septiembre 2011

9/23/2011

Uldis Zarins, Realismo en Arena



Uldis Zarins es un artista nacido en la ciudad de Riga, Letonia, República Socialista Soviética en el año 1976. Desde su infancia, pudo darse cuenta que era completamente diferente de otros niños. En la escuela, se sentaba en el último banco y copiaba todo lo que veía a su alrededor, alentado en parte por el profesor. Nunca tuvo una idea clara de lo que quería hacer, pero pronto comprendió que el trabajo, la educación y el aprendizaje serían elementos fundamentales en su vida. Trabajar sólo por dinero o simplemente porque tenía que hacerlo, lo aburría. A la edad de 17 años ya se había convertido en un carpintero calificado, trabajaba en una fábrica de construcción, e incluso como un repartidor de periódicos.


Entonces decidió que tenía que estudiar y escribía en un papel todas las profesiones que le gustaría hacer, y desechó todo aquello que parecía inalcanzable o imposible. Por lo que eligió el arte. Al principio se sentía incómodo con esto, ya que es común pensar que el arte es realmente una profesión muy difícil donde tener éxito. Sin embargo, había un ambiente cada vez mayor de artistas que se estaban convirtiendo en exitosos, y no todas sus obras eran de buena calidad. En los primeros días necesitó una base en educación artística. Se presentó a la Escuela de Artes Aplicadas de Riga para un curso de cinco años y se especializó en escultura. Esta escuela antigua y de prestigio clásico se concentró en las tradiciones artísticas, con un método de enseñanza muy fuerte.


También asistió a clases nocturnas para aprender a dibujar y pintar. A los 19 años de edad, estaba rodeado de colegas más jóvenes que no sabían lo que querían hacer. La mitad del curso se componía de historia del arte y teoría, la otra mitad era dedicada a la educación del arte clásico con un enfoque en la escultura pre Siglo XX. Durante este período, Uldis conoció a un escultor conocido como Janis Barda quien le abrió los ojos y lo invito a trabajar en su estudio. Después del verano, cuando volvió a la escuela, hacer réplicas de esculturas clásicas de repente le resultaba tan fácil, que su mente ya no luchaba con problemas de plástico. 


"Me he dado cuenta que en este poco tiempo que tengo en el hielo y la arena, he creado tantas esculturas monumentales que he sobrepasado a los escultores que crean con materiales convencionales de una vida. Tengo el placer de ser capaz de ganarme la vida con creatividad y tener la oportunidad de desarrollarme, dando la bienvenida a proyectos basados en la figura humana y la arquitectura. Me gustaría ver la arena y la escultura de hielo convertidas en una parte integral de la cultura artística en Letonia. Es entretenida, y ofrece el ágape para hablar de temas serios y complejos. Tengo mucho que hacer ahora. Estoy feliz de encontrarme a mí mismo un artista" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web


9/18/2011

Cayetano De Arquer Buigas, El Aristócrata del Arte Contemporáneo



Cayetano de Arquer Buigas es un artista nacido en municipio de Cerdanyola del Vallés, España, el 11 de enero de 1932 bajo la unión de dos familias, los Arquer y los Buigas, uniendo así a la aristocracia con la esencia más pura de las artes. Su padre Cayetano Buigas Monravà fue un distinguido arquitecto modernista que tan solo en Cataluña creó monumentos, como la Columbues Column, el Vichy Catalán Health Spa y el Comella Palace en Vic. También fue el padre de Carlos Buigas, el brillante ingeniero - inventor de las fuentes iluminadas de Montjuic en Barcelona, ​​junto con unos 700 proyectos en cinco continentes, entre los que destacan, teatros, fuentes de luz.; Padre de Joaquín Buigas, el escritor y creador de la historieta de niños más famosa que jamás haya existido, el T.B.O; de José Buigas, artista y pintor, y Ma. Rosario Buigas, la madre de Arquer Buigas, de quien heredó su talento para el dibujo. Su padre procede de una familia catalán destacada y poseedora de titulo de nobleza, también conocidos como industriales que más tarde jugaron un papel importante en el desarrollo de la economía catalana en el siglo XIX. 



