados Unidos y España. Su obra ha formado parte de exposiciones colectivas e individuales en la galería Praxis, la Asociación de Ilustradores de Buenos Aires, y el Instituto de Artes Gráficas, entre otros. Durante su estadía en España colaboró en diferentes medios gráficos, tales como, El Papus, El Jueves, La Vanguardia, Interviú, Cambio 16, El País, Playboy de EE.UU, y The New York Times. Killian es miembro de la Asociación de Ilustradores de New York. En el año 2000 recibió el premio Yellow Kid al mejor ilustrador Europeo. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web




5/23/2011

Monasterio de Voronet, Patrimonio Universal de la Belleza


Voronet es un monasterio situado en, la localidad de Gura Humorului, MoldaviaRumania. Es uno de los famosos monasterios pintados de Bucovina, en el sur del Condado de Suceava. Entre mayo y septiembre de 1488, Esteban III de Moldavia (conocido como Esteban el Grande) construyó el Monasterio de Voronet para conmemorar la victoria en la Batalla de Vaslui. A menudo conocida como la "Capilla Sixtina de Oriente" sus frescos fueron realizados en función de un tono de azul intenso, conocido en Rumania como "Azul Voronet".  las paredes exteriores (Incluyendo una representación del Juicio Final en el muro oeste) se pintaron en el año 1547 con un vívido fondo azul cerúleo. Este azul es tan vibrante que los historiadores se refieren al Azul Voronet de la misma forma como Tiziano realizaba el rojo.


El katholikon (iglesia principal) de San Jorge en el Monasterio de Voronet es posiblemente la iglesia más célebre de Rumania. Es conocida en todo el mundo por sus frescos exteriores, repletos de colores brillantes e intensos, y por las cientos de figuras bien conservadas, donde se reconoce que han colocado Azurita contra el fondo. La edad del sitio monástico no se conoce. La leyenda dice que Esteban el Grande, en un momento de crisis durante una guerra contra los turcos otomanos,  fue a pedirle consejos a Daniel el Ermitaño en su comunidad de Voronet. Después de ganar la batalla contra los turcos, manteniendo su promesa al monje, el Príncipe construyó una nueva iglesia, dedicada a San Jorge, el "portador de la victoria en la batalla" La inscripción conmemorativa colocada encima de la entrada original de la Iglesia de San Jorge, (actualmente en el exonarthex de la iglesia), muestra que fue construida en 1488 en menos de cuatro meses. Fue  construido sobre un plan triconch (con tres ábsides), un coro, un naos con la torre de ITS y un pronaos. En 1547, el obispo metropolitano de Moldavia, Grigore Rosca, agregó el exonarthex al extremo occidental de la iglesia. 


Las pequeñas ventanas, sus marcos rectangulares de varillas cruzadas y los arcos en punta o retroceso de los hombros de los marcos de las puertas interiores son de estilo gótico. Las puertas al sur y al norte de la exonarthex tienen marcos rectangulares del año 1547, lo que indica un período de transición del gótico al renacimiento. Pero, por encima de ellos, en cada pared hay una ventana de altura con un arco gótico flamígero. La fachada oeste, es en conjunto, sin aberturas, lo que indica que la intención de la Rosca Metropolitana fue desde el principio para reservar los frescos.


En la fachada norte es todavía visible la decoración original de la iglesia con las filas de discos de cerámica esmaltada en color amarillo, marrón, verde, y decorados en relieve. Estos incluyen motivos heráldicos, como el león rampante y las criaturas inspiradas en la literatura medieval del occidente europeo, como las sirenas de dos colas. La torre está decorada con dieciséis nichos de altura, cuatro de ellos con ventanas. Una fila de pequeños nichos rodea la torre por encima de ellos. Probablemente la forma de la cubierta original, se hizo sin duda, con tejas. La tumba del primer abad del monasterio, San Daniel el Ermitaño, se encuentra en el monasterio. Este monasterio es una de las iglesias pintadas del norte de Moldavia, y figura en la lista de la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.


Contenido Completo

5/22/2011

Silvestro Lega, Un Maestro Sumido en la Pobreza


Silvestro Lega es un pintor italiano nacido en la ciudad de Modigliana, Italia, el 8 de diciembre de 1826, y uno de los máximos representantes del movimiento de los macchiaioli, junto con Giovanni Fattori. La carrera artística de Lega está en sintonía con los acontecimiento históricos de su país. Partiendo de una formación académica, a medida que los aires del Risorgimento se desarrollaban, la pintura de Lega abandona paulatinamente el retrato de altos dignatarios, para centrarse en el paisaje, la pintura de campesinos, a los pequeños propietarios, más acordes con los destinos políticos y económicos que surgían, y con los que el artista comenzaba a mostrarse en sinfonía.


