enero 2012

1/31/2012

Matt Wisniewski, Naturaleza Humana


Matt Wisniewski es un fotografo nacido en New York, estudiante del Rochester Institute of Technology y desarrollador web. Su serie de collages de técnica mixta, son una parte de sus proyectos en curso. Estos trabajos de arte digital crean una moda sobre la naturaleza mash-up. El artista manipula las fotos que encuentra en Tumblr e incorpora tanto la belleza de la forma humana como la belleza de la naturaleza. Sus experimentos visuales surrealistas, en la actualidad aparecen en Tumblr titulados "Cinco Minutos De Vida" y representan una variedad de elementos naturales como una extensión de los sujetos de las fotos. La textura granulosa del suelo, la superficie áspera de las regiones montañosas, y el flujo de agua salada del océano añaden el atractivo visual y la intriga a cada imagen. Paisajismos entremezclados con los contornos de la figura humana le dan un nuevo significado a la naturaleza humana. Para Wisniewski, a diferencia de otros elementos artísticos, la naturaleza tiene una presencia destacada en su trabajo: "He experimentado con los elementos arquitectónicos, tienden a ser más difíciles de incorporar y mantener la misma calidad urbana, a menudo tiene un montón de pequeños detalles que no se traducen bien a mi trabajo" Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web






Pietro Moroni, Sobre la Influencia de Picasso


Pietro Moroni en un artista italiano, nacido el viernes 4 de noviembre de 1952. Después haber terminado sus estudios en la Accademia di Brera, se instala para vivir y trabajar en la localidad italiana de Rho, al norte de la provincia de Milán. Desde hace decadas, mas precisamente desde el año 1967 ha mostrado sus trabajos en exposiciones individuales y colectivas tanto en Italia (Milán, Verona, Padua) y en el extranjero (Suiza, Polonia, España) para presentar su arte, técnicas, ideas y pensamientos. Las experiencias de Moroni, ha filtrado los movimientos artísticos más significativos de la era moderna, donde el arte converge en forma casi espiritual. Un arte fácil de entender y vivir, que pueda surgir hasta en la arquitectura de la ciudad. Los cuerpos pintados por este artista, a menudo figuras desnudas, son de proporciones reales, y con un efecto de amontonamiento masivo, sin embargo, la fluidez se conserva como si de un sueño se tratase. Los cuerpos en su propia monumentalidad, recuerdan a los del celebre pintor Picasso. De un solo golpe les da vida, los hace salir del fondo plano de los paisajes de sol y las estrellas. Y no reprime el contorno del cuerpo humano, sino que le permite flotar en el paisaje a menudo indefinido.





1/30/2012

Dewan Irawan, Una Sutil Captura de Indonesia


Dewan Irawan es un fotógrafo nacido en la República de Indonesia, con un perfil extremadamente bajo pero que no opaca a su particular e impecable técnica, que denota una gran labor en el manejo de la luz y la nitidez, posicionándolo entre los mejores artistas de su país. El tema principal a tratar por Irawan, son los hechos costumbristas de su región, donde los principales protagonistas son los niños, ancianos y obreros rurales, transformándolos en exóticos relatos que contrastan con un maravilloso paisaje (que roza lo paradisíaco), el cual denota la sensibilidad del artista a la hora de utilizar los rayos de luz a su favor, un rasgo digno del maestro pintor Albert Bierstadt. Pero existe otro factor y quizás el mas relevante, que provoca admiración en sus trabajos, y no es mas que la implementacion de técnicas fotográficas puramente  tradicionales en el cual, el unico requisito es tener una cámara y una emotiva historia a retratar. Si estás interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web





Francesc Daranas, Inquietante Futurismo Bañolense


Francesc Deranas es un artista proveniente del municipio español de Banyoles, España. "Fotogramas de papel" es el título que escogió para nombrar al proceso de sus pinturas actuales. Cada obra es un fragmento de una historia, a menudo imaginada, donde cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia. Donde el personaje adquiere importancia en su condición de individuo y no como un autómata hombre-masa. Donde el espectador puede ver reflejadas las propias vivencias emocionales contadas por un voyeur desde una prespectiva neutra, donde se puede inventar un antes y un después del instante congelado. Por otro lado, como dice su amigo y profesor de filosofía Ferran Teixidor: "En cada uno de estos trabajos hay un trasfondo que te guiña el ojo y sutilmente... sonríe". En el año 2000 engalana con una ilustración propia, la portada del libro Los tigres de Mompracem de Emilio Salgari. Daranas suele trabajar con la técnica mixta sobre todo con anelina, tintas de colores utilizadas para la fotografia, barniz y dibujos de personajes futuristas.  Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