Su padre, Luis de Arquer no sólo era un escritor bilingüe muy conocido, sino también un Oficial de Caballería perteneciente a varias órdenes de nobles, uno de los cuales es el Real Cuerpo Militar de San Jorge de Gerona, a la que Arquer Buigas, también pertenece. De su padre, sin lugar a dudas, viene su fascinación por los caballos, y de ahí su predilección por la pintura de ellos. A partir de estas culturas diversas, aunque no incompatibles, de estas dos familias, viene la idiosincrasia de este artista, formado por una parte, por la sensibilidad y la imaginación de aquellos que vivieron el "arte" sobre una base diaria y por el otro, por un pragmatismo impregnado de la elegancia y el elitismo que conlleva su casta. Esta explicación  en relación con la familia Arquer Buigas, se da simplemente por lo que se puede apreciar la influencia que han tenido en el desarrollo de la personalidad y el final del pintor, que se refleja como son, en este trabajo, en el que las cualidades de elegancia y la artesanía fina, son inseparables.



Cayetano pasó su adolescencia entre Madrid y Cerdanyola (Barcelona). Desde la infancia fue, obviamente, un dotado dibujante y sus archivos de estudiante son un fiel reflejo de esto, cargados, como sus bocetos actuales. En una de las escuelas donde estudió, paso un largo tiempo en compañía de Carlos Saura, el famoso director con el que comenzó su fascinación por la fotografía, que era su principal interés durante muchos años y que después llevó a Barcelona en la forma de una empresa comercial que compartió con Carlos Durán, el director de cine fallecido, y Jorge Herralde, editor de renombre. La gente de Barcelona llegó a comparar su labor con la de David Hamilton. Una breve mirada a otros aspectos de su vida nos muestra a un hombre que con una pasión por las motos, amaba la competencia, y la fascinación por todo lo relacionado con los caballos. De la primera pasión, tiene la cicatriz de un serio accidente que impidió el uso de su brazo izquierdo desde hace algunos años. De este último recuerda la muerte de su último caballo, y el accidente sucedió mientras cabalgaba, y del que salio milagrosamente ileso.




Pero su verdadera pasión siempre ha sido el dibujo. Dibuja en cualquier lugar, en cualquier circunstancia. Sus dibujos, que permanecen intactos durante días en las barras de mármol de los cafés, son conocidos y admirados cariñosamente por los lugareños. Su enorme versatilidad se refleja en la amplia gama de bocetos a los que se dedica. Construye radios, repara relojes antiguos, e inventa. Inventa aparatos para laboratorios fotográficos, y aparatos para la industria del automóvil, alguno de las cuales las patenta. También es bien conocido por su amor por la cocina, las paellas que se produce para las grandes fiestas y es altamente aclamado por todos. A los 27, su mayor pasión floreció y se dedicó a la pintura. Pintó mucho y con gran éxito, con el apoyo de su primer manager, su tío Ignacio de Arguer, que expuso su obra en su restaurante "Santa Marta" en Cabrera de Mar y por lo tanto ha lanzado con éxito sus primeras obras. El tema preferido de Arquer Buigas en la pintura, es claramente, la mujer, no cualquiera, sino un determinado tipo de mujer. También pinta niños, caballos, paisajes, retratos, y utiliza el esfuerzo y la habilidad para el trabajo y la imaginación. Su proyecto más reciente es un retrato de su Majestad el Rey, Juan Carlos I, que le ha dado su aprobación personal. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web