La influencia de Luigi Mussini permanece constantemente en las obras de Silvestro Lega, incluso después de las enseñanzas de la experiencia macchiaioli en la Escuela de Ciseri. Presentó su primera obra macchiaioli importante, titulada "Los novios", en la exposición de Florencia en 1866, pero desde 1861 comienza a pintar paisajes con manchas de color en la técnica de la yuxtaposición.


Para Silvestro Lega, que en 1862 comenzó a representar los acontecimientos históricos, especialmente del Risorgimento, la obra de arte debía tener como punto de partida, una recuperación de la verdad. Precisamente a causa de su radicalismo excesivo, que combina su expresividad tenazmente con la percepción de la realidad, y por su confianza a veces dura y hosca, siguía viviendo en la pobreza, mantenido por varias familias de amigos. 


Estos incluyen el afecto de la familia Bandini que le brindan alojamiento durante el último período de su vida. Desde 1886, debido a la pérdida progresiva de la visión, la pintura de las "masas" pierde el contraste y la claridad, pero gana dramatismo con el mismo color uniformemente distribuido en esas "masas". Murió en Florencia el 21 de septiembre de 1895, consumido por el cáncer.

José Gutiérrez Solana, El Pintor de una España Lúgubre


Autorretrato
José Gutiérrez Solana es un artista nacido en la ciudad de Madrid, España, en el año 1886. Fue un pintor, grabador y escritor expresionista, estrechamente relacionado con la localidad de ArredondoCantabria. Su padre, José Tereso Gutiérrez-Solana, nació en México y fue a España gracias a una herencia. Se casó con Manuela Josefa Gutiérrez-Solana. José estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; después alternó estancias entre Cantabria y Madrid, pero tuvo tiempo para viajar por los pueblos y hasta para ser peón de la cuadrilla del torero Bombé, aunque vivió holgadamente con el dinero de su padre. Por fin se instala en Madrid a finales de 1917. Allí frecuenta las afueras de todo, asistiendo a bailes, merenderos y museos suburbanos del paseo del Prado, como el (entonces) solitario y destartalado Museo Arqueológico Nacional. Se acompaña de su inseparable hermano Manuel, que es cantante. Solana crea un propio estilo, nada académico ni inclinado a las vanguardias, por más que frecuente la intelectualidad reunida en la tertulia de Pombo, cuyo animador y amigo Ramón Gómez de la Serna le dedicó un libro entero, a lo que correspondió el pintor con su cuadro Mis amigos (1920), donde pinta tal tertulia en torno a una mesa (Museo Reina Sofía de Madrid). Ramón conoció a Solana en la exposición que este hizo en el Círculo de Bellas Artes en enero de 1907.


Gutiérrez Solana hizo una primera exposición en París (1928), que resultó un fracaso. En otra a la que acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al monarca. Pero en 1936, cuando comienza la Guerra Civil, Solana es famoso y reconocido fuera y dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París, donde publica París (1938). Su pintura refleja, como la de Darío de Regoyos y la de Ignacio Zuloaga, una visión subjetiva, pesimista y degradada de España similar a la de la Generación del 98. Fuera de la influencia que en él ejercen los pintores del tenebrismo barroco, en especial Juan de Valdés Leal, tanto por su temática lúgubre y desengañada como por las composiciones de acusado claroscuro, es patente la influencia de las pinturas negras de Francisco de Goya o del romántico Eugenio Lucas. Su pintura es feísta y destaca la miseria de una España sórdida y grotesca, mediante el uso de una pincelada densa y de trazo grueso en la conformación de sus figuras. Su paleta tenebrista resalta el oscurantismo de una España divida en tres temas: Las fiestas populares (El entierro de la sardina), los usos y costumbres de España (La visita del obispo) y los retratos (1920, Mis amigos).


Su pintura, de gran carga social, intenta reflejar la atmósfera de la España rural más degradada, de manera que los ambientes y escenarios de sus cuadros son siempre arrabales atroces, escaparates con maniquíes o rastros dignos de Valle-Inclán (por los que sentía especial predilección), tabernas, "casas de dormir" y comedores de pobres, bailes populares, corridas, coristas y cupletistas, puertos de pesca, crucifixiones, procesiones, carnavales, gigantes y cabezudos, tertulias de botica o de sacristía, carros de la carne, caballos famélicos, ciegos de los romances, "asilados deformes", tullidos, prostíbulos, despachos atiborrados de objetos, rings de boxeo, ejecuciones y osarios. Trabaja también el grabado, generalmente al aguafuerte, insistiendo en una técnica directa y más bien ruda, de trazos gruesos. Salvo alguna rara excepción, los diseños repiten pinturas anteriores. Apenas publicó alguna edición en vida; la tirada más importante se emitió en 1963, previamente a la cancelación y depósito de las planchas en la Calcografía Nacional (dependiente de la Academia de San Fernando).

