septiembre 2012

9/30/2012

Dominique Lecomte, Un Surrealista Francés en Brasil


Dominique Lecomte es un artista nacido en Francia en el año 1949. A los 7 años de edad, ya elaboraba entramados dibujos de tinta. Formado como dibujante y diseñador de arquitectura en 1955, se trasladó a Suiza en 1971, donde su interés en el comportamiento humano lo llevó a trabajar en una clínica privada de la psiquiatría como estudiante de enfermería y luego como terapeuta animador, tanto con los pacientes como con el personal. A lo largo de su vida, desarrolo un gran talento dento de la terapia ocupacional, terapia de deportes, el arte terapia, psicodrama, terapia de música, etc. En 1973, visita Brasil, mas precisamente Río de Janeiro, donde decide quedarse y dedicarse a las artes plásticas (pintura). De formación autodidacta, vivió solo de sus pinturas desde su llegada a Brasil. Hasta el año 1996, participó en algunas exposiciones, realizando varias exposiciones individuales y ha participado en salones de arte en donde fue ganador de la medalla de oro en 12 ocasiones, en la capital y en el interior de su ciudad. Participó en el centro de investigación de arte de Ivan Serpa, entró en la Unión de los artistas de Santa Tereza, y es miembro de la Asociación Brasileña de Artes Visuales. A partir de 1999, comenzó su trabajo como escultor, arte que agregada a la par del dibujo y la pintura. En 2005, se suma a su arte el diseño y modelado de joyas de plata. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





George Dunlop Leslie, El Lado Pictórico de la Vida Inglesa


George Dunlop Leslie es un pintor, autor e ilustrador nacido el 2 julio de 1835 en la ciudad de Londres, Inglaterra. Fue hijo del notable pintor de género, Charles Robert Leslie y sobrino del artista marino Robert Leslie. Cursó estudios de arte por primera vez en la Cary's Art Academy, y luego a partir de 1854 en la Royal Academy. Su primera exposición fue dentro de la misma academia en 1859, y mostró su trabajo cada año subsiguiente. Se convirtió en un Asociado en 1868 y un completo Académico Real en 1876. Al principio Leslie vivió en el distrito de St John's Wood (Londres), y fue parte de la Camarilla de St John's Wood, un grupo de artistas que estaban a favor de pintar temas de género. A partir de 1884 hasta 1901 residió en Riverside, Lane St. Leonard, Wallingford y Oxfordshire. Fue compañero artístico de James Hayllar quien era también un residente de la aldea y juntos pintaron un retrato de la reina Victoria en su Jubileo de Oro para el año 1887. A partir de 1906 vivió en el hotel Compton House de Lindfield. En sus primeras obras, como "Mathilda" (1860) mostró la fuerte influencia de los prerrafaelistas, pero se instaló en un estilo más académico, antigua vertiente estética de la pintura, con el objetivo de mostrar "fotografías de la vida cotidiana". A menudo utilizaba a los niños como sujetos y su trabajo fue elogiado por el escritor John Ruskin. Uno de sus cuadros titulado "This is the Way we Wash our Clothes", fue utilizado como cartel para una campaña publicitaria de jabón y a pesar de su tema aparentemente trivial, sin embargo, el trabajo de Leslie estaba muy bien considerado por los críticos de la época. Fue también un autor y tenía varios libros publicados, entre ellos, "Our River" (1888), "Letters to Marco" (1893) y "Riverside Letters" (1896); todos fueron ilustrados por el mismo artista, en blanco y negro, y con base en las observaciones personales de la vida y la naturaleza de su área local. También escribió una historia de los primeros años de la Royal Academy titulado "The inner life of the Royal Academy". Tenía una hija llamada Alice (que se muestra en su pintura "Alice in Wonderland") y un hijo llamado Peter (1877-1953) que era también un artista. Entre las amistades artísticas de Leslie se encuentran Sir Edwin Landseer, Frederick Walker y Henry Stacy Marks. En junio de 2000, "Las hijas de Eva", considerado como uno de los mejores cuadros de Leslie, y que había colgado desapercibido durante 40 años en una escuela del sur de Gales (Llantarnam Integral), se vendió por £170.000 a un coleccionista privado. El maestro George Dunlop Leslie fallecio el 21 de febrero de 1921.