9/13/2011

Alfred Kubin, Grotesco Arte Psicológico


Alfred Leopold Isidor Kubin es un artista nacido el 10 de abril de 1877 en Leitmeritz, Bohemia, República Checa, que entonces era parte del Imperio austrohúngaro. Ilustrador expresionista austriaco y escritor ocasional, descendiente de ancestros checos. Desde 1892 hasta 1896 estudió fotografía. Entre 1898 y 1901, Kubin estudió en la escuela de arte Schmitt Reutte y en la Academia de Munich. En 1902 comenzó a colaborar con la revista satírica Simplicissimus. Ese mismo año expone en Berlín y publica su primera recopilación de dibujos el año siguiente. Produjo un pequeño número de pinturas al óleo entre 1902 y 1910 pero pronto comenzaron a predominar en su producción otras técnicas, el dibujo con pluma a tinta china se convirtió en su medio favorito, también realizó acuarelas, y litografías. Viaja, sobre todo a París, y emprende una gran amistad con Franz Kafka.


En 1911 participó junto a sus amigos Paul Klee y Franz Marc en la exposición de Der Blaue Reiter. Se considera un importante representante del Expresionismo, destacando por sus fantasías oscuras, espectrales y simbólicas (normalmente relacionadas por series temáticas). Se han encontrado influencias, especialmente en sus obras tempranas de artistas como Francisco de Goya, James Ensor y Max Klinger. Desde 1906 hasta su muerte, estuvo llevando una vida retirada en un castillo del siglo XII en Zwickledt. Kubin fue galardonado con el premio del Gran Estado Austriaco en 1951, y con la condecoración Austriaca de las Ciencias y las Artes en 1957.


Como Oskar Kokoschka y Albert Paris Gütersloh, Kubin compartió el talento para las artes plásticas con el literario. Ilustró obras de Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, Fyodor Dostoevsky, entre otros. Es también autor de numerosos libros, el más conocido de ellos es su novela Die Andere Seite (El otro lado, comúnmente traducida como La otra parte) (1909), una distopía apocalíptica de atmósfera claustrofóbica y absurda, con reminiscencias de los últimos escritos de Kafka. Esta novela es considerada como una de las obras maestras de la literatura fantástica en lengua alemana; así la han calificado reputados autores, como Hermann Hesse que la sitúa a medio camino entre Meyrink, Poe y Kafka.


Kubin ha sido una influencia determinante en uno de los cineastas más innovadores y representativos del expresionismo: Murnau. Sentía una fascinación por la obra de Kubin y en especial por su utilización irreal de la luz. La magia de muchos de sus grabados y dibujos está de hecho en la iluminación porcedente de fuentes de luz imposibles e ilógicas. En una escena del Fausto de Murnau se copia literalmente una de las ilustraciones de la novela de Kubin "La otra parte": la casa de la madre de Margarita extrañamente iluminada por la noche. Algo similar sucede en una escena de la calle en Nosferatu, también copia de otra ilustración del mismo libro. Por su capacidad onírica Kubin ha sido considerado también de gran influencia en los pintores surrealistas, entre otros en Dalí. Kubin falleció el 20 de agosto de 1959.

Palacio de Verano, Una Joya Oriental


El Palacio de Verano (Jardín de la Salud y la Armonía) es un parque situado a unos 12 kilómetros del centro de Pekín, en la República Popular China. Desde el año 1998 está considerado como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. El Palacio es hoy en día un extenso parque de casi 300 hectáreas, a orillas del lago Kunming que contiene una serie de construcciones. Fue originariamente construido en el año1750 por el Emperador Qianlong. El lago es artificial. En 1860, durante la Segunda Guerra del Opio, el Palacio de Verano original fue prácticamente destruido por las fuerzas franco-británicas. Una parte del Palacio fue restaurada y embellecida por la Emperatriz Cixi en el año 1899. La emperatriz lo utilizó como su residencia temporal de verano a partir de 1901 y también fue la sede del Gobierno hasta 1908.


La mayoría de los edificios que forman el Palacio, están situados entre el lago Kunming y la Colina de la Longevidad. Hay residencias, teatros, pagodas, puertas, muelles y diversos otras construcciones. El lago Kunming tiene la forma de un melocotón, que es la fruta que representa la longevidad en la cultura imperial china. El Palacio de Verano, concebido para el disfrute exclusivo del Emperador y su familia, es hoy en día un lugar de recreo y expansion para los pequineses y visitantes, sobre todo durante los fines de semana. Una de las construcciones destacadas es el Gran Corredor, un pasillo techado de más de 750 metros de longitud. La emperatriz ordenó construir este corredor para poder moverse por el Palacio sin preocuparse por las inclemencias meteorológicas. 