Palacio De Catalina, Una Divinidad Arquitectónica


El Palacio de Catalina era la residencia de verano de los zares de Rusia, de estilo rococó y ubicada en la ciudad de Tsárskoye Seló (actualmente llamada Pushkin), a 25 km al sureste de San Petersburgo, antigua capital del Imperio ruso. El palacio está integrado, junto con el conjunto de palacios y parques de la ciudad de Pushkin, así como su centro histórico en el lugar Patrimonio de la Humanidad llamado "Centro histórico de San Petersburgo y conjuntos monumentales". La residencia tiene su origen en el año 1717, cuando Catalina I de Rusia contrató al arquitecto alemán Johann-Friedrich Braunstein para construirle un palacio de verano para su distracción.


En 1733, la emperatriz Ana encargó a Mijáil Zemtsov y Andréi Kvasov que ampliaran el Palacio de Catalina. La emperatriz Isabel, sin embargo, consideró que la residencia de su madre estaba pasada de moda y era incómoda y en mayo del año 1752 pidió a su arquitecto de corte, Bartolomeo Rastrelli que demoliera la antigua estructura y la reemplazara con un edificio mucho más grande en un llamativo estilo rococó. La construcción tardó cuatro años y el 30 de julio de 1756, el arquitecto le presentó el flamante nuevo palacio de 325 metros de largo a la emperatriz, sus aturdidos cortesanos y estupefactos embajadores extranjeros.


En vida de Isabel, el palacio ganó fama por su exterior asombrosamente lujoso. Se usaron más de 100 kilos de oro para dorar la sofisticada fachada de estuco y numerosas estatuas erigidas sobre el tejado. Incluso se rumoreó que el tejado del palacio estaba construido enteramente de oro. En frente del palacio se diseñó un enorme jardín formal. Se centra en el pabellón del Hermitage azul y blanco cerca del lago, diseñado por Zemtsov en 1744, revisado por Rastrelli en 1749 y anteriormente coronada por una gran estatua dorada representando El rapto de Perséfone. El interior del pabellón tenían mesas de comedor con mecanismos de mesita rodante. La gran entrada al palacio se encuentra flanqueada por dos circunferencias macizas, en estilo rococó. Una delicada reja de hierro colado separa el complejo de la ciudad de Tsárskoye Seló.



Aunque el palacio se asocia popularmente con Catalina la Grande, realmente ella consideró su arquitectura de "nata batida" como anticuada. Cuando ascendió al trono, una serie de estatuas del parque fueron cubiertas con oro, de acuerdo con el último deseo de la emperatriz Isabel, pero la nueva emperatriz hizo que todas las obras se suspendieran al ser informada de los costes. En sus memorias censuró la imprudente extravagancia de su predecesora: El palacio se estaba construyendo entonces, pero era la obra de Penélope: lo que se hacía hoy, se destruía mañana. Esa casa que había sido demolida seis veces hasta sus cimientos, luego vuelta a construir hasta que alcanzó su estado actual. Se gastó en la construcción la suma de un millón seiscientos mil rublos. Existen cuentas que lo prueban; pero aparte de esta suma, la emperatriz gastó mucho dinero de su propio bolsillo en él, sin contarlo nunca.



Para gratificar su pasión por el arte antiguo y neoclásico, Catalina contrató al arquitecto escocés Charles Cameron quien no sólo renovó el interior de un ala en estilo neopalladiano que entonces estaba de moda, sino que construyó los apartamentos personales de la emperatriz, una estructura de reminiscencias griegas bastante modesta conocida como las Habitaciones de ágata y situada a la izquierda desde el gran palacio. Destacadas por su elaborada decoración de jaspe, las habitaciones fueron diseñadas de manera que enlazaban con los Jardines Colgantes, los Baños fríos y la Galería de Cameron (que todavía conserva una colección de estatuas de bronce) tres edificios neoclásicos construidos conforme a los diseños de Cameron. Según los deseos de Catalina, se erigieron muchas estructuras notables para su entretenimiento en el Parque de Catalina. Entre ellas, el Almirantazgo Holandés, la Pagoda chirriante, la columna de Chesme, el Obelisco Rumyantsev y el puente de mármol.



