marzo 2013

3/27/2013

Takashi Akasaka, Románticas Acuarelas Japonesas



Takashi Akasaka es un acuarelista nacido en la ciudad de Yokohama, Japón, en el año 1953. Después de su graduación de la universidad, Takashi trabajó durante 30 años en el campo de la ilustración arquitectónica. Para este trabajo de ilustración utilizaba simplemente acuarelas opacas. Pero en el 2006 comenzó a pintar con acuarelas transparentes, por lo que tuvo que aprender una nueva forma de pintar utilizando este medio artístico. De pronto, tuvo que cambiar su punto de vista, al pasar de una ilustración que debe coincidir con la realidad, a la pintura de acuarela artística, en la que debía expresar el sentimiento de la escena y hacerse cargo tanto de la composición como de la paleta a usar.

3/26/2013

Gabriel Sainz, Melancolía Acrílica



Gabriel Sainz es un artista nacido en Buenos Aires en el año 1967, Nacido bajo el seno de una familia de amantes del arte, su madre estudió Bellas Artes y su padre era un aficionado al dibujo, y ellos ellos terminaron siendo quienes lo estimularon en los primeros años en lo que luego sería su vocación definitiva. 

Antes de cumplir sus treinte años, asistió a los talleres de Guillermo Roux, Eduardo Faradje y Guillermo Urbano. También asistió al taller de Juan Doffo y fue becado por la Fundación Antorchas donde tuvo como profesores a Remo Bianchedi, Marcia Swartz, María José Herrera y Laura Batkis. Cursó también la Licenciatura en Artes Visuales en I.U.N.A. (Instituto Universitario Nacional del Arte), sin finalizarla.

3/20/2013

Los Colosales Templos de Abu Simbel


Son dos templos de rocas macizas en Abu Simbel, Nubia, al sur de Egipto. Están situados en la orilla occidental del lago Nasser, a unos 230 km al suroeste de Asuán (300 km por carretera). El complejo forma parte del Patrimonio Mundial de la UNESCO conocido como los "Monumentos de Nubia," que van desde Abu Simbel hasta Philae río abajo (cerca de Asuán).

3/17/2013

Glen Tarnowski, Naturaleza Surrealista



Nacido en el año 1961 en Culver City, California. Tarnowski estudió en el Art Center de Pasadena, California, bajo uno de los más difíciles y exigentes planes de estudios de la educación artística. Un cambio más profundo en su vida llegó con un esclarecedor viaje a Europa. Como dice Glen, "Pintar en Europa fue una extensión natural de mi mismo". Su interés por los maestros del Viejo Mundo, como Rembrandt y Rubens, se ha intensificado a medida que estudiaba el uso de la técnica Chiaroscura. Estudió bajo la tutela del artista David LaFelle durante seis años en Santa Fe, Nuevo México. Con esta experiencia, revivió la verdadera emoción inherente en las pinturas de los viejos maestros.

3/08/2013

"El Paraíso" de Tintoretto Vuelve al Museo Thyssen




El lienzo de 425 años y ocho metros cuadrados (inspirado en el paraíso dantesco de la Divina Comedia) permaneció nueve meses dentro de un cuarto vidriado en el hall central del museo, mientras dos restauradoras lo reparaban a la vista de los visitantes.

Es la primera vez que en España se realiza un proceso de reparación de esas características, que no es el más sencillo, sino que tiene que ver con priorizar "la atracción del público, mostrando lo que ocurre entre bambalinas, en la cocina de la obra de arte", resaltó su director artístico, Guillermo Solana, a la agencia alemana de noticias DPA.

Las curadoras Susana Pérez y Alejandra Martos fueron las encargadas de la reparación del lienzo que recrea distintas jerarquías angélicas, religiosas y de bienaventurados rodeando a la Virgen María en su coronación. 

El Paraíso, espectacular lienzo con el que Tintoretto quiso rivalizar con la mismísima capilla Sixtina de Miguel Ángel, ha regresado esta mañana a su emplazamiento habitual, al final de la galería que da entrada al Museo Thyssen en Madrid, tras una restauración subvencionada por el proyecto de conservación de arte de Bank of America Merril Lynch.

En una operación de tintes cinematográficos, el equipo de brigadas de la pinacoteca ha trasladado el enorme cuadro ante la vista de un nutrido grupo de periodistas y empleados del centro. Ciertamente están poco acostumbrados a trabajar con público, pero esta vez era distinta. Después de todo, la última fase de la restauración (la más artesanal, la que llega tras las radiografías, las fotografías y reflectografías infrarrojas y los análisis químicos) se ha practicado a la vista de los visitantes.