El techo del corredor está decorado con más de 14.000 pinturas con escenas sobre la historia de China. El Gran Corredor posee cuatro rotondas intermedias, una por cada estación del año. Recorrerlo entero equivale, pues, a recorrer un año. En la mitad del corredor se encuentra la subida a la Pagoda del Buda Fragante, construida en lo alto de la Colina de la Longevidad y donde iba a orar una vez al año la Emperatriz. También destaca el Barco de Mármol.  La nave original estaba construida con mármol y cristal, siendo de mármol el casco totalmente y gran parte de sus dos pisos. Actualmente una gran parte de la construcción sobre el casco es de madera. El barco era utilizado por Cixi para celebrar sus fiestas. La construcción del palacio se financió con el presupuesto destinado a renovar la Marina. 


El pueblo chino considera el barco de mármol como un símbolo de la corrupción, por su inutilidad ya que no sirve para navegar. Sin embargo, para la emperatriz la solidez del barco era una demostración de su estabilidad y perennidad. En la Sala Yulan del Palacio de Verano estuvo recluido durante más de 10 años el Emperador Guangxu, nieto de Cixi, después de protagonizar un intento de reforma 1898 que no fue del agrado de su abuela. No se le permitía ningún contacto con el exterior y las ventanas y puertas de la sala estaban selladas. Sólo tenía acceso a un pequeño patio interior. Finalmente, hay que destacar el bello Puente de los Diecisiete Arcos, que une la orilla del lago Kunming con la isla de Nanhu, en el medio del lago. El puente tiene una longitud de 150 metros y una anchura de ocho metros. Está decorado con 540 leones esculpidos en diferentes posturas. El puente es una réplica del puente Marco Polo situado a unos 15 kilómetros al sudoeste de Pekín.



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Edith Lebeau, Un pasado de Cómics Inspirando su Arte


Edith Lebeau es una artista nacida en la ciudad de Beloeil, una pequeña ciudad de Quebec, Canadá. Se crió en un ambiente creativo, ya que sus padres también son artistas. Esto le ayudó a explorar su propio mundo imaginario y la inspiró a seguir una Licenciatura de Bellas Artes de l'Université du Québec à Montreal, que logro finalizar en el año 2005. Cuando era una niña, había desarrollado una fascinación por los superhéroes y villanos, que se sigue notando su influencia en su trabajo. Las mujeres que pinta con una  mirada fuerte y aunque a veces no parecen saber lo que está pasando, poseen una energía muy fuerte. "La mirada es lo más importante en mi trabajo, es la forma en que el personaje cuenta la historia para el espectador" Edith pinta a estas mujeres (heroínas, villanas, diosas, ninfas, etc) y las hace contar su propia historia a través de su expresión y la emoción que destilan. La historia es a menudo borrosa para alentar al público a tomar sus propias decisiones. "Me gusta ver mis cuadros y no tener todo a la vez. Dejo la pregunta carácter me" Las obras de Edith a menudo se refiere a la cultura griega, romana y mitologías celtas, las películas y los cuentos de hadas. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web