Cuando las fuerzas del ejército alemán se retiraron del sitio de Leningrado, hicieron destruir la residencia intencionadamente,1 dejando solamente la concha vacía del palacio detrás de ellos. Antes de la SGM los archivistas rusos consiguieron trasladar una fracción de sus contenidos, que demostraron tener gran importancia al reconstruir el palacio. Aunque la mayor parte de la reconstrucción se acabó a tiempo de Tricentenario de San Petersburgo en 2003, aún se requiere mucho trabajo para restaurar el palacio a su anterior gloria. Para atraer fondos, la administración del palacio últimamente alquila el Gran Salón para acontecimientos de alto nivel, como un concierto de Elton John para una audiencia de élite en 2001 y la exclusiva fiesta del año 2005 con gente del estilo de Bill Clinton, Tina Turner, Whitney Houston, Naomi Campbell y Sting. En la película de animación de la Twentieth Century Fox de 1997 Anastasia, el Palacio de Catalina está representado, erróneamente, como el hogar de la familia imperial.


Aunque los interiores neoclásicos de Stasov y Cameron son soberbias manifestaciones del gusto de finales del XVIII y principios del XIX, el palacio es conocido sobre todo por el gran conjunto de habitaciones formales de Ratrelli, conocidos como la Enfilada Dorada. Comienza en el espacioso y aéreo salón de baile, la «Gran Sala» o la «Sala de Luces», con un techo espectacularmente pintado, y comprende numerosas habitaciones menores distintivamente decoradas, incluyendo la reproducida Cámara de Ámbar.


El Salón Dorado o Salón del Trono, llamada en el siglo XVIII Galería Ligera, es una estancia formal en el estilo barroco ruso diseñado por Bartolomeo Rastrelli entre 1752 y 1756. El Salón del Trono estaba pensado para albergar las recepciones más importantes como bailes, cenas de gala y mascaradas. El salón estaba pintado en dos colores y tiene una superficie aproximada de 1.000 m2. Ocupa toda la anchura del palacio, las ventanas en el lado oriental que dan al parque mientras que las ventanas del lado occidental miran a la plaza del palacio. Por la tarde se encienden 696 bombillas sobre 12-15 candelabros ubicados cerca de los espejos. Las tallas y las ornamentaciones escultóricas y doradas del salón fueron creados según esbozos de Rastrelli y modelos de Johann Franz Dunker.


Más allá del Salón del Trono está el Comedor de cortesanos presentes. La habitación fue diseñada por Rastrelli a mediados del siglo XVIII. La pequeña habitación está iluminada por cuatro ventanas que dan al patio formal. El arquitecto ubicó falsas ventanas con espejos y espejos en la pared opuesta, haciendo la sala más espaciosa y luminosa. Decorada en el típico estilo interior barroco, la sala está llena de tallas doradas, complejas piezas doradas en las puertas y pautas ornamentales de flores estilizadas. El mural del techo fue pintado por un estudiante bien conocido de la Escuela Rusa de mediados del siglo XVIII. Se basa en el mito griego del dios sol Helios y la diosa de la aurora, Eos.


Cruzando el Comedor de los Cortesanos presentes, en el otro lado de la Escalera Principal, está el Comedor Formal Blanco. La sala se usaba para las cenas formales de la emperatriz o «comidas de la tarde». Las paredes del comedor estaban decoradas con la mayor extravagancia con tallas doradas. Los revestimientos consisten en tallas doradas sobre las consolas. El mural pintado, El triunfo de Apolo es una copia de una pintura realizada en el siglo XVI por el artista italiano Guido Reni.


La Sala de Retratos es un apartamento formal con una superficie de 100 m2. Las paredes de la habitación lucen retratos formales de la emperatriz Catalina I, la emperatriz Isabel Petrovna, así como pinturas de Natalia Alekseyévna, hermana de Pedro el Grande y la emperatriz Catalina II. Los suelos incrustados de la sala contienen maderas preciosas. El Despacho de Alejandro I fue diseñado entre 1752 y 1756 y pertenecía al conjunto de habitaciones privadas del emperador. El despacho destacaba del resto de habitaciones formales en el palacio debido al hecho de que sus paredes estaban cubiertas con seda china. Otra decoración en la habitación era típica de las habitaciones formales del palacio, un fresco en el techo y tallas doradas. Las elegantes mesas de cartas y cómoda de madera incrustada muestran porcelana de Berlín, china y japonesa.




El Comedor Verde, que reemplazó a los Jardines Colgantes de Rastrelli en 1773, es la primera de las habitaciones del ala septentrional del Palacio de Catalina, diseñado por Cameron para el futuro emperador Pablo y su esposa. Las paredes color pistacho de las habitaciones están revestidas con figuras de estuco de Iván Martos. Durante el gran incendio de 1820 la habitación quedó seriamente dañada, compartiendo de este modo la suerte de otros interiores de Cameron. Fue posteriormente restaurada bajo la dirección de Stasov. Otros interiores de Cameron eran la Habitación de los Camareros, con un suelo incrustado de palo de rosa, amaranto y caoba y estilosas mesas de cartas Chippendale; el Comedor formal Azul, con papel pintado de seda azul y blanco y chimeneas de mármol de Carrara; la Sala de Dibujo azul chino, una curiosa combinación de estilo Adam con la chinoiserie; la Antecámara del Coro, con paredes revestidas de seda color albaricoque; y el tocador con columnas de Alejandro I, ejecutado en estilo pompeyano.




1/29/2012

Henry Ambrose Oldfield, Acuarelas Para Nepal


Edición de 1890
Henry Ambrose Oldfield es un acuarelista nacido en el año 1822, fue estudiante de medicina en el Guy Hospitalen durante 1845, para la Universidad de San Andrés y asisitió como cirujano auxiliar en la Bengal Medical Service en 1846. Oldfield fue el médico de la residencia británica en Katmandú desde 1850 a 1863, durante los primeros años del reinado de Jang Bahadur Rana. El arte de Nepal la mayoría de los anteriores fue el arte religioso, pero Oldfield acuarelas son de temas seculares y, como tal, proporcionan información importante sobre la arquitectura del valle de Katmandú, en ese momento. Su trabajo era tan preciso que ha ayudado a orientar algunos proyectos de restauración recientemente. Con decenas de ediciones, desde 1880, se ha publicado su libro titulado "Sketches from Nipal" repleto de articulos ilustrados por el mismo artista., conteniendo las notas sobre las cualidades medicinales de diversas plantas, un diario de viaje a través de la Derbyshire y Yorkshire, incluyendo la lista de gastos, los comentarios sobre el campo, el arte y la arquitectura. Entre ellos hay dos fotos de sobre la retirada del ejército de Jang Bahadur sobre  la ciudad de Kyaurung, en la frontera tibetana. Olfield falleció en 1871.





1/03/2012

Wolfgang Amadeus Mozart, Réquiem



La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una obra de Wolfgang Amadeus Mozart basada en los textos latinos para el acto litúrgico católico ofrecido en las defunciones, se trata de su decimonovena y última misa. Mozart murió antes de terminarla, en 1791. En junio de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver Wolfgang, nació el 26 de julio.Pocos días antes se presentó en su casa un desconocido, vestido de gris, que rehusó identificarse y que encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II. Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.Más tarde se supo que aquel sombrío personaje (al parecer, llamado Franz Anton Leitgeb) era un enviado del conde Franz von Walsegg, músico aficionado y cuya esposa había fallecido.




El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato. Según la leyenda, Mozart, obsesionado con la idea de la muerte, desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por su vinculación con la francmasonería e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que éste era un mensajero del Destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.Mozart, al morir, consiguió terminar tan solo tres secciones con el coro y órgano completo: Introitus, Kyrie y Dies Irae.



Del resto de la Secuencia dejó las partes instrumentales, el coro, voces solistas y el cifrado del bajo y órgano incompletos, además de anotaciones para su discípulo Franz Xaver Süssmayr. También había indicaciones instrumentales y corales en el Domine Jesu y en el Agnus Dei. No había dejado nada escrito para el Sanctus ni el Communio. Aunque en un principio Constanze pidió al músico de la Corte Joseph Leopold Eyblerque terminase el Réquiem, fue su discípulo Süssmayer quien lo acabó (siguiendo las directrices de Mozart), completando las partes faltantes de la instrumentación, agregando música en donde faltaba y componiendo íntegramente el Sanctus. Para el Communio, simplemente utilizó los temas del Introito y el Kyrie, a manera de reexposición, para darle cierta coherencia a la obra. 



Una de las principales influencias de esta obra puede hallarse en el Réquiem de Michael Haydn compuesto en el año 1771 para la muerte del arzobispo de Salzburgo S. C. Schrattenbach.Aunque al parecer se tocaron extractos del Réquiem en una misa en memoria de Mozart celebrada el 10 de diciembre de 1791, el estreno de la obra completa se produjo en Viena el 2 de enero de 1793 en un concierto en beneficio de la viuda del músico austríaco (Constanze Weber). Fue interpretado de nuevo el 14 de diciembre de 1793, durante la misa que conmemoraba la muerte de la esposa del conde Walsegg, y bajo la dirección del propio conde.Después de esta interpretación, el conde Walsseg realizó una reducción para quinteto de cuerda, pero la obra no volvió a interpretarse bajo su patrocinio.