agosto 2011

8/31/2011

Edna Romero, Melancólico Universo de Belleza Digital


Edna Romero es una artista originaria de la ciudad de Toluca, México y nacida en el año 1988. Es actualmente, estudiante de la carrera de Relaciones Económicas Internacionales en la facultad de Economía, por parte de la Universidad Autónoma del Estado de México. En su infancia, más precisamente en el año 1995, cursó un taller de artes plásticas, perteneciente a la Escuela de Bellas Artes de Toluca. Posteriormente, ha desarrollado sus inquietudes plásticas de manera independiente, jugando con los recursos más inmediatos. Sus primeros acercamientos a la fotografía y los medios digitales, los inició de manera autodidacta, de la mano de una cámara digital de bolsillo y un software de edición gratuito que encontró en la web. Experimentando con las técnicas más sencillas, logró encontrar una forma más en la que puede diseccionarse y analizarse a sí misma. Hasta la fecha ha participado en exhibiciones individuales y colectivas dentro de su país, así como publicaciones en medios impresos, electrónicos internacionales y diversas colaboraciones de arte multidisciplinario. “Mis obras tienden a utilizar la figura humana como representación de mi persona y mi interacción con el entorno tomando como base las experiencias que surgen de esta interacción y que crean miedos, dolor y sobre todo lecciones que son utilizadas como métodos de autorreconocimiento, y aunque la mayoría de mis composiciones se inclinan hacia atmósferas oscuras no se refieren a una represión de los sentimientos o un eterno estado de melancolía auto infringido , sino por el contrario a la liberalización, por ello han sido y son una bitácora de retrospectivas que día a día me recuerdan el valor de ser y de evolucionar como persona” Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web





8/30/2011

Serapio Hernandez Muñoz, La Experiencia de un Tallador


Serapio Hernandez Muñoz es un artista nacido el 25 de enero de 1935 en España. De joven, hasta la edad de incorporarse al servicio militar, fue pastor de ovejas, actividad que disfrutó y desarrolló con mucha intensidad dejandole una huella imborrable para toda su vida. Luego ha desempeñado diversos trabajos y en su tiempo libre se ha dedicado al arte de tallar la madera, que es mi mayor afición. "Durante la mayor parte de mi vida he tenido gran afición al arte de tallar la madera, aunque nunca he ejercido de un modo profesional. Desde que estoy jubilado sigo dedicándome a la talla con la misma pasión y el mismo entusiasmo que en mi juventud" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este arista, visita su Web




8/29/2011

Natasha Milashevich, Un Toque de Infancia Pictórica



Natasha Milashevich es una artista nacida en Dushanbe perteneciente a la antigua Unión Soviética, en el año 1967. Comenzó sus estudios a nivel local, donde se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Dushanbe en el año 1989. Continuó sus estudios en San Petersburgo en el estudio de la reconocida artista Vasili V. Sokolov, en la Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura Repin, considerada como la mejor academia de arte en Rusia, de donde se graduó en 1995. Desde entonces, ha sido miembro de la Asociación de Artistas de Rusia. Su trabajo ha sido incluido en más de 30 exposiciones en Rusia, Finlandia, Holanda, Francia, Chile y Kazajstán.





8/28/2011

Lucía Coghetto, Ninguna Superficie es Imposible Para el Arte



Lucía Coghetto, mejor conocida como Ghetto, nació en la localidad de Mestre, Venecia, Italia, el 23 de septiembre del año 1961. Después de muchos años de pintar principalmente paisajes al óleo, emprendió una nueva meta, que fue la utilización da acuarelas. Constantemente fascinada por la búsqueda de diferentes técnicas, Lucia ha pasado de pintar con mortero, hasta experimentar sobre superficies como maderas personalizadas. Su estilo preferido a la hora d epintar son la formas del cuerpo femenino, que resultan ser su verdadera pasión. Coghetto, actualmente vive y trabaja en la provincia de Vicenza. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web





Steven Kenny, Un Mágico Ambientalista


Steven Kenny es un artista nacido en EE.UU en el año 1962. Es eEgresado de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Pasó su carrera como un premiado ilustrador en la ciudad de Nueva York antes de que se estableciera como un gran artista. Con el tiempo, se trasladó a su casa y estudio de las montañas Blue Ridge de Virginia. Su trabajo se ha exhibido internacionalmente y es representado por galerías de los Estados Unidos y en Europa. "Nosotros, los humanos tendemos a olvidar o ignorar los principios de la existencia. Estos incluyen: Cada acción afecta directamente a nuestro medio ambiente, el cambio es inevitable, la inmovilización no es natural, el tiempo está más allá de nuestra influencia, la concepción es el comienzo de la muerte, así como la vida, y muchos otros. Nuestro desafío es aceptar humildemente regalos de la naturaleza y vivir la experiencia por delante, sin imponer nuestra voluntad arrogante sobre la otra y el planeta..."