9/12/2011

Hendrick Goltzius, Excelsa Versatilidad Artística


Hendrick Goltzius es un artista nacido en el año 1558 en la localidad cercana a Venlo en Bracht o Millebrecht, un pueblo que pertenecía entonces al Ducado de Jülich, actualmente en la municipalidad de Brüggen en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). Es considerado el mejor grabador de los Países Bajos del período Barroco o del Manierismo nórdico, reconocido por su técnica sofisticada y la "exuberancia" de sus composiciones. Según A. Hyatt Mayor, Goltzius "fue el último grabador profesional que dibujaba con la autoridad de un buen pintor y el último que inventó muchas imágenes para que otros las copiaran". Su familia se mudó a Duisburgo cuando tenía tres años de edad. Su padre era un modesto artesano de vidrios pintados apellidado Goltz (Hendrick adaptaría dicho apellido latinizado como Goltzius). Siendo niño, Hendrick sufrió quemaduras en un incendio y su mano derecha le quedó lisiada, con los dedos encorvados. Curiosamente, esta lesión le permitiría agarrar con más facilidad el buril, al ser forzado a dibujar con los grandes músculos de su brazo y hombro, de forma que dominó el giro de las líneas.


Tras aprender a pintar sobre vidrio durante algunos años con su padre, aprendió a grabar en el taller del erudito holandés Dirck Volckertszoon Coornhert, quien entonces vivía en Cléveris. En el año 1577, se mudó con Coornhert a la ciudad de Haarlem. Allí mismo, Goltzius fue contratado por Philip Galle para grabar una serie de imágenes sobre la historia de la heroína romana Lucrecia. Goltzius formó su estilo en el gusto del manierismo, del cual Haarlem fue un reducto hasta fecha tardía. Incidió en ello el pintor y teórico, Karel van Mander, quien se había instalado en la ciudad procedente de Viena, trayéndose consigo diseños de Bartholomeus Spranger, el principal pintor manierista fuera de Italia. El estilo de Goltzius sería más abigarrado que el de Spranger, con un gusto por los ornamentos y las musculaturas exageradas que rozaba con lo bizarro. A la edad de 21 años, se casó con un viuda de avanzada edad, con cuyo dinero pudo establecer un taller independiente en Haarlem; con ello rompió el monopolio de Ámsterdam en la edición de estampas.


Desavenencias con su esposa le afectaron a la salud, por lo que consideró recomendable realizar un viaje en 1590 recorriendo desde Alemania hasta Italia, donde adquirió una intensa admiración por las obras de Miguel Ángel. Esta admiración le llevó a emular a este maestro en lo grotesco y la extravagancia de sus diseños. Regresó a Haarlem en agosto de 1591, con una salud considerablemente mejorada y trabajó allí hasta su muerte. La fama de Goltzius se extendió por Europa en fecha temprana. Se cuenta que cuando viajó a Roma, en 1591, tuvo que encubrir su identidad para eludir a los admiradores que lo hostigaban. Su mano deforme era tan peculiar, que los aficionados le reconocían por ella. En Roma, Goltzius estudió con atención el arte de Miguel Ángel, Rafael Sanzio y maestros hoy menos conocidos, como Polidoro da Caravaggio. Su estilo evolucionó, de una exuberancia algo grotesca a un clasicismo más mesurado, que presenta a los personajes con ropajes más amplios y simples, y expresiones más relajadas. Ejemplo de ello es su serie de Las Nueve Musas (1592).


Fue un grabador meticuloso y a la vez productivo. Entre sus series tempranas, destaca una sobre Cristo y los apóstoles (1589), llamada "El Credo" porque grabó debajo de cada imagen un verso del Credo. A pesar de esta evolución gradual, Goltzius alardeó de su versatilidad cambiando de estilo según la ocasión. Hacia el año 1594, creó una serie de seis planchas sobre la vida de la Virgen, para las cuales se remontó casi un siglo para imitar a Durero, Parmigianino y Lucas van Leyden. A finales de siglo, Goltzius fue perdiendo facultades y tuvo que delegar en su taller la producción de planchas. Gracias a su hijastro Jacob Matham y a otros grabadores anónimos, el negocio se mantuvo floreciente, aunque ahora resulta difícil discernir la autoría de cada grabado. En respuesta a la superior cotización de la pintura, Goltzius optó por volcarse en los cuadros al óleo, que requerían menos pulso que los grabados. Intentó adaptarse al nuevo barroco de raíz naturalista que Rubens iba imponiendo, pero no llegó a dominar los colores al óleo tan bien como la técnica gráfica. Quedan ejemplos interesantes de su faceta como pintor en el Museo Frans Hals de Haarlem. Este museo ha tenido que entregar uno de ellos, el cuadro Júpiter y Antíope, pues fue expoliado por los nazis.