Como escritor posee un estilo semejante, de grandes cualidades descriptivas, vigoroso y enérgico, apropiado para la estampa costumbrista. Por ello la mayoría de sus obras son libros de viajes. Sus escritos más importantes son Madrid: Escenas y costumbres (1913 y 1918, dos vols.), La España Negra (1920), Madrid Callejero (1923) y Dos Pueblos de Castilla (1925). También escribió una novela, Florencio Cornejo, en 1926. A veces utilizó fotografías ajenas, como modelo para sus pinturas. El ejemplo más claro se constata en su obra titulada "Café Cantante", que copia casi literalmente el encuadre y parte de los personajes de la famosa fotografía titulada "Café cantante" de Emilio Beauchy, tomada hacia el año 1885 en Sevilla. En 1939 vuelve a Madrid, donde fallece el día de San Juan, el 24 de junio de 1945. 

5/21/2011

Sir Frank Bernard Dicksee, El Último Estandarte del Romance Victoriano


Sir Frank Bernard Dicksee es una artista nacido en la ciudad de Bloomsbury, Londres, el 27 de noviembre de 1853. Fue un pintor e ilustrador victoriano, más conocido por sus fotografías de espectaculares escenas históricas y legendarias. También fue un pintor famoso de retratos de las mujeres de moda, que le ayudó a traer el éxito en su propio tiempo. Se formó inicialmente por su padre, antes de entrar en la escuela de la Royal Academy en 1870. Entre los profesores visitantes que lo entrenaron, se encuentran los famosos académicos Frederic Leighton (1830-1896) y John Everett Millais (1829-1896). 


Dicksee era un estudiante estrella, obteniendo numerosas distinciones y medallas. Al igual que muchos otros artistas de la época temprana de su carrera, se dedicó en gran medida a la ilustración de libros, así como algún diseño en vitral. Comenzó a exponer en la Royal Academy a mediados de 1870, y también expuso en la Galería Grosvenor, aunque su base real fue siempre la Academia. Dicksee comenzo su reputación con la obra "The Armony", expuesta en la Academia en 1877, y comprado por el Chantry Legacy.


Dicksee fue elegido miembro de la academia en 1881. Muchos de sus retratos son tan hermosos, que es muy difícil rechazarlos. Dicksee vivió en St John's Wood, y permaneció soltero toda su vida. Era uno de los artistas del siglo XIX que sobrevivió a su tiempo, y termino su carrera, muy descontento con la evolución de la pintura en el siglo XX. Sorprendentemente, fue elegido Presidente de la Real Academia en 1924, cumpliendo el papel con brío y tacto. Al igual que su predecesor, Edward Poynter (1836-1919), la orientación tradicional de su arte poco a poco lo había aislado de la corriente artística del momento.

Fue nombrado Caballero, por el Rey Jorge V en el año 1925, para luego pertenecer a la Orden Real Victoriana en 1927. Dicksee pintó la obra "The Funeral of a Viking" en 1893, que ahora reside en el Manchester City Art Gallery, tras haber estado allí desde 1928 cuando fue presentado por Arthur Burton, en la memoria de su madre a la Corporación de Manchester. Muchos críticos victorianos le dieron tanto críticas positivas y negativas, por su perfección como una obra maestra y por su espectacular ajuste por etapas, respectivamente. Esta pintura fue utilizada para la portada del álbum Hammerheart de 1990, de la banda de Black Metal, Bathory .

Ernest Arthur Rowe, La perfección de los Jardines Victorianos


Ernest Arthur Rowe es un artista nacido el 21 de Agosto de 1862 en la ciudad de West Ham Stratford, Londres, su padre fue Thomas George Rowe y su madre Adelaida Rowe. Tenía un hermano George y tres hermanas, Florence, Annie y Bella, siendo el más joven de los cinco. Comenzó a trabajar a los dieciséis años como aprendiz Litógrafo (Fabricando placas usadas para imprimir ilustraciones de libros, etc) durante cinco años, desde octubre de 1878  para 1883. Él fue despedido de su primer trabajo como litógrafo en febrero de 1884 y comenzó su formación como artista en el Royal Institute of Painters desde el 4 de febrero de 1884,  ganando la medalla Presidents Medal Of Landscapes en 1885.