"Como seres humanos, logramos abrazar la tecnología y nos sentimos dentro de un creciente sentimiento de ansiedad, desorientación y miedo. Para compensar, nuestro deseo de previsibilidad y el orden se enciende un hambre voraz por el control que nos induce a la fuerza de la naturaleza a renunciar a sus secretos. Manipulamos nuestro entorno en un intento de manejar el tiempo, eliminar el cambio imprevisto, y establecer un sentido de estabilidad permanente. Nos hacen todo lo posible para rodearnos psicológico, el entorno físico, espiritual, social y cultural, que esperames, logre durar. El resultado es una existencia cada vez más artificial. Mediante la combinación del realismo detallado, el surrealismo y el simbolismo que transmiten el lenguaje universal de la naturaleza como yo lo entiendo..."


"Visualmente quiero combinar la figura humana, las plantas, los animales y todas las demás formas de la materia en naturales tableaux vivants. Estos escenarios presentan nuestra existencia, ya sea como el medio ambiente armónico o complicado por artificios humanos. Mis cuadros sirven como un recordatorio para mí mismo, y tal vez a otros, que toda la vida en la Tierra no es más que un solo organismo. El mundo que representan mis obras, es uno donde las interdependencias prosperan y se desmoronan las jerarquías. Mis pinturas más a menudo se centran en la figura humana combinada con elementos de la naturaleza. Estas yuxtaposiciones surrealistas, simbólicas, tienen la intención de trabajar por lo menos en dos niveles. El primero alude al hecho de que somos una parte integral del mundo natural y con sujeción a sus leyes. Esto parece una afirmación obvia, hasta que un paso atrás y evaluar objetivamente nuestra relación simbiótica con los demás y la Tierra..."


Dependiendo de cómo cada uno lo vea, estas relaciones caen en algún lugar en la escala entre lo armonioso y lo  disfuncional. El segundo nivel gira la lente para mirar hacia adentro sobre la gestión de nuestro propio paisaje emocional, intelectual y psicológico. La misma materia pictórica me permite hacer referencias a nuestros viajes individuales de auto-exploración y el descubrimiento. Una vez más, dependiendo de quién es el que sistenga la brújula, se pierde o no de la senda del camino correcto. Por lo menos deseo crear imágenes nacidas de la belleza y el misterio que permiten al espectador a encontrar su significado personal en mis cuadros" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

Cesar Santos, Hiperrealismo de Cuba Para Todo el Mundo


Cesar Santos es un artista nacido en Cuba en el año 1982 y emigró a los Estados Unidos en 1995, donde comenzó a desarrollar sus intereses artísticos. Sus estudios en las artes visuales se iniciaron en Miami en la Design and Architecture Senior High. Más tarde estudió en el Miami Dade College, seguido por la New World School of the Arts, donde recibió su titulo Associates Degree in Fine Arts. Insatisfecho con el enfoque moderno de estas escuelas, Santos salió de Miami y viajó a Italia en busca de una sólida formación en el arte de la pintura. Al establecerse en Florencia, comenzó a entrenar en la Angel Academy bajo la tutela de Michael John Angel, alumno de Pietro Annigoni. Allí fue estudiando las técnicas y métodos del Renacimiento, del siglo XVIII, y los talleres franceses del siglo XIX. Después de su graduación, Santos regresó a Miami, donde construyó una carrera exitosa. Ha realizado numerosos encargos públicos, entre ellos "La Cámara", presentado en enero como la imagen del cartel para el Festival de Cine Internacional de Miami, "Danza" la imagen del cartel para el Festival Internacional de Ballet de Miami y recientemente terminó un retrato presidencial del Dr. Modesto A . Maidique, encargado por el Museo de Arte Frost. Sus obras se pueden encontrar en colecciones privadas y públicas de Europa, América Latina y América del Norte. Recientemente Santos vivió y trabajó en Estocolmo, Suecia, donde ha enseñado activamente y se entregó a los talleres de la manera tradicional de dibujo y pintura en suel atelier de Estocolmo. Santos continúa con una visión personal de la creación de un diálogo intenso entre el realismo eminente dejado atrás y el degenerado y sin rumbo movimiento modernista, para provocar el pensamiento, dando a la gente espacio para pensar y experimentar la ilusión. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

Berthe Morisot, Intensos Paisajismos Impresionistas


Berthe Morisot es una artista nacida en la localidad de Bourges, Francia, el 14 de enero de 1841. Se crió bajo el seno de una familia burguesa, quien precisamente la animó tanto a ella como a su hermana Edma, a iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon. Éste la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en el año 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participo con su obra La Cuna. En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet, su hermano menor. 


Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que serían posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo. Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. 



Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado. Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos y desnudos femeninos. Claude Monet pintaba su jardín, sus hijos, etc. Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos. La técnica que desarrolla Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio, hasta que evoluciona a un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento más libre de la pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitan reflejar una estética más de índole impresionista. 



A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito. La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé. Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París. En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.


João Ruas, Melancólica Atmósfera Paulista


João Paulo Alvares Ruas es un ilustrador de 27 años de edad nacido en la ciudad de São Paulo, Brasil, en el año 1981. Sus pinturas son extraños escenarios, inquietantes, misteriosos, cargados de emoción y una atmósfera de tristeza. Asistió a la Escuela de Artes "Carlos de Campos", durante sus años de adolescencia y después de finalizarla, optó por la búsqueda de un grado de diseño en la universidad, la recepción de Bachiller en 2003. Trabajó en Londres, Reino Unido, desde el año 2004 hasta el 2007, haciendo bocetos y trabajos de ilustración para la industria de los videojuegos y la cinematográfica. De regreso a Brasil se unió a los estudios Lobo / Vetor Cero, produciendo obras de arte, tales como style frames, el desarrollo de personajes y escenas de animación, hasta su salida de la compañía a finales de 2008 con el fin de dar prioridad a su trabajo personal y autónomo. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




8/27/2011

Brian Dettmer, El Indicado para Cuidar Nuestras Bibliotecas


Brian Dettmer es un artista nacido en el año 1974 y pasó toda su infancia en la ciudad de Naperville, Illinois, EE.UU. Para el año 1997 obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Columbia en Chicago. Actualmente reside en la ciudad de Atlanta, Georgia. Durante la carrera universitaria Dettmer dedico su tiempo a realizar collages. A medida que avanzaba con su técnica, la construcción de capas tras capas en sus trabajos hizo que comenzara con sus esculturas de tres dimensiones, por lo que es mas conocido. Dettmer toma periódicos y les realiza cambios en la forma de sus estructuras, obligado a plegarlos del revés y envolver las páginas en torno a un lado, o en el caso de los libros, consigue pegarlos en formas múltiples junto con las páginas y las tapas dobladas hacia afuera para tocarse con el fin de crear un exterior con una forma muy suave. 


El principal propósito de cortar, plegar y cambiar estas guías telefónicas, novelas, enciclopedias y diccionarios es que estas viejas formas de los medios de comunicación, se han vuelto obsoletas con el tiempo, y ahora sólo existen como símbolos de lo que los medios fueron diseñados. Lo que Brian Dettmer está tratando de decir, es que desde que estos libros físicos y las cosas que han quedado obsoletas, ahora sirven para casi cualquier función de la mayor parte de ellos debe ahora tomar una nueva forma y convertirse en otro objeto que vale la pena. Ha utilizado otros medios de comunicación obsoletos, tales como las cintas de cassette que las funde y forma esqueletos de tamaño natural.


También ha utilizado las cintas VHS de películas de gángsters y desenrollado todo el interior de la cinta y ha creado los arreglos florales para un funeral. Utilizando enciclopedias, diccionarios, atlas, libros de arte, libros de consulta médica, este artista convierte montones de literatura antigua, en maravillosas obras de arte. Para llevar a cabo su tarea utiliza lijadoras, cuchillos, pinzas y otras herramientas quirúrgicas para tallar una página a la vez. Todas sus obras de arte están hechas completamente de el libro exacto con el que se encuentre trabajando. Nada, ni una sola página, se remueve, ni es añadida o modificada, excepto para cortar y extraer las partes no deseadas. Dettmer manipula las páginas con gran maestría para conformar la forma de sus esculturas.


"En este trabajo comienzo con un libro existente y sello los bordes, ahí es cuando comienzo la creación de un recipiente cerrado lleno de un potencial sin descubrir. Corto la cubierta del libro y logro analizarlo a través de él, desde la parte delantera. Trabajo con cuchillos, pinzas y otras herramientas quirúrgicas para tallar una página a la vez, mientras que "corto" mi ideas en torno a imágenes que sean de gran interés" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

8/21/2011

Nino Orlandi, Un Apasionado de la Escultura


Nino Orlandi es un artista nacido en Italia, el 01 de marzo del año 1946. Las sorprendentes esculturas realistas de Orlandi normalmente son objetos de admiración, y una forma de compartir su histórico conocimiento y la pasión por la talla que ganó a través de los años. En cuanto a la calidad de sus obras, es un estilo característico, la utilización de figuras muy detalladas. Entre sus modelos a tallar, el espectador puede encontrar un amplio espectro de diseños, desde relojes, figuras abstractas, surrealistas y figurativas. Por lo que sin duda alguna, este maestro italiano es uno de los mejores representantes del actual oficio de la talla en madera. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su página en Facebook