Goltzius produjo grabados de temas diversos: religiosos, mitológicos, así como retratos, por lo general, de dignatarios y demás personajes ilustres. Es muy llamativo el que hizo del niño Frederick de Vries (1597), hijo de un colega pintor: visto de cuerpo entero, intenta subirse a lomos de un perro de caza y lleva en su mano una paloma. Se cree que los animales son símbolos, ya que en la iconografía, el perro era emblema de la fidelidad y de la alerta ante los peligros y engaños. De este famoso grabado existe una copia muy fiel, grabada por el italiano Raffaele Guidi en 1599. En el año 1600, fundó en Haarlem la primera academia neerlandesa, basada en el estudio del desnudo y de las estatuas clásicas. Más fortuna alcanzó Goltzius como dibujante, con los llamados pen-werken, unos dibujos muy detallados, a veces, con colores, que se creaban como piezas coleccionables para gabinetes de curiosidades. Hizo varios de estos dibujos con el mismo tema, un proverbio de la región: "Sin comida y vino, el amor se apaga". Falleció en 1617, cuando el estilo de Rubens se imponía en los Países Bajos y ponía fin al viejo manierismo. Pero sus estampas siguieron siendo influyentes en Europa. Pintores españoles bastante posteriores, como Murillo y Zurbarán, se basaron en ellas para solucionar problemas de composición.


Omar Rayyan, Ilustraciones Infantiles del Viejo Mundo


Omar Rayyan es un artista nacido el 23 de diciembre Después de graduarse de la Rhode Island School of Design, se establecio junto con su esposa Sheila en la isla de Martha Vineyard. El ambiente bucólico que complementa la zona, fue de mucha ayuda a la hora de inspirarlo en su estética pictórica de "viejo mundo". A pesar de mirar al pasado en busca de inspiración y orientación en los grandes pintores al óleo del Norte Renacentista, la pintura Romántica y Simbolista del siglo XIX, ha elegido la acuarela como su medio preferido. Después de haber realizado ilustraciones para muchos editores, incluyendo a Simon & Schuster, Random House y Hyperion/Disney, el principal mercado de Omar se encuentra dirigido hacia revistas y libros para niños y adultos jóvenes. Desempeña tareas como "Bug Man" (Supervisor de errores) y colaborador habitual de la revista Spider, y también ha ilustrado varios libros para niños. Otros géneros en los que ha incursionado incluyen, el mercado de los juegos, sobre todo de Magic: The Gathering, en el que ha hecho el arte de las tarjetas y el trabajo conceptual. Rayyan también fue uno de los talentosos artistas que contribuyeron con el arte conceptual y ha creado la apariencia de la película Las Crónicas de Narnia "El león, la bruja y el armario". Además de su trabajo comercial, su actividad favorita es realizar trabajos que no estén destinados hacia los editores, y cumplan la simple finalidad de ser exhibidos. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





9/09/2011

Nadia Wolinska, Un Surrealismo Espiritual



Nadia Wolinska es una artista nacida el 7 de octubre de 1963, en Francia. Experimentó a través de diferentes técnicas artísticas en la búsqueda de una constante evolución. Estudió danza, mímica, y técnicas de respiración e interpretación en París, complementadas por la música, el canto y el boxeo. Aunque de manera informal siguió con la pintura y el dibujo, de forma autodidacta, estas investigaciones fueron los catalizadores de su búsqueda. Durante este tiempo, se convirtió en una ilustradora freelance, diseñadora de lienzos y tiras cómicas. Sin embargo, fue durante su aprendizaje y posterior colaboración, en el año 1987, con el pintor foto-realista Alain Pichereau, que le dio la base de las técnicas que conducen a su propio proceso pictórico. Wolinska trabajó como muralista por encargo, pintora de retratos y escenógrafa.