A la edad de 23 años comenzó a pintar profesionalmente y trabajaba desde las 6 am. a 9 pm. Ganó £ 90 en sus primeros trabajos de verano. Para los próximos 10 años había adquirido un importante reconocimiento gracias a la recomendación de sus clientes, ganando aproximadamente £ 100 por año mientras asistía por las noches a la Escuela de Arte Lambeth. Fue ayudado financieramente en repetidas ocasiones por su madre y hermano y siempre siempre le vendió sus pinturas a los amigos y la familia. Su peor año fue 1890, cuando sólo ganó 30 libras. Sin embargo, en la década de 1890 se interesó en la pintura de jardín, donde tuvo más éxito y en 1895 vendió un solo cuadro por £ 68.  Lamentablemente sufrió de tuberculosis y para aliviarse, viajó al extranjero durante los peores momentos del invierno Inglés. Pintó en Francia y España, pero sobre todo en Italia. En 1895 pasó algún tiempo en un sanatorio en Davos, Suiza y allí conoció a su esposa, la enfermera Sofía Slater  (la hija de un ministro bautista de Stow on the Wold en Gloucestershire. En 1899 su fortuna había mejorado lo suficiente como para convencer al reverendo Slater que podía mantener a su hija hasta el 6 de octubre 1899, cuando se casaría con Sofía en la Baptist Chapel en el pueblo Bourton on the Water


Se convirtió en un gran exitoso. En los veranos viajó por todas las islas britanicas pintando la mayoría de los famosos jardines. En el invierno pintó algunos de los bellos jardines y villas en Italia, Sicilia, España y Francia. Durante sus mejores años sus cuadros fueron exhibidos en Liverpool, Manchester, Birmingham y Londres, incluyendo 26 obras en la Royal Academy, 24 en la Royal Society of British Artist y 22 en el Royal Institute of Painters. Cada dos años  celebró exposiciones en Dowdeswell o Galerías Greatorex en Londres. Estas exposiciones fueron observadas por mucha gente famosa y tituladas, como la Reina Alejandra, La ReinaMaría  y la Princesa Alice. Se sabe que la reina María compró por lo menos, quince de sus pinturas durante varios años. La actual Reina exhibió cuatro de sus pinturas en una exposición "Real Jardín de Inglaterra", que se celebró en Sandringham, Norfolk en 1989. 


En 1907 toda esta buena fortuna le permitió construir su propia casa en cerca de Rusthall, en Tunbridge Wells a la que llamó "Ravello" después de que su lugar favorito en Italia. Vivió allí hasta 1915 cuando la Primera Guerra Mundial puso fin a sus viajes al extranjero. La guerra también tomó todos a la mayoría de los jardineros, por lo que muchos de los jardines se convirtieron en maleza y la gente dejó de comprar sus pinturas. Para sobrevivir tuvo que vender su bonita casa y vlvió a los tiempos difíciles. Su fortuna volvió a subir en 1920 pero le duró poco porque murió de tuberculosis el 21 de enero de 1922. Una Exposición Memorial se celebró en Londres en 1925. Este contó con la presencia de la Reina María. Después de esto, quedó en el olvido hasta la década de 1950 cuando se puso de moda una vez más por la gente, cuando colgaban sus cuadros en las paredes y fue investigado por Christopher Wood (la primera autoridad en artistas victorianos).

5/19/2011

George Lambert, De la Guerra a la Gloria del Arte


George Lambert es un artista nacido en la ciudad de San Petersburgo, Rusia, el 13 de septiembre de 1879 y fue el hijo póstumo de George Washington Lambert (1833-1873) de Baltimore, Maryland. Su madre era la joven Annie Matilda Lambertfue, nacida en Firth. Madre e hijo pronto se trasladaron a Württemberg, Alemania, para estar con el abuelo materno de Lambert, y fue educado en el Kingston College, ubicado en el pueblo de Yeovil, Somerset. La familia, compuesta por Lambert, su madre y tres hermanas, decidieron emigrar a Australia. Llegaron a Sydney a bordo del Bengal, el 20 de enero de 1887. Lambert comenzó a exhibir sus cuadros en la Art Society y la Society of Artists, Sydney en el año 1894. También comenzó a contribuir con dibujos a pluma y tinta para el boletín de 1895 y comenzó a pintar a tiempo completo en 1896. En 1899 ganó el Premio Wynne y Estudió en la escuela de arte Julian Ashton en Sydney hasta 1900. Más tarde, ganó una beca de viaje de 150 libras por parte del gobierno de New South Wales.