Desde julio, Susana Pérez y Alejandra Martos, del equipo de restauración del Thyssen, han trabajado ante el público en una suerte de vitrina a la entrada del edificio para corregir faltas, retirar repintes y devolver todo su esplendor a la obra maestra de Tintoretto, una de las más importantes de la colección.

Guillermo Solana, director artístico del museo lo ha comparado con “un reality contemporáneo” y con uno de esos “teatros anatómicos” en los que los estudiantes de cirugía observan una operación en directo y se ha felicitado por la decisión de efectuar los trabajos a la vista de todos: “Hemos conseguido una relación más íntima, diría que hasta física, entre el museo y los visitantes, justo ahora que celebramos el veinte aniversario”.

Una vez que los brigadas, perseguidos por un enjambre de fotógrafos y camarógrafos, han acarreado el cuadro para cubrir la distancia entre la UVI artística y el emplazamiento final, una máquina hidráulica ha elevado el lienzo de tamaño extraordinario (169,5 x 494 cm). Este Paraíso, en el que se representan los círculos concéntricos de la gloria, fue el segundo de los dos bocetos presentados hacia 1588 por Tintoretto al Senado veneciano, que buscaba decorar la pared que remata la estancia principal del palacio de los Dux, la sala del Gran Consejo.

Con el cuadro bien asegurado en la pared, ha llegado el momento de los reconocimientos (al banco benefactor, que ya apoyó la restauración en el Reina Sofía de la Mujer en azul, de Picasso). También, la hora de compartir los secretos que toda restauración sale a la luz. Esta ha servido para confirmar la sobrenatural destreza técnica de Tintoretto, que pintó todas las figuras desnudas, en un “inusual alarde anatómico”, para después vestirlas con el pincel, según ha revelado Ubaldo Sedano, restaurador jefe de la pinacoteca.

Pero sobre todo ha sido el momento de acercarse al cuadro y contemplar de cerca esos azules y amarillos subidos, la sensacional distribución de los espacios y los gestos y el genio delicadamente desmayado de Tintoretto, que desde hoy luce en el Thyssen en perfecto estado de revista.














3/07/2013

3/04/2013

Bad Dog, Un Pequeño Amigo Visita el Museo





Esta fascinante creación de 24 pies de altura, obra del escultor Richard Jackson está imponiendo su marca al conseguir que los transeúntes tomen nota del Museo de Arte de Orange County. Bad Dog es lo que el artista proveniente de la ciudad de Sierra Madre llama a su última creación. Y es algo que no pasa desapercibido ya que uno puede verlo mientras conduce por la calle San Clemente , justo en el medio de altos edificios de oficinas.

El perro es parte de la exhibición de Jackson titulada "Ain't Painting a Pain", que se estrenará el domingo. "Bad Dog" recibe cada vez más comentarios positivos de los espectadores, dijo el portavoz del museo Kirsten Schmidt. También afirma que el museo ha recibido varios correos electrónicos sobre el perro gigante. 

"Tenemos uno de un sitio web australiano preguntando si era una algún tipo de broma", dijoAlgunos comentaron que el museo debería haber hecho al perro, anatómicamente perfecto. Pero la mayoría de las respuestas fueron positivas", expresó con regocijo. "Mi intención no es escandalizar u ofender a ninguna persona o grupo en particular. La reacción de la gente a "Bad Dog" o cualquier arte, para el caso tiende a variar"

Este perro gigante fue hecho a mano con de fibra de vidrio y otros materiales compuestos, con la ayuda de una empresa de ingeniería en Santa Ana. Se compone de 52 piezas cortadas digitalmente que se ensamblaron en el lugar. Una vez que la cáscara se colocó, Jackson cargó al perro con un gran cubo de pintura amarilla, la cual roció en la pared. Ahora hay una bomba que continuamente podría disparar la pintura, dijo Jackson.

"A mi modo de ver, es divertido", comenta. "Entiendo que Newport Beach ha sido tradicionalmente una comunidad conservadora. Pero éste es un museo de arte. Esta obra de arte está haciendo un comentario o declaración".

El perro es lo que Jackson llama una "máquina de pintar", un mecanismo que ayuda a crear obras de arte. Tiene por lo menos una media docena de máquinas de pintura como parte de la exhibición, incluyendo una manada de ciervos estatuas que disparan bolas de pintura. Schmidt dice: "Bad Dog es sólo un adelanto de lo que el público puede esperar ver en el interior del museo. Se trata de esperar lo inesperado. Bad Dog no va a ser una instalación permanente, dijo Schmidt. Será derribado después de la exposición concluye 5 de mayo"









3/03/2013

Chester "Skip" Armstrong, Motivado por la Magia de la Madera



Chester armstrong es un escultor nacido y criado en la ciudad de Berkeley, California.  Ya en el año 1960, asistió a la Universidad de Berkeley y se graduó con un título en Teoría Poética y Filosófica. A principios de los años 70, después de viajar a través de América Central y una breve estancia en Vermont, llegó al norte de Oregon en busca de "el espacio sin persecución", donde las estrellas no son ahogadas por las luces de la ciudad, y durante los últimos treinta y cinco años ha vivido en la pequeña ciudad de Sisters, Oregon.