Al momento de trasladarse a Hong Kong, en el año 1993, abandonó todo su trabajo comercial. Canalizando su energía creativa mientras viajaba por el mundo y desarrollando su vida interior a través de la experimentación y la revelación personal. Los simbolismos se reunieron y el conocimiento, formado en la síntesis y le dio una orientación interior hacia el desarrollo de su propia técnica. Estudió la técnica de los viejos maestros de la pintura de esta en combinación con su filosofía personal y descubrimientos espirituales fue un gran avance para dar lugar a su estilo innato, es cierto.


Para el año 1997, Wolinska creó en Londres su primera serie de obras utilizando su nueva técnica, llamada "Evolution-Involution" y fue una colección que abarcaba unas 25 pinturas. Llegó a Nueva York en el año 2001 para trabajar como muralista decorativa hasta el año 2004, donde recibió una beca privada para realizar una nueva colección de sus pinturas. Dando lugar a las 16 piezas de la "Realidad Divina de la ilusión humana" colección.

Ha creado un cuerpo de trabajo con el que ha expuesto en Londres, París, Nueva York, Italia, Alemania, India, en muestra tanto individuales como grupales. Wolinska ha recibido los Premios de ARTV Muse (2005) en la categoría de pintura al óleo. Actualmente, alterna su estadía entre California y la India, donde continúa con sus aprendizajes a través de sus obras artísticas, así como exploraciones selectivas en servicio en su proceso creativo personal. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web

9/08/2011

Juan Herrera, Biografía de un Talento Argentino



Juan Domingo Herrera es un artista nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, en el año 1974. Ya desde chico demostró un interés por el arte, por el dibujo especialmente. Mientras estudiaba electrónica en el nivel secundario, su interés por el arte aumentaba, y así es como continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", donde concretó la carrera de Profesorado de Dibujo. Realizó estudios de Posgrado en la Escuela de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova", donde se especializó en Dibujo, Grabado, Pintura Oriental, Estética Contemporánea y técnicas de Muralismo. Estudió en los seminarios de capacitación en pedagogía para nivel universitario en IUNA, CCCP. Sus estudios particulares fueron hechos en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, donde se instruye en el dibujo de la figura humana, con el Maestro Carlos Terribili.



Participó en los talleres dentro y fuera de instituciones de Fabián Attila, Juan Carabajal, Juan Maffi, Alicia Orlandi, Ernesto Pesce, Jorge Tapia. Hizo su primer curso de computación a los 11 años (en 1986). Las primeras experiencias en el uso de la computadora para generar imágenes se dieron con una Commodore Amiga 1200, obras de animación y video digital de carácter totalmente lúdico y explorativo. Tuvo un desempeño en el dibujo de storyboard y animación para publicidad en cine durante sus comienzos en el mercado laboral.


Pasando por diferentes experiencias laborales, que incluyen desde el dibujo publicitario, animación para video y cine, un dibujo animado educativo con títeres, dibujo a mano y 3D, hasta un sistema de evacuación en animación 3D para el Estadio de Boca Juniors. Sus estudios en el tema han sido siempre de forma autodidacta. La computadora formó parte de su vida, y el estudio como tránsito es lo que queda reflejado en su obra. El desarrollo de las artes digitales comienza por 1991 cuando realiza una muestra virtual de cerámica precolombina, con reproducción y animación de piezas arqueológicas en 3D. Gran parte de la obra está en el formato predilecto del artista, que es el del collage de dibujo, pintura, fotografía, imagen virtual y 3D.



Actualmente desarrolla un programa completo para la enseñanza de la Anatomía Artística, tanto para el artista, como para cualquier otro que requiera del dibujo de la figura humana para tareas representativas o descriptivas. En el campo digital se encuentra desarrollando, técnicas de integración entre la composición en 3D y las demás disciplinas artísticas, paso consecuente con lo hecho anteriormente donde dicha integración se hace con las técnicas de 2D, o collage. Si estas interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web