Pasó un año en París antes de trasladarse a Londres, donde expuso en la Royal Academy. Fue galardonado con una medalla de plata en una exposición internacional por su obra El soneto en Barcelona en el año 1911. Fue más conocido durante este tiempo como retratista. En 1917 se convirtió en un artista oficial de la guerra de Australia durante la Primera Guerra Mundial. Su pintura de Anzac, el aterrizaje en 1915, de los desembarques en la península de Gallipoli en Turquía, es la pintura más grande en el Australian War Memorial


Lambert, como capitán honorario, viajó a Gallipoli en 1919 para hacer bocetos para la pintura. Durante los años de guerra, pasó mucho tiempo en Londres, donde se sugiere que estaba involucrado sentimentalmente con la también artista Thea Proctor. Luego volvió a Australia en 1921, donde tuvo éxito en Melbourne con una muestra individual en la galería de la Fine Art Society. Fue elegido socio de la Real Academia en el año 1922. 


A menudo visitaba la hacienda del coronel Granville Ryrie de la caballería ligera australiana en MichelagoNew South Wales y allí pintó "La Hija del Ocupante Ilegal" y "Paisaje Michelago". En 1927 ganó el Premio Archibald de Australia más prestigiosos premios de arte para el retrato, con su obra titulada "La señora Murdoch". George Lambert murió el 29 de mayo de 1930 en Cobbity, cerca de Camden.


5/16/2011

Abdón J. Romero, Manteniendo Vigente las Raíces del Pasado


Abdón José Romero Díaz nació en la ciudad de Maracaibo, Venezuela, en el año 1956. Estaba interesado en el dibujo y la pintura desde una edad muy temprana. En realidad comenzó a pintar con acuarelas y dibujos en tinta a los seis años de edad. Cuando tenía once años, asistió a la Escuela de Bellas Artes de Julio Arraga, pero se retiró antes de que terminara el año, rechazando sus métodos de "vanguardia" de la pintura que estaban de moda en ese momento. Lamentablemente se dio cuenta a tiempo de que en ninguna institución había un método eficaz de la enseñanza de las bellas artes. No había ninguna escuela pública o privada o universidad donde los instructores tuvieran un buen dominio de las habilidades y conocimientos que son necesarios con el fin de inculcar las disciplinas de dibujo y pintura. 


Al igual que en Europa, en Venezuela habían algunos lugares donde se podía acceder a las técnicas del pasado, y el realismo es algo que se enseñaba, pero a un nivel muy básico, casi rudimentario. En ese momento y como muchos jóvenes, al no tener otra opción, sucumbió a los métodos y las ideas del siglo 20, que eran totalmente ajenas a la educación formal en el arte. Teniendo que familiarizarse con este estado en cuestión, Romero comenzó a aprender por si mismo, recopilando la información donde quiera que podía encontrar, desde libros antiguos, de los pintores del pasado, de textos manuscritos sobre el tema.


Romero es un profesional e internacionalmente reconocido artista realista figurativo cuyo estilo recuerda a finales del realismo del siglo 19 y el legado de grandes artistas como Velázquez, Rembrandt, Zorn, Sorolla, Boldini, John Singer Sargent y Arturo Michelena, pero con un punto contemporáneo de vista. Ha sido profesor de pintura de retrato, dibujo de la figura y la anatomía artística durante más de veinte años, en niveles tales como, colegios, universidades, escuelas privadas de arte y en su propio estudio. Entre sus comisiones de notables, destaca su monumental mural decomisión pública  "La Historia de la Salvación", un excelente óleo, donde su vitalidad y la artesanía lo hacen merecedor de un lugar destacado en el mundo del arte de América Latina y el mural en la Iglesia San Juan Bosch, de Miami, EE.UU.. Ha sido comisionado para pintar retratos de figuras prominentes en la vida profesional pública y los negocios, como el Papa Juan Pablo II, la Sra. Oprah Winfrey, Gallarraga Andrés y Reny Ottolina


Es un miembro oficial de la Sociedad Americana de Retratistas, miembro oficial del Portrait Institute, Nueva York. En la actualidad vive y trabaja en Miami, EE.UU., con su esposa e hija. Desde que se mudó allí, hace una década, se ha concentrado en el campo de la instrucción de arte paralelamente a su carrera como artista. Su enseñanza y experiencia de trabajo incluye el estudio de artistas Romero-Hidalgo, donde se ha convertido en un pilar como un maestro de la pintura y el dibujo. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web