Armstrong es un artista autodidacta con el lema. "puedo hacerlo". En base a esta actitud, ayudó a ejecutar un campamento de YMCA (Young Men's Christian Association) en Spirit Lake, Washington, a principios de los años 70, donde quería introducir a los jóvenes a las  costumbres de los nativos americanos del Noroeste, el significado de sus postes totémicos y mascaras. Al no poder encontrar a nadie que impartiera las clases, asumió el papel de maestro y fue en ese instante cuando descubrió que tenía un don natural para la forma y las proporciones.

"Puedo ver las formas de los troncos sin procesar" afirma Chester, es como Miguel Ángel decía "Basta con echar fuera todo lo que no se parece a nueve caballos que corren". En sus últimos cuarenta años, motosierras, trituradoras y cinceles en la mano de Armstrong han sido parte de su vida. "Me siento enganchado en escultura de madera". Fuera de su local de maderas de Oregon, esculpe el mundo que ve alrededores con maderas de enebro, arce, pino, y nogal... Águilas, lobos, pumas, coyotes aullando a la luna, garzas majestuosamente encaramadas en el borde del río. 

El estilo artístico de Chester se puede describir como el lo ha llamado, "un realismo ligeramente estilizado", donde la gracia y el ritmo de la linea escultorica o silueta, toman la precisión con precedentes anatómicos. Sus obras se encuentran en galerías de todo el oeste de Aspen, Vail, Taos, Santa Fe, Jacksonhole, y en las iglesias, sobre todo los 16 metros de altura de las puertas de la Catedral de St. Mary´s en Boise. Actualmente vive con su esposa, la cantante y compositora, Anastasia, a la sombra de las montañas Three Sisters, dentro de 20 acres en el borde del desierto, lo cual se transforma en toda su inspiración. Si estás interesado en conocer con mas detalles la obra de este artista, visita su Web







Ronit Baranga, Sin límites de Creatividad


Ronit Baranga es una escultora israelí, nacida en el año 1973. Estudió psicología y literatura judía, pero pronto se dio cuenta que su verdadera vocación es el arte. Después de graduarse en la Universidad de Haifa y Tel Aviv, se matriculó en el Colegio Beit Berl (Bet Berl College) para separar las artes prácticas y continuar su formación artística en la Escuela de Oro, Plata y Artesanías Yyaelya Skeds. Ronit utiliza arcilla y porcelana para crear obras de arte únicas que atraen una atmósfera inusual que rodea a su creación. 

Los objetos cotidianos parecen casi vivo. Donde menos se espera, hay bocas y brazos, la tela de araña atrapa algunos tesoros olvidados, pulseras estrangulando a sus víctimas y al mismo tiempo quieren liberarlos. Ronit, por supuesto, tiene la imaginación muy vívida y aunque ella coquetea con extremos, sus esculturas siguen presentes con un encanto terrenal.

Una de sus últimas creaciones Jarrón Antropomórfico (tercer foto), parece ansioso por agua. La idea, que Ronit plantea es que los vasos tienen una relación simbiótica con las flores. Agua alimentando flores en el florero, y el resultado es bastante impresionante, abierto a la interpretación, y asociaciones inconscientes, ya que no se sabe si la boca es vegetariana o incluso pudo comer sus propias manos. Ronit fue inspirada por una pequeña botella de perfume, que fueron utilizados como amuletos de la antigüedad, y se hacían en forma de anillos. 

Definitivamente tiene la capacidad de impresionar con su trabajo, amplía el concepto de belleza demostrando que en el arte no está todo dicho. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web



3/02/2013

José Higuera, Sensible Hiperrealismo en Cantabria


José Higuera es un pintor nacido en Alemania, en el año 1966. Su familia, de origen español, se traslada a España cuando el cuenta con tan solo dos años de edad. Desde su infancia muestra gran interés por el dibujo y la pintura, un hecho destacado por sus profesores. Alentados por los mismos, su familia, al ver que el interés de José por el arte era cada vez mayor, no tardan en proporcionarle los materiales necesarios para sus primeros pasos dentro del mundo de la pintura por lo que a los diez años comienza a pintar al óleo, siendo su abuela materna quien decide que debería de tomar clases de dibujo y pintura con algunos pintores locales.