agosto 2012

8/30/2012

Il Colosso dell'Appennino, Un Gigante en Italia


La enorme escultura realizada por Giovanni Da Bologna en el Parco di Mediceo Pratolino. Este espacio libre y verde en su mayoría, se encuentra aproximadamente a 12 km de la ciudad de Florencia, en el camino hacia Bolonia. Desde 1568, el Parque de Pratolino comenzó siendo una hacienda privada de la familia Medici, Francesco I de 'Medici, Gran Duque de Toscana (25 marzo de 1541 hasta 17 octubre de 1587) ha construido el espacio diseñado por el arquitecto Buontalenti Bernardino para su entonces amante, más tarde segunda esposa, Bianca Cappello. Giambologna creó su gigantesca figura titulada Il Colosso dell'Appennino (The Colossus Apeninos) en 1579 - 1580. La figura es sorprendente, con su barba convirtiéndose en una maravillosa composición abstracta que también añade emoción a la obra. Cabe destacar que la escultura se compone íntegramente de ladrillos y piedra. Los ladrillos se pueden ver en algunos lugares, donde se vislumbra la escultura subyacente. La parte de piedra, con sus formas de estalactitas y texturas, se asemejan al cemento. Según los habitantes de la zona, dicen que el cemento fue inventado por los romanos y siglos antes de ser descubierto... Pero son solo rumores. Existe una gruta artificial debajo de la escultura y frente a un gran estanque lleno de peces. Este estanque tiene las mayores lirios de Italia. El parque se encuentra abierto generalmente a partir de mayo a septiembre y es gratuito, en el que tambien se incluyen visitas a las esculturas más famosas de Giambologna, como el bronce "Fuente de Neptuno" en Bolonia, el primer encargo que lo hizo famoso, el mármol "El rapto de las Sabinas", y Mercurio de bronce en el Museo Bargello de Florencia, Italia.





8/28/2012

Venus de Milo, El Secreto de sus Brazos


La Afrodita de Milos, más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada entre los años 130 y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza; mide aproximadamente 211 cmts de alto. Esta estatua fue encontrada en Milo (Islas Cícladas), desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville (viajero que realizó una parada en este lugar), no llevaba el dinero suficiente como para comprarlo, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua. En el momento en que iban a embarcarla con destino al palacio del príncipe, los componentes de una expedición francesa, que habían intentado en varias ocasiones adquirir la venus, les sorprendieron, entablándose una pelea por la posesión de la misma. e dice que en el curso de la reyerta la estatua se golpeó contra el suelo del embarcadero rompiéndose los dos brazos. Los franceses se hicieron con el trofeo sin reparar en ello y más tarde arreglaron la compra con las autoridades turcas. Según este relato, los brazos fueron recogidos por los turcos y permanecen enterrados en paradero desconocido. La falta de brazos ha disparado la imaginación y unos la ven con los brazos reposando a ambos lados del cuerpo, otros sujetando un espejo y un peine y los más con la mano derecha sobre el pliegue de la túnica y la izquierda sujetando una manzana (melos, en griego). La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural; se desconoce su autor, pero se cree que pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. 


A pesar de eso, la obra tiene influencia de Praxíteles y FidiasLa composición de Praxíteles se caracterizaba por una línea muy flexible que divide las figuras si se traza en el medio de arriba a abajo; todos tienden a estar reclinados y árboles, drapeados y otros elementos semejantes se usan como apoyo para las figuras de mármol, y se incluyen en el diseño en lugar de ser extraños a él; mismas composiciones que usaba Fidias. La autoría no está clara, porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos artistas de Antioquía llamados Agesandros y Aleixandros, aunque se desconoce si éstos eran lo autores de la obra o de otros pedestales colocados más tarde junto a la estatua. Se ha llegado a atribuir incluso a Scopasescultor clásico del siglo IV a. C., aunque en ella no se detecta el pathos característico de este autor. A pesar de todo el misterio y la leyenda, estos factores contribuyen a aumentar su encanto.




8/27/2012

Dmitri Oleyn, Estandarte Neoimpresionista Ucraniano


Dmitri Oleyn es un artista nacido en el año 1979 en la ciudad de Dnepropetrovsk, Ucrania. En el año 2000 terminó sus estudios en la Universidad de Bellas Artes de Dnipropetrovsk. En 2008 terminó en la Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura en la ciudad de Kiev donde actualmente vive y trabaja. El objetivo del artista es típico de los impresionistas de antaño, conseguir una representación espontánea y directa del mundo. La pintura de este neo impresionista se distingue sobre todo por su intento de captar la luz: los objetos se representan según la impresión lumínica reflejada en ellos y sus sombras; predominio de las pinceladas sueltas y rápidas y la yuxtaposición de sus colores, sensación de vibración, ausencia de contornos; sombras a base de color, lo que las convierte en impresiones donde queda plasmado lo fugaz, lo espontáneo y lo cambiante; efectos de aire, entre otras características. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





Alexander Spivak, Y La Magia se Hizo Presente


Alexander Spivak nació en la ciudad de Lviv, Ucrania, en el año 1958. Su estudio  y fascinación por las bellas artes comenzó a una edad temprana donde mostró un futuro prometedor. Comenzó a desarrollar su estilo único cuando asistía en la Escuela de Bellas Artes de Lviv. Las imágenes inusuales y sofisticadas del artista lo llevaron a través del período surrealista, al técnicamente perfecto simbolismo con un rico contenido artístico. Constantemente desarrollando su estilo, "Sasha" Spivak, estableció su propio mundo visual del simbolismo poético. "Siempre he estado interesado en la expresión plástica del pensamiento en mis pinturas, en última instancia, la creación de algo que se asemeja a una composición completa permitiendo la posibilidad de que otras cosas ocurran al mismo tiempo. Al contrario de otros campos del arte como la música, la literatura y el teatro, la estructura de las bellas artes realmente no permite la posibilidad de representar la acción, ni el desarrollo de la dinámica en el tiempo. Por lo tanto, a través de la voluntad de crear una idea sobre un lienzo que infunda complejos procesos cinéticos en la pintura, he progresado sobre un sistema de transformaciones. A menudo, las transformaciones de una forma a otra, suponen tal modificación al punto principal del sujeto que me ayudan a expresar las conexiones de la idea principal" Actualmente Spivak vive en Nueva York, EE.UU. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





8/26/2012

Ingrid Tusell Domingo, Experimentación Sobre la Femineidad


Ingrid Tusell Domingo es una artista de formación autodidacta nacida en Barcelona en el año 1978. Ingrid se destaca por su interés en la magia de la feminidad, en buscar que se esconde dentro de cada mujer, individualizar esa esencia y apartarla de todo lo demás, convirtiéndola en protagonista de un instante. "El pelo de una mujer es algo muy sensual. Me permito colores y formas inverosímiles, así como que las melenas se eleven como si quisieran ir con el viento o que estén hechas de diminutos puntitos o que lleven pañuelos de colores, como muchas mujeres de otras culturas. De una manera no muy consciente, en el color influye totalmente el estado de ánimo. Deseas experimentar con un color y no hay manera, no es el día y acabas por utilizar otro, el de tu estado de ánimo. En mi obra predominan los ocres y los violetas, me encantan y me cuesta dejarlos de lado, van conmigo. Creo que sobre todo, hago un arte emocional" Ingrid actualmente reside en la comarca Matarraña turolense.




Cristina Francov, Eterna Creadora de Pasiones Oníricas


Cristina Francov es una artista nacida en la ciudad de Aguascalientes, México, el 4 de marzo de 1989. Siendo la más joven en una familia donde la expresión a través del dibujo y la música han sido una característica inherente, aprende a desarrollar sus inquietudes plásticas de manera independiente, mientras cultiva el exquisito arte de jugar en soledad, haciendo de esta experiencia un hito para su técnica creativa. Ella asiste a dos cursos de pintura al óleo: el primero desde 1996 a 1997 y el segundo desde 2002 hasta 2003 y estas lecciones serían su único entrenamiento plástico hasta la fecha. A la edad de 15 años, con una cámara prestada y usando imágenes descartadas donde había participado como modelo, produce imágenes intervenidas digitalmente, centrándose en su fascinación por las experiencias oníricas, las mujeres metafóricas de la naturaleza, leyendas tradicionales de su ciudad natal o el misticismo oriental y el esoterismo occidental. Fascinada con esa técnica, trabaja hacia el tronco más incipiente de su obra desarrollando fotografías automáticas, dibujos y pinturas basados en un principio cuerpo-mente (la materia que impregna el espíritu), cuyo significado paradójicamente oscuro era difícil de alcanzar con el concepto de bondad-maldad, por lo que buscó la expresión espontánea, previamente inhibida por la convivencia humana. A principios del 2009, regresa a su frecuente enfoque creativo con una nueva configuración estética y práctica, sin abandonar sus temas deseados e iniciaciones inconscientes-oníricas, dejando a tres de sus mayores intereses a ser graduales y trascendentales: Historia, Filosofía y Ocultismo; la apertura de una calidad coherente con un toque de humor irónico, dramático y etéreo que permite que algunas de sus obras se relacionen con varias cosas y nada a la vez, formando diálogos paralelos entre lo inteligible y lo inconsciente, entre lo vivo y lo no vivo. Más tarde, une diferentes técnicas tradicionales, desentrañando una forma vital de entrenamiento mental, junto con una corrección referente a, técnica-cánones morales, que ha aprendido a lo largo de su arrolladora carrera. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web o Facebook





8/21/2012

Chong Fah Cheong, Arte Público Magistral


Chong Fah Cheong es un escultor profesional nacido en Singapur, en el año 1946. Se especializa en trabajos de madera, piedra y bronce. Vive en Singapur y en Merritt, Canadá. Nacido en una familia numerosa de un médico, desde la edad de cuatro años, le encantaba dibujar y ya mostraba su talento en el arte. En la escuela este talento continuó brillando, pero nunca fue bueno con las materias académicas. A la edad de 14 años, el joven Chong decidió abandonar la escuela. Pasó los próximos siete años, con el fin de enseñar, llevando una vida de clausura para ser entrenado como un maestro del noviciado Lasalle Brothers. En 1967, regresó a la vida secular y comenzó su carrera como maestro de escuela en Teluk Anson en Malasia. Es conocido por muchas esculturas públicas de Singapur. A pesar de que trabajó en una variedad de estilos desde lo abstracto a lo figurativo, su nombre se identifica con una serie de esculturas figurativas que representan la vida de las personas que viven y trabajan a lo largo del río Singapur. Él utiliza su medio a su máximo potencial, a menudo haciendo un comentario sobre cuestiones de la sociedad y social, sobre la búsqueda de la posición, la riqueza y el poder.. Y esto demuestra su lado caprichoso. Sus obras retratan un sentido del humor que puede ser apreciado por los adultos y niños por igual.


Fahcheong era un profesor de arte hasta 1978 cuando se convirtió en un artista profesional. En estos más de 20 años, ha participado en numerosas exposiciones de arte y llevó a cabo varias exposiciones individuales. Comenzó su carrera tallando en madera y luego avanzó a tallar esculturas en piedra de mármol, granito y otras, así como la fundición en bronce. Como una persona joven, completó sus estudios escolares en Singapur, luego fue a Penang, Malasia, donde recibió su certificado de enseñanza. Después de algún tiempo enseñando en España, regreso a Mlasia para continuar sus estudios en la Universidad de Singapur, donde se graduó con una licenciatura en Ciencias Sociales en 1971. Luego enseñó en las escuelas de arte de Singapur. Cuando el Colegio de Arte y Diseño La Salle-SIA (anteriormente Lasalle) en se formó en 1984, fue uno de sus profesores de. Aquí enseñó durante tres años. En 1989, se trasladó a la Columbia Británica, Canadá, donde ahora vive y trabaja. Estando en Canadá ha explorado los diferentes tipos de maderas locales, como el pino, el cedro, abedul y enebro, y piedras canadienses como jade, mármol, granito y otras. También ha enseñado como profesor visitante en una universidad local, el Nicola Valley Institute of Technology. En el contexto de la escena artística de Singapur, Fahcheong es considerado como uno de los escultores pioneros. En reconocimiento de esto, el Museo Nacional de Singapur invitó Fahcheong en 1991 para mostrar sus obras en una exposición de escultura nacional.


Este museo, que ahora se conoce como el Museo de Arte de Singapur, cuenta con una buena colección de esculturas de Fahcheong. Varias de sus esculturas de mármol públicas puede verse también en su país. Entre ellos están "Temu-sek", fuera de la estacion Somerset Mass Rapid Transit, "Bull and Bear", en la Bolsa de Valores de Singapur, "Una preciosa mamá" en la sede de la Junta de Vivienda y Desarrollo "Sagrada Familia", realizado por un iglesia en Katong. Fahcheong ha contribuido también muchas esculturas de bronce memorables al artscape Singapur. "Another Day" es una pintura de tamaño natural de dos peones o estibadores, delgados y musculosos, con un descanso para comer. Esto se puede ver en la Antigua Casa del Parlamento en la Plaza Emperatriz. "Once Upon a Time", una adquisición de la Junta de la Biblioteca Nacional, muestra cuatro niños de bronce sentado en las rocas de mármol leyendo. Una escultura de bronce y jade, llamada "Reaching Out", se encuentra fuera del University Hall de la Universidad Nacional de Singapur. Pero quizás la parte más visible y conocida de esta serie es la "primera generación" de bronce de cinco chicos jóvenes en el río Singapur, en frente de Fullerton Hotel.

También ha trabajado en Pietrasanta, Italia, donde creó sus esculturas de mármol al aire libre y en las fundiciones de bronce en Perth, Australia, y en Bangkok, Tailandia. Más recientemente, ha comenzado a tallar mármol en Ipoh, Malasia. Fahcheong es miembro de dos organizaciones de escultores, el Washington, D.C. International Sculpture Centr y la Northwest Stone Sculptors Association, que opera fuera de Seattle, en el estado de Washington. Asiste con regularidad a talleres de escultura y simposios. En el 2002, fue un participante en el Okanagan-Thompson International Sculpture Symposium celebrado en la región de Okanagan de la Columbia Británica, Canadá. Su escultura de bronce de tres niños que juegan en grandes rocas a la orilla de un lago, se encuentra en la orilla del lago Okanagan en la ciudad de Penticton. Al año siguiente, produjo una escultura de mármol llamado "Girl in the Cloud" para la comunidad Westbank. En 2005, fue a Vietnam para el Second International Sculpture Symposium en la provincia de Gang. A pesar de vivir en Canadá, Fahcheong ha asegurado que expone regularmente en Singapur. Chong En 2001 fue comisionado por las inversiones de Chong Wing Tai para crear una obertura, una escultura de jade 3.700 toneladas que se instalará en el patio de la Casa de Tan Yeok Nee. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web


8/20/2012

Jürgen Geier, El Marinero Mágico


Jürgen Geier es un artista nacido en la ciudad de Bietigheim-Bissingen, cerca de Stuttgart, Alemania en el año 1963. Después de la escuela, aprendió modelismo para coladas industriales, se fue a la mar, trabajó como jardinero y fue un servidor público en la oficina de Telecomunicaciones Alemana durante ocho años. De 1989 en adelante, pasó a convertirse en un aprendiz de dorador y trabajó para una compañía de cine y arte hasta el año 2000. Además de hacer marcos artesanales de pinturas, también realizó restauraciones de todo tipo, desde esculturas y muebles, a pinturas de toda clase. Durante su tiempo libre, construyo una goleta de 36 pies, que a tiempo parcial era (y sigue siendo) usada como su casa y estudio de arte. A finales de 2000, se traslada al norte de Alemania, con su pareja. Durante dos años, trabajó como obrero constructor de barcos de madera y fibra de vidrio para diferentes empresas. En 2003, decidió darle una oportunidad a su arte y comenzó a pintar a tiempo completo. El haber nacido en una pequeña y seca aldea del sur de Alemania, le permitió descubrir que el agua salada corría a través de sus venas. Ya su deseo de estar cerca del mar era irresistible. La vista a horizontes lejanos, el movimiento de las olas y la luz cambiante en un cielo sin fin, eran los elementos esenciales que habría necesitado para sentirse vivo. De pronto, el mar se convirtió en un rugido de escenas coloridas y desde ese día en adelante, su libertad se basaba en el olor de la trementina. Hoy en día, Geier vive cerca de la costa del Mar del Norte y el tema de sus obras se ha alejado de los paisajes marinos tradicionales de su juventud. Es la delgada línea entre el mar y la tierra, el breve momento de llenar el vacío de flujo a marea, el pequeño paso entre el sueño y la realidad, que le permitió abrir la siguiente página de su vida... una lámina desnuda de lienzo, ​​lista para ser llenada con sueños, miedos, alegrías y la realidad invisible. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web




Festival Fuji Matsuri, Los Fascinantes Túneles de Wisteria



Estas son algunas de las fotografías que retratan los sorprendente túneles de glicinas en Japón que por lo general florecen desde mediados de abril hasta mediados de mayo. Cada año, las glicinias florecen en grandes cantidades en los jardines de Kawachi Fuji en la ciudad de Kitakyushu a cuatro horas de Tokio. Aunque estas fotografías parecen irreales, casi como si de pinturas se tratasen, son increíblemente verdaderas. Tal vez muchos de nosotros estemos familiarizados con el festival Sakura Matsuri, o el de la Flor del Cerezo que se producen en todo el mundo durante esta época del año, pero lo cierto es que después de la caída de las flores de cerezo, Japón tiene otra celebración dedicada a sus flores, el festival Fuji Matsuri, o el festival de glicinias (Wisterias).

8/19/2012

Destino, Salvador Dalí y Walt Disney


En el año 2003, la empresa cinematográfica Disney lanzó un cortometraje de seis minutos llamado Destino, finalizando con el cierre de un proyecto que comenzó cincuenta y siete años antes. La historia de Destino se remonta al año 1946, cuando dos íconos culturales muy diferentes, Walt Disney y Salvador Dalí, unen sus habilidades y deciden trabajar juntos en un dibujo animado. La película fue el resultado de un storyboard de Dalí y Hench John (un artista de las filas de la Disney Studios) en el transcurso de ocho meses. Pero luego, abruptamente, el proyecto se canceló cuando la compañía de Walt Disney se encontró con problemas financieros, hasta el rápido avance de cincuenta y tres años. Mientras trabajaba en Fantasía 2000, el sobrino de Walt Disney, Roy Disney volvió a descubrir el proyecto con diecisiete segundos de animación original. El uso de este clip y los storyboards originales, junto a la implementación de veinticinco animadores de gran talento y la ayuda del productor Baker Bloodworth, llevaron la película hasta el final logrando así que se estrene en el Festival de Cine de Nueva York en 2003. Destino recibiría una nominación al Oscar al Mejor cortometraje de animación, entre otros elogios de los críticos. El clip contiene más de seis minutos de pura creatividad y cuenta con música escrita del compositor mexicano Armando Domínguez e interpretada por Dora Luz.

8/16/2012

Claudia Giraudo, Mensajera de Materia Onírica


Claudia Giraudo es una artista nacida en el año 1974 en la ciudad de Turín, donde aún reside y trabaja en estrecha colaboración con el estudio Indigo. Claudia comenzó un estudio introspectivo después de recibir su diploma de la Academia Albertina de Bellas Artes en 2001 para concentrarse en la cara como un mensajero intermediario lo que le permite buscar la intimidad artística que se centra en el rostro como transmisor de su mensaje. A través de los símbolos, Giraudo se apoya suavemente sobre temas que parecen etéreos, evanescentes, los espíritus del aire. Y como actores involuntarios toman el papel, las partes se mueven en los fondos, movidos por un material de base que es un sueño, como para recordarnos que estamos hechos de la materia que están hechos los sueños, y en el espacio y el tiempo de los mismos se encierran nuestras cortas vidas. Poner en tela los instantes en que los sueños convergen y huyen con la realidad es la prioridad actual de Claudia Giraudo. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web




8/15/2012

Igor Morski, Un Viaje a lo Absurdo y Steampunk


Igor Morski es un hábil ilustrador nacido en Polonia. Es creador de obras de arte increíblemente surrealistas tan bien ejecutadas, que nos transportan a un mundo completamente nuevo que parece tener una inclinación por lo absurdo. Su trabajo es muy similar a la sensación de estar imbuyéndonos en el universo literario de Franz Kafka o Samuel Beckett, donde verdaderamente, nada tiene sentido, y sin embargo, hay una estética de todo el asunto. La escena steampunk junto a las composiciones absurdas son abundantes. A lo largo de las dos décadas que abarca su carrera, el trabajo de Morski ha aparecido en numerosas revistas y ha recibido innumerables elogios. También ha realizado trabajos en publicidad y televisión, así como sus ilustraciones acompañan textos enteros de libros en Polonia. Cada una de las ráfagas visuales se encuentra sobrecargada de una increíble creatividad, como si fueran historias que podrían llenar un libro con muchas páginas fantásticas. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web