9/29/2012

David Agenjo, Un Planteo Mas Allá de la Pintura


David Agenjo es un artista autodidacta nacido en la ciudad de Madrid, España,  en el año 1977. Desde el 2006 se ha dedicado a su pintura, exponiendo en Dublín, Londres y Madrid. Sus obras van más allá de los diseños artificiales de corta vida, para explorar la vida interior a través de la representación del modelo humano. En lugar de un planteo convencional, explora las posibilidades de un significado inherente en el cuerpo humano. Las manos y los rostros fuertemente hablan de los lienzos como metonimias de nuestras emociones, pensamientos y deseos. El lenguaje corporal se ve atrapado en una fuerte posición espontánea, o en reposo, descanso soñando. El color es un punto de la obsesión, un medio orgánico de la experimentación y de descubrimiento personal. En su último trabajo los lienzos están relacionados entre sí: ​​con un lienzo como una paleta para pintar, construye un mosaico de colores al azar, entonces las reformas en la base de su pintura siguiente las trabaja sobre lo que le fue dado a través de la anterior proceso creativo. Esta visión surgió a partir de los cinco años de vida en el taller de dibujo del Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde la comprensión incipiente de David de las posibilidades de significado inherente a la forma humana se ha desarrollado a través del trabajo constante en una práctica artística. Su dedicación al trabajo y el tiempo para perfeccionar su conocimiento del lenguaje visual del cuerpo humano continúan a este día, en su necesidad de representar nuestras psicologías, nuestros pensamientos y emociones, en la que es tan fácil perderse en las complejas culturas visuales del mundo moderno. Agenjo actualmente que vive y trabaja en la ciudad de Londres. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web





9/23/2012

Willem Haenraets, El Lado Romántico de los Países Bajos


Willem Haenraets es un pintor nacido el 9 de octubre de 1940, en Rotterdam, Países Bajos. Con sus colores suaves, el artista evoca un hermoso mundo de ilusión romántico en sus lienzos. Su talento fue descubierto a una edad temprana. Haenraets tenía sólo 16 años cuando comenzó su entrenamiento en la academia de Maastricht, que continuó con una educación superior en la academia de arte de Amberes. Una vez concedida una beca para estudiantes con talento, comenzó a recibir un reconocimiento artístico como estudiante de maestro artesano de la famosa academia de profesores Sarina y Vaarten. Todas sus pinturas son evidencia de que la gran tradición de la escuela belga-holandesa ha recibido una secuela floreciente. Los viejos maestros ciertamente le habrían dado a Willem un gesto de aprobación. Durante su vida ha exhibido sus trabajos con éxito en los Países Bajos, Bélgica, Reino Unido, Japón y Estados Unidos. Desde hace tres años que vivo con mi esposa Thea en España, en las inmediaciones de Alicante. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web



9/21/2012

Alan Fearnley, Clásicas Pinturas de Transportes


Alan Fearnley es un artista nacido en la ciudad de Yorkshire en el año 1942, es reconocido en todo el mundo por sus magníficos cuadros de automovilismo y la Fórmula Uno. Estudió en Batley , a finales de 1970 comenzó a alejarse de las pinturas clásicas y se dedicó hacia el transporte, especialmente trenes y automovilismo, dibujando carros de carreras modernos, lujosos autos antiguos, lentas locomotoras y trenes de gran alcance. En las pinturas de Fearnley la gente se combina perfectamente con la tecnología de la época, este hizo muchísimas pinturas, combinando diferentes tipos de vehículos sin perder el significado de toda la composición. Sus pinturas han ganado los elogios de los críticos y aficionados que aprecian su habilidad para crear escenas detalladas y técnicamente precisas, impregnadas de sentido tangible de la atmósfera y la emoción. Si alguna vez has visitado las oficinas corporativas de Rolls-Royce, Porsche, Mercedes Benz, por nombrar unos pocos, es posible que hayas visto un "Fearnley" colgado en la pared. Decenas de clientes corporativos y privados han encargado su trabajo ya que es uno de los más destacados artistas contemporáneos británicos de obras con temas de transporte.




9/20/2012

Sônia Menna Barreto, Fantasía Pictórica de Brasil


Sônia Menna Barreto es una artista nacida el 5 de noviembre de1953, en la ciudad de São Paulo, Brasil. Se graduó en el año 1960, asistiendo al estudio Waldemar da Costa. Entre 1974 y 1980, comenzó a asistir al estudio de Louis Portinari. Sônia utiliza técnicas en su trabajo como serigrafías, óleo sobre lienzo, giclée y muchas otras. La primera exposición que contó con su presencia fue en Nueva York, donde fueron expuestos algunas impresiones e hizo presentaciones a partir de entonces en doce ciudades, serigrafías. Fue la primer artista brasileña en formar parte de la Royal Collection, perteneciente a la familia del Barón Inglés Leonard Cheshire y el trabajo que se ha plasmado en esta colección, fue entregado en una ceremonia, al Palacio de Buckingham. Sonia fue la primera en Brasil en utilizar la técnica del Giclée para dar un mayor alcance a sus pinturas. Ella juega en Giclées sus propias obras. Las pinturas originales cuestan entre $45.000 y $90.000 y sólo son comprados por coleccionistas. Menna es considerada por algunos críticos como el artista brasileño más importante hoy en día. Ella es muy apegada al movimiento surrealista, y sus obras aún llegan a dar un toque de hiper-realismo. Aquel que entre en contacto con la obra, recibirá un gran impacto, ya que se mezcla ni mágenes de lo irreal con lo hiperreal, lo que hace que la gente vea una imagen imaginaria y tienen la impresión de que están viendo algo real. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web




9/19/2012

Ivan Albright, Detalladamente Grotesco


Ivan Le Lorraine Albright es un pintor nacido el 20 de febrero de 1897 en el norte de Illinois, EE.UU. Su padre era un pintor de paisajes, y provenía de una familia de maestros armeros, cuyo nombre original era "Albrecht". Junto a su hermano gemelo Malvin, fueron inseparables durante la infancia, y gran parte de su juventud. Ambos fueron inscriptos en el Instituto de Arte de Chicago, y sus padres realizaron una cara o cruz para decidir que Iván iba a estudiar pintura y Malvin escultura. Ivan particularmente ha admirado la obra de El Greco y Rembrandt, pero no tardó en desarrollar un estilo propio. Durante la Primera Guerra Mundial hizo dibujos médicos para un hospital de Nantes, Francia, cumpliendo con un trabajo morboso que probablemente influyó en su estilo posterior. Después de trabajar brevemente en la arquitectura y la publicidad, fue empujado por el comercialismo y tomó seriamente el camino de la pintura. Después de vivir en Philadelfia durante la mayor parte de 1925 y 1926, regresó a Illinois, donde comenzó a alcanzar cierto éxito considerable, teniendo su primera exposición en 1930. La cantidad de esfuerzo que empleaba en sus pinturas lo transformó en un hombre muy posesivo. Incluso durante la Gran Depresión cobraba 30 a 60 veces lo que los artistas comparables estaban cobrando, con el resultado de que las ventas fueron poco frecuentes. Con el fin de sobrevivir, contó con el apoyo de su padre, y tomó trabajos como carpintero. Albright se centró en algunos temas a través de la mayor parte de sus obras, sobre todo la muerte, la vida, la materia y el espíritu, y los efectos del tiempo. Él pintó obras muy complejas, y sus títulos igualaron su complejidad. No decía el nombre de una pintura hasta que fuera finalizada, momento en el que vendría con varias posibilidades, más poéticas que descriptivas, antes de decidirse por una. En 1942 es elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño y en 1943 recibió el encargo de crear la pintura del título de la adaptación cinematográfica de Albert Lewin, El retrato de Dorian Gray. Fue un artista prolífico durante toda su vida, trabajando como impresor y grabador, así como pintor. Era un purista de los detalles, hasta la creación de configuraciones complicadas para cuadros antes de comenzar el trabajo. Estaba obsesionado con la iluminación hasta el punto de que él pintó su estudio negro, y llevaba ropa de color negro para reducir el resplandor potencial. Más tarde Albright se mudó a Woodstock, Vermont, donde murió en 1983 y la ciudad lo homenajeó declarando un dia de festividad denominado Día Ivan Albright.




9/16/2012

Albín Brunovský, Un Maestro Contemporáneo del Grabado


Albín Brunovský es un pintor eslovaco, artista gráfico, litógrafo, ilustrador y pedagogo, nacido el 25 de diciembre de 1935 en la ciudad de Zohor, Checoslovaquia. Considerado uno de los más grandes pintores eslovacos del siglo XX. Comenzó su carrera en el arte, trabajando en escenografía y diseño de carteles. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bratislava con el profesor Vincent Hložník desde 1955 a 1961. La escuela de Hloznik era bien conocida por su alta preparación técnica y artística en las artes gráficas y su perspectiva humanista. Para el fundador, como para muchos de sus estudiantes, el cuadro de Goya "Los horrores de la guerra" sirvió como un patrón o modelo. En 1981 fue nombrado profesor, creando su propia escuela de grabado varios años después. Brunovský fue también el diseñador de la última serie de billetes checoslovacos. Sus ilustraciones eran principalmente para libros infantiles. A lo largo de su carrera, ha experimentado con diversas técnicas gráficas y fue muy influenciado en su tema por la poesía y la literatura, así como, por supuesto, como por otros artistas. Mientras que en la Academia utilizaba las técnicas de xilografía y linóleo. Poco después, sin embargo, comenzó a experimentar con "raspador" y tiza litográfica. El grabado era el modo característico de su obra gráfica a mediados de los años 1960, aunque sin embargo, la pintura formaba parte de su vida. Muchas de sus ilustraciones fueron realizadas en acuarela y con el tiempo comenzó a pintar obras más importantes. A medida que su dominio de las diversas técnicas ha ido evolucionado con el tiempo, también lo hizo su visión como artista. Cuando era joven, Brunovsky exhibía tendencias surrealistas definidas como la tendencia al individualismo y el absurdo y el juego sin control del subconsciente. Más tarde se convirtió su obra en algo más evaluativo y crítico del hombre en relación consigo mismo y la sociedad. El maestro Brunovský falleció el 20 de enero de 1997, en Bratislava, Eslovaquia.





9/13/2012

Pierre Auguste Cot, Bellas Piezas del Arte Académico


Pierre Auguste Cot fue un pintor francés de la escuela academicista. Nacido en la comuna de Bédarieuxel, Francia, el 17 de febrero de 1837. Estudió en primer lugar en l'Ecole des Beaux-Arts en Toulouse antes de mudarse a París. Entre sus grandes mentores se destacan Leon Cogniet, Alexandre Cabanel y William-Adolphe Bouguereau. Durante la década de 1870, su popularidad comenzó a crecer con gran rapidez. En 1874 fue nombrado Chevallier de la Legión de Honor. Creó varias obras que alcanzaron gran popularidad, incluyendo a Le Printemps, en la cual retrató a dos jóvenes amantes, y La Tempête. Ambas pinturas se encuentran en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de la Ciudad de Nueva York; La Tempêtepertenece al museo mientras que Le Printemps es parte de una colección privada. Cot también obtuvo reconocimiento por sus retratos, que consisten la mayor parte de su trabajo. Pierre Auguste Cot fallece en julio de 1883.




9/12/2012

Gleb Goloubetski, Imprecisas Pinceladas de Rusia


Gleb Goloubetski es un artista nacido en el pueblo siberiano de Omsk, en el año 1975 bajo el seno de una familia de artistas. Su padre, que murió cuando tenía seis años era un artista sobresaliente de la Unión Soviética, que pintó durante la mayor parte de su vida acontecimientos históricos, y su abuelo era un arquitecto. Su madre posee en la actualidad una galería en Omsk. El talento de Gleb fue descubierto durante su infancia y comenzó a vender sus pitnuras a los 15 años, y a los tres años estudió en una academia de arte en San Petersburgo, y de 1989 a 1995 continuó como estudiante en la clase magistral de Valerij Kullkov, un famoso artista académico en Rusia. Con el tiempo fue adoptando un estilo muy definido e inusual, con pinceladas de gran alcance y muy visible, cuidadosamente seleccionadas para parecer imprecisas (aunque, si nos fijamos bien, el contorno de sus edificios y objetos es muy preciso).Viajar es su pasatiempo predilecto, especialmente a los países soleados como Grecia, Italia, Egipto, Tailandia, Brasil y Maledives, visita a cada lugar por semanas a la vez para que pueda sentir el espíritu del país. Durante estas visitas pinta mucho, concentrándose en casas interesantes, flores, interiores y el contraste de luz y oscuridad. Para relajarse, Gleb pasa tiempo en las montañas del lago Baikal para estar en contacto con la naturaleza. En estos momentos, Gleb expone su obra en Praga, donde reside actualmente, así como Alemania y Londres. Sus pinturas también se mantienen en colecciones privadas en muchos países alrededor del mundo.





David Renshaw, Por Aquellos Eternos Amores


David Renshaw nació en la ciudad de Southport, Inglaterra en el año 1973. Siempre tenía amor por la pintura desde muy temprana edad, y después de terminar la escuela fue a la universidad a estudiar diseño gráfico antes de comenzar una carrera como diseñador de imagen. Durante este tiempo, David continuó desarrollando sus habilidades de pintura produciendo principalmente encargos y en 2005 se dedicó a la pintura a tiempo completo. Trabaja desde su estudio en Southport, David disfruta pintando una amplia gama de temas con una variedad de medios, incluyendo acrílicos, aceites y acuarelas. Su obra cuelga en las paredes de colecciones privadas de todo el mundo. "En el fondo siempre supe lo que quería hacer para ganarme la vida y en mis años escolares recuerdo que mi padre me enseñó algunos de los elementos básicos del dibujo y soñaba con convertirme algún día en un artista. Realmente me sentí interesado en el arte a tal punto que al terminar la escuela queria ser diseñador gráfico, después lo cual me llevó a trabajar en una galería de arte local como enmarcador. Siempre trato de hacer mi trabajo con cargas atmosféricas, me gusta prestar especial atención a las formaciones del cielo y las nubes, ya que considero a este elemento de mi trabajo, extremadamente importante para el estado de ánimo de la pintura acabada, ya sea una espectacular puesta de sol o una noche iluminada por la luna empañada. En el 2010 asistí a mis primeras exposiciones individuales y me siento muy privilegiado de que el trabajo ha sido muy bien recibido por los coleccionistas. Esto me da un gran estímulo para continuar desarrollando mi trabajo en el futuro